jueves, 5 de marzo de 2015

Las #38de1938 por @JaviL32

Os presento aqui lo que un ilustre votante de Las5peliculas @JaviL32  se ha currado esta semana mientras votabamos 1938



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miércoles, 4 de febrero de 2015

Los violentos de Kelly (1970)


Los Violentos de Kelly, puesto 9 de 1970 con 40 votos, la pelicula belica llevada al tono socarron y picaro con cierto tono burlesco donde un grupo de soldados quiere dar un golpe y robar un botin de oro al enemigo, lo malo que ese botin se encuentra detras de las lineas enemigas...
No me gustó demasiado esta pelicula, muchas veces perdí el interes y las ganas de continuar debido a su largo metraje (no me gustan las peliculas de mas dos horas, deformacion personal)



Os dejo la critica de @AlbertoAbuin para Blog de cine

No leer si no se ha visto la película.
Según Eastwood, ‘Los violentos de Kelly’ podría haber sido una de las mejores películas bélicas de la historia. El guión inicial tenía un marcado carácter antibélico, y reflexionaba sobre la autodestrucción del ser humano, con una gran carga irónica. Pero los estudios querían un film bélico lleno de secuencias de acción. A pesar de que Eastwood intentó hacer ver a los productores que con ese punto de vista el film ganaría muchísimo, en la sala de montaje pasaron olímpicamente de él, algo que hizo nunca volviese a tratar con un productor (supongo que habría que añadir inteligente).
‘Los violentos de Kelly’ se sitúa durante la Segunda Guerra Mundial, tras el desembarco de Normandía. Un pelotón americano captura a un oficial alemán, por el que Kelly se entera de que el enemigo tiene un gran cargamento de oro escondido en un banco de Claremont, localidad tras las líneas enemigas. Kelly pronto tramará un plan para hacerse con el oro, pasarse la Guerra por el forro y ser ricos el resto de sus vidas. No pocos se le unirán.


‘Los violentos de Kelly’ tiene muchos puntos de contacto con ‘El desafío de las águilas’. Segunda Guerra Mundial, una misión suicida (en la primera dentro de la Guerra, y en la segunda fuera de ella), y un reparto con unas cuantos rostros conocidos, todo de cara a conseguir un gustoso rendimiento en taquilla. Sin embargo, hay una gran diferencia entre ambas películas que la distancia considerablemente. ‘El desafío de las águilas’ era una película loca en su planteamiento, pero su tono era totalmente serio, mientras que en ‘Los violentos de Kelly’ el humor baña la mayor parte del metraje, llegando por momentos a resultar un film paródico.
El humor está introducido a lo largo del film en situaciones tan dispares como aquella en la que el encargado de los bombardeos se disculpa histéricamente ante Kelly por sus errores. Temeroso de que aquél vaya a hacerle algo, el nivel de desesperación que alcanza el personaje, harto de la Guerra, es delirante, casi al borde de la locura, y uno de los pocos elementos críticos que quedaron del borrador original. Ya dentro de la misión, que en realidad no es tal, pues son ellos mismos los que deciden ir por su cuenta a buscar el oro, aprovechando un permiso de tres días, se introduce en la historia uno de los elementos más recordados del film: tres tanques Sherman, capitaneados por un atractivo personaje, que es un hippy. Algo totalmente anacrónico, y que sin embargo funciona de maravilla por lo excéntrico del mismo.


 Tampoco podemos soslayar a ese oficial americano, harto de la cobardía o desdén de sus hombres, y que por accidente es testigo por radio de las andanzas de Kelly y los que le siguen, pensando que se encuentra ante soldados únicos y valerosos...  (seguir leyendo la critica original)


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martes, 3 de febrero de 2015

Pequeño gran hombre (1970)



Puesto 10 con 39 votos en 1970, la película de Arthur Penn narra en clave de humor-satira y mediante flash-back las aventuras y desventuras de un anciano de 121 años que sobrevivió después de ser capturado por los Cheyennes, y tras escapar de la tribu, a la vida en el salvaje Oeste y sus desventuras.
No fue de mi gusto cuando la vi, quizas esperaba una epica mas seria y no llegue a entrar en el juego ese que te propone el director, de hecho la larga duracion hizo que por momentos me aburriera, aun asi goza de un gran prestigio en el ambito cinefilo.

Os dejo la reseña de @CINEBL0G

Famoso por la violencia que desprendían films como “La jauría humana” (1966) o “Bonnie & Clyde” (1967), el director Arthur Penn (que también había dirigido el apreciable western “El zurdo”, 1958, o la estupenda “El milagro de Ana Sullivan”, 1962) supo imprimir a esta epopeya irónica y desmitificadora ese gusto por revisionar los género clásicos que caracterizaba a la constestataria generación de finales de los años 60. Un revisionismo satírico que convierte este estravagante ‘western anti-sistema’ (basado en una novela de Thomas Berger) en un ejemplo perfecto de como se utilizaron los diversos géneros para mostrar el descontento hacia la guerra de Vietnam o las políticas sociales.

El film nos cuenta la historia de Jack Crabbe (un sensacional Dustin Hoffman), el cual relata sus experiencias.... (sigue leyendo la critica original)



Critica de Xavier Vilareyo:

La película de 1970 del realizador Arthur Penn, basada en la novela de Thomas Berger, supuso todo un giro conceptual en la manera de filmar las llamadas “películas del Oeste” o de “indios y vaqueros”. Pequeño gran hombre destruyó muchos mitos del género enterrando para siempre la visión idealizada de John Ford sobre la bondad de los “blancos” con su Séptimo de Caballería y la maldad de los “indios”, dándole por completo la vuelta a este calcetín ideológico que nos transmitiera Hollywood hasta la fecha. Penn ridiculiza figuras tan míticas como la del pistolero heroico (interpretado aquí por un ridículo Dustin Hoffman) y las del ejército de Caballería de los Estados Unidos que son presentados como unos asesinos despiadados en contraposición con la beatífica, sabia y pacífica vida de los pobrecillos indígenas nativos. La propia figura patriótica del general Custer es presentada como la de un verdadero majareta.


   La simpatía de Penn hacia los indios es evidente: ellos son los sabios, los prudentes, los cuerdos, los compasivos, los verdaderamente humanos. Así, la esposa india del protagonista, compasiva con sus hermanadas viudas, quiere que su marido yazca igualmente con ellas para apaciguar sus deseos, ejemplo de una cultura india menos hipócrita que la cultura cristiana.
   El protagonista es un hombre blanco que capturado de niño por los cheyennes se cría con ellos como uno más luego de librarse de la matanza de toda su familia en un ataque cheyenne a su caravana. Lo llaman Pequeño Gran Hombre porque a pesar de ser de poca estatura es muy valiente a pesar de lo cual cae prisionero del Ejército americano volviendo a (mal)integrarse en la sociedad blanca .... (sigue leyendo la critica original)




Antonio Pedro Pérez Delgado Esta película la vi en el cine cuando se estrenó (ventajas o desventajas de tener la edad que tengo), después la he visionado varias veces, ya en pantalla pequeña. la verdad es que no es lo mismo. A mi me gusto muchísimo, en todos los sentidos, el guión adaptado, supuso una ruptura sobre la concepción que teníamos por aquel entonces sobre los westerns, la fotografía, magnifica con un colorido espectacular, una dirección dinámica de Arthur Penn, no digo que sea su mejor película, pero si la más me ha gustado. Los interpretes están soberbios, Dustin está que se sale, sobre él recae todo el peso de la película y creo que lo solventa de manera magnífica. he dejado para lo último la música, sobre todo la que concierne a las escenas de pradera, esa armónica metiendo "caña" la verdad es que me pone a cien. Le doy 9 claquetas

 Carlos Vitoria Epico y Dustin Hoffman en la misma frase? Creo que pecaste de ingénuo Chema.Este tipo de actores no hacen películas que calificarías como épicas.

 Pablo Vázquez Pérez Qué bueno haberla visto en cine Antonio, y qué disección breve y valiosa sobre la peli. Al hilo de los que comentabaChema, es lógico que no le guste porque lo que cuenta Pequño gran hombre es una revisión de esa épica del western y como han dicho antes, es casi en su totalidad una comedia, esperpéntica. Pero gracias a esta y a Peckinpah, el western es más realista y más mítico si cabe. Por otra parte, yo la vi con 13 y luego unos veintitantos años, en pases de RTVE, y me asombra no ver mencionado nunca el paralelismo de una novela y peli posterior MUY FAMOSA en la manera de tratar la historia de este superviviente que pasa por casi un siglo de historia de los EEUU. No os echéis encima pero pensad que Forrest Gump, por avatares, cómo sale de las situaciones y el poso tierno y de humor mezclados, es una peli y libro que le deben mucho a Pequeño gran hombre. Sí, repito, Forrest Gump.


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domingo, 1 de febrero de 2015

Circulo Rojo (1970)


Circulo Rojo de Jean-Pierre Melville puesto 11 de 1970 con 34 votos, es una pelicula de cine negro Frances, encuadrada dentro de su trilogia de Cine Negro,  en ella el protagonista Corey,sale de la carcel momento en el que se une a Vogel, un profujo de la justicia y deciden unirse para dar un golpe que satisface a ambos y no solo por el botin que consigan.  Se basa en un guión ingenioso, bien concebido y construido con gran sentido del ritmo y la intriga. Destaca su sobriedad, elegancia y precisión. Desarrolla una historia esencialista, depurada y estilizada, de gran fuerza expresiva. 

Sidhartha Gautama el sabio, más conocido por Buda, cogió una tiza roja, trazó un círculo y dijo, “Si unos hombres, incluso aunque ellos lo ignoren, deben volver a encontrarse un día, pese a lo que les haya podido suceder o a los caminos que hayan seguido, ese día, ineluctablemente, serán reunidos en el círculo rojo".  

Os dejo la critica de Cinematismo: 


El director francés Jean-Pierre Melville era una criatura de hábito y convicción. Solo podía escribir de noche; siempre manejaba un auto norteamericano, nunca abandonaba su casa sin su Stetson y sus gafas de sol Rayban; y creía que era posible dirigir sustantivas cuestiones dentro de las películas de crimen. Mientras que algunas de sus trece películas son adaptaciones de novelas clásicas francesas, como la delirante y alterada versión de la novela de Jean Cocteau, Les Enfants Terribles (1950), la mayoría de su otro trabajo yace en el genero que los franceses llamaban policier, en la cual los criminales y los policías competían por la supremacía.

Al mismo tiempo, Melville tenía poco interés en la clase de pirotécnica que los norteamericanos a veces adoptaban cuando trabajaban en este estilo. Por ejemplo, tomen la película de Michael Mann, Heat (1995), un notable ejemplo de la influencia francesa en una película domestica y una exitosa pieza de trabajo por derecho propio. El severo rostro que el jefe de los ladrones, Robert DeNiro, adopta se parece a la inconmovible postura de un numero de protagonistas de Melvilla, y la memorable confrontación entre este personaje..... (sigue leyendo la critica original)



Y la critica de Circulo y Lombriz

Herman@s, en verdad os digo aquí y ahora que la principal diferencia entre el cine americano y el europeo es que los americanos ponen más de todo en sus películas: más dinero, más planos, más música y, sobre todo, más diálogos. Pero, por lo demás, ambas filmografías nos cuentan siempre las mismas historias. También os digo que veais "La jungla de asfalto" (1950) de John Huston y seguidamente Círculo rojo de Jean-Pierre Melville: comprenderéis todos los misterios del noir y tendréis una iluminación como la del Buda. Y si no la tenéis, al menos habréis sido afortunados en videar dos de las cimas mundiales del cine negro, que no es poco.

Lo que pasa es que yo soy un tramposo y marco las cartas cuando juego a cinéfilo sabelotodo al hermanar, tan alegremente, las intenciones narrativas yanki y gabacha porque, como decimos en el título del post, el judío Monsieur Melville es... (sigue leyendo la critica original)

Critica de 35 Milimetros



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sábado, 31 de enero de 2015

El conformista (1970)



El conformista de Bernardo Bertolucci quedo decimosegunda de 1970 con 33 votos. Esta historia del director italiano narra una historia de pasado y presente en la Italia de los años 30 donde se mezclan amor, venganza y politica. Realizada en su primera etapa antes de los exitos de El ultimo tango en Paris y Novecento es una muy apreciada pelicula que fue nominada al mejor guion en los Oscar y a la mejor pelicula de habla no inglesa en los Globos de Oro





Os dejo la reseña que hizo la Revista Magnolia @RevistaMagnolia

Antes de la revolución (Prima della rivoluzione, 1964) no es de las películas más conocidas de Bernardo Bertolucci, que comenzó a cobrar verdadera fama y a trabajar en producciones más importantes a partir de El conformista (1970), nominada a un Óscar, y del revuelo que produjo El último tango en París (1972). Se trata, no obstante, de uno de sus trabajos más personales y sinceros. La commare secca (1962) es su primer largometraje y está basado en un guión de Pier Paolo Pasolini pero Antes de la revolución, realizada dos años después, es su primera película de autor.



El joven director de 23 años de edad demuestra una sorprendente madurez tanto en recursos y en poética cinematográfica como en la crudeza del discurso político, moral y filosófico. Bertolucci se llena la boca con referencias continuas a aquellos que admira (Pasolini, Stendhal, Wilde, Proust, Rossellini, Renoir, Hawks, Antonioni, entre otros) aunque lo hace con cuidado, cariño y con gran carga emotiva. La música cobra importancia convirtiéndose en un elemento dramático fundamental; con el trabajo de Ennio Morricone y Gino Paoli. La fuerza que desprende el Macbeth de Verdi denota todo el dramatismo que implica el conflicto interno que padece el protagonista. Aquellos elementos que, sin duda, nos reenvían.......  (seguir leyendo la critica original)

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jueves, 29 de enero de 2015

Los aristogatos (1970)


Los aristogatos el clasico nº 20 de Disney quedo en el puesto 13 con un total de 31 votos. La pelicula cuenta la historia de una anciana millonaria que en el Paris de principio del siglo XX vive rodeada de sus gatos, sin saber que su mayordomo quiere acabar con ellos...
Yo no la he visto, la verdad que con el masivo estreno de peliculas de animacion no estaria mal echar un poco la vista atras...

Os dejo la critica de @blogdecine

El 15 de diciembre de 1966 se terminaría convirtiendo en una fecha que marcaría el futuro inmediato de los estudios. Ese aciago día, Walt Disney, el visionario creador de la compañía e impulsor de los largometrajes que nos habían llegado desde 1938, fallecía víctima de un cáncer de pulmón. Se abría a partir de su desaparición un período de casi veinte años en los que la ausencia del timón creativo del artista se dejaría notar hasta cotas dolorosas, descendiendo la calidad del “producto Disney” hasta límites que el “tío Walt” no habría permitido de haber seguido con vida.
Ya hemos visto en las últimas semanas muestras tempranas de lo que la falta de supervisión del máximo responsable de la compañía había supuesto de cara a las producciones que siguieron a ese último gran ejemplo de animación que fue ‘La bella durmiente’ (‘Sleeping Beauty’, Clyde Geronimi, 1959), una situación que había remitido en parte con la estrecha implicación que Walt Disney consideró oportuna tener para con la producción de ‘El libro de la selva’ (‘The Jungle Book’, Wolfgang Reitherman, 1967) pero que a partir de aquí conocerá un repunte irrefrenable.

 Tanta llegaría a ser la desorientación de la compañía con la desaparición de su creador que, a la hora de comenzar la producción del que sería el primer filme sin su presencia, los responsables del estudio decidieron no arriesgar y apostaron por rescatar un proyecto que ya había contado, a principios de los sesenta, con el beneplácito de Walt Disney: pensado inicialmente como una película para televisión que se emitiría en dos partes —y que habría contado con Boris Karloff en el papel de Edgar— ‘Los aristogatos’ (‘The Aristocats’, Wolfgang Reitherman, 1970) terminó yendo a parar al cajón a la espera de que se finalizará la adaptación de libro de Kipling.
Toda vez ésta se estrenó y saldó con el éxito que comentábamos la semana pasada, la maquinaria de los estudios se puso en marcha, y hasta 250 artistas..... (seguir leyendo la critica original) 

 Gracias Carlos Vitoria por recomendarnos este video:

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martes, 27 de enero de 2015

Gifs les yeux sans visage (1960)










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La rodilla de Clara (1970)



La rodilla de Clara del director Frances Eric Rohmer quedo en el puesto 14 con un total de 28 votos. Nos encontramos ante una pelicula basicamente de palabras, dentro del ciclo denominado cuentos morales, se trata de un escritor que intenta conquistar a una mujer que tiene novio, instigado por una novelista, las irresistibles ganas de acariciar la rodilla de la protagonista es una reflexion sobre el deseo. La pelicula ganó la Concha de Oro en el festival de San Sebastian






Os dejo la critica de Pensar de cine:

"Le genou de Claire" (La rodilla de Clara), de 1970, forma parte de la serie de películas de Eric Rohmer agrupadas bajo el rótulo: "Seis cuentos morales". Una escritora, Aurora (Aurora Cornu), cuenta a un amigo, Jerome (Jean-Claude Brialy), que en ese momento tiene unos cuarenta años, una trama para un texto que quiere escribir, y aún está incompleta. La trama trata de un hombre adulto atraído por unas adolescentes que juegan al tenis. Tanto Aurora como Jerome en ese momento están viviendo en un lugar de vacaciones, a orillas de un lago. Pegado a ellos viven dos chicas de unos dieciséis años. Aurora le propone a Jerome que trate de seducir a una de las chicas y después le cuente, para darle ideas para completar la trama. Jerome, que acepta ser su "cobayo", primero se acerca a Laura (Beatrice Romand), y avanza con ella hasta cierto punto (ella empieza a sentir algo por él) pero después aparece Claire (Laurence de Monahgan), la otra chica, y Jerome cambia de objetivo........  (seguir leyendo la critica original)



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lunes, 26 de enero de 2015

Un hombre llamado Caballo (1970)




Puesto 15 de 1970 con 27 votos, la pelicula con un estilo de pseudo-documental de Elliot Silverstein esta basada en el relato de Dorothy M. Johnson sobre el rapto de un aristocrata Ingles por una tribu de indios crows al que tratan como un esclavo, poco a poco ira integrandose en la vida de la tribu hasta convertirse en uno mas de ellos. Me llama la atencion la pelicula, yo de pequeño siempre iba con los indios.....

Os dejo la critica de @CINEBL0G

A finales de los 60, el moribundo western había tomado ciertos caminos que pasaban por la reinterpretación según la ‘cultura hippie’, el realismo (contrapuesto al cine de oeste clásico y su idealismo colonialista) y el gusto por el punto de vista de los indios. “Un hombre llamado Caballo” fue uno de los más recordados éxitos de taquilla (dio lugar a dos secuelas en 1976 y 1983) del western de la época; un film atípico y violento (en la memoria de toda una generación se grabaron los escalofriantes ritos de iniciación de los sioux) con el que Elliot Silverstein (que ya había experimentado con este género en la comedia “La ingenua explosiva”, 1965) logró explorar antropológicamente el mundo de esos ‘indios salvajes’ y contraponerlo con las ‘civilizadas culturas’ de los hombres blancos....  (sigue leyendo la critica aqui) 



Os dejo la critica de la revista cultural @ElCatoblepas :


Este filme (A Man Called Horse) dirigido por Elliot Silverstein a partir de un relato de Dorothy M. Johnson, autora que también escribió las historias The Hanging Tree (El arbol del ahorcado) y The Man Who Shot Liberty Valance (El hombre que mató a Liberty Valance), podría parecer un producto cinematográfico inicialmente condenado a ser parte de la segundona Serie B. Sin embargo marcó un hito importante en una época en la que en Estados Unidos el western parecía haber iniciado su «canto del cisne». Todo ello poco después de que los modos y mensajes del spaghetti-western a la europea (bajo la influencia narrativa y estética del cine japonés de Kurosawa), y cuyo máximo representante fue Sergio Leone, iniciaran una renovación del género a este lado del Atlántico y cuyo principal icono viviente es hoy en día Clint Eastwood, el último clásico y el último auténtico renovador del western, después de recoger la herencia de Leone y de Don Siegel. Aunque también hay que destacar a Kevin Costner (Dances with Wolves, Bailando con lobos, 1990. Open Range, 2003) y con no menos notoriedad a Tommy Lee Jones y su excelente The Three Burials of Melquiades Estrada (Los tres entierros de Melquíades Estrada, 2005).


Por otra parte si algo hemos aprendido estudiando la historia de los EE. UU., y la evolución del western, es que el cine (el de Hollywood y el independiente) es una parte formal del complejo entramado ideológico y moral de esta sociedad norteamericana. El western ocupa aquí un papel singular pues es el género americano por excelencia. Él es el cauce y el vehículo de nuevas formas de renovación moral, la filosofía mundana convertida en arte popular y de consumo y el portador de héroes y antihéroes, arquetipos que encarnan.... (sigue leyendo la critica aqui)
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domingo, 25 de enero de 2015

Resultados 1960

Victoria muy ajustada de El apartamento de Billy Wilder sobre Psicosis de Alfred Hitchcock:


1 El apartamento 244
2 Psicosis 228
3 Espartaco 123
4 Rocco y sus hermanos  60
5 Los siete magnificos 40


      



6 La evasion 38
7 La dolce Vita 36
8 Al final de la escapada 34
9 El manatial de la doncella 22
10 El sargento negro 22
11 Exodo 20
12 El fotografo del panico 14
13 El fuego y la palabra 12
14 Los ojos sin rostro 11
15 Un extraño en mi vida 10


                      
                              


Los 5 directores top han sido
  • Billy Wilder
  • Alfred Hitchcock
  • Stanley Kubrick
  • Luchino Visconti
  • John Sturges

Las nacionalidades:
  • 8 de Estados unidos (Wilder, Hitchcock, Kubrick, Sturges, Ford, Preminger, Brooks y Quine)
  • 3 de Francia (Becket, Godard y Franju)
  • 2 de Italia (Visconti y Fellini)
  • 1 de Suecia (Bergman)
  • 1 de Gran Bretaña (Powell)
  • 1 de España (Ferreri)

Los generos:
  • Drama 8
  • Historica 3
  • Comedia 2
  • Terror 2
  • Western 2

Peliculas españolas votadas:

  • Mi calle 1
  • Los chicos 1
  • Maribel y la extraña familia 1 



Lista en IMDB  IMDb: Año 1960 - http://www.imdb.com/rg/s/1/list/ls073514919


Otras peliculas votadas:

  • 16 El pueblo de los malditos 9
  • 17 La mascara del demonio 8
  • 18 Con el llego el escandalo 8
  • 19 El alamo 8
  • 20 El tiempo en sus manos 7
  • 21 A pleno sol 6
  • 22 Dos mujeres 5
  • 23 Rio salvaje 5
  • 24 La caida de la casa Usher 4
  • 25 Cimarron 4
  • 26 La isla desnuda 4
  • 27 Los que no perdonan 3
  • 28 La aventura 3
  • 29 El sindicato del crimen 3
  • 30 Los canallas duermen en paz 3
  • 31 Los hechos de la vida 3
  • 32 Macario 2
  • 33 El perro de los Baskerville 2
  • 34 Sueños de amor 2
  • 35 Las novias de dracula 2
  • 36 Sabado tarde, domingo mañ 2
  • 37 El botones 2
  • 38 The Lost World 1
  • 39 Disparad sobre el pianista 1
  • 40 El multimillonario 1
  • 41 Tirad sobre el pianista 1
  • 42 Alaska tierra del oro 1
  • 43 La tienda de los horrores 1
  • 44 Pagina en blanco 1
  • 45 La doncella 1 




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jueves, 22 de enero de 2015

El apartamento (1960)

Por Guillermo Navarro: @gnavarro74, autor del blog: Film dreams



Con esta película Billy Wilder llegó a la cumbre de su carrera. Siempre alejado de los grandes proyectos de Hollywood al servicio de una gran productora,el director austriaco dirigió pocas películas, a las que dedicó todo sus esfuerzo. Esta es su segunda película como productor, después de iniciar esa nueva etapa con " Con faldas y a lo loco ". Entre 1959 y 1961 Wilder produjo, dirigió y escribió el guión de 3 magníficas películas: " Con faldas y a lo loco ", " El apartamento " y " Uno, dos, tres " . Para esta etapa iniciada en 1959 contó con un mismo guionista, I.A.L Diamond. Sus guiones junto al escritor rumano tuvieron como resultado unas películas más divertidas, y menos amargas. La única película que tiene una gran amargura es " El apartamento ", con unos personajes que pasan de la alegría a la tristeza en un momento, y que reflejan una gran soledad en el ser humano.
Pero conservan algo de esperanza, cosa que no ocurre en algunas películas de su anterior etapa, como " El crepúsculo de los dioses " o " El gran carnaval ". Ser productor tiene muchas ventajas, pero también muchos riesgos ( como cualquier empresario que pone un negocio ). Además de que Billy Wilder era productor de estas películas, pero seguía dependiendo del estudio a la hora de muchos detalles, sobre todo el presupuesto del proyecto. En 1970 el director austriaco quería hacer por primera vez un proyecto muy costoso, y así ser la primera película que contara de forma exacta y minuciosa la vida de Sherlock Holmes. Sus proyectos anteriores habían tenido pérdidas y United Artists se negó a hacer una película tan cara. Nunca sabremos el resultado de esa obra completa que había rodada Wilder, y que fue destruida durante el montaje. Desde ese momento el director perdió la ilusión por hacer películas y escribir guiones, aunque todavía rodaría 3 películas más, entre ellas " Avanti ", una notable película. Pese a ofrecerle muchos proyectos, incluso actuar en alguna película ( Cameron Crowe lo cuenta en el libro " entrevistas con Billy Wilder ", que le ofreció un papel en " Jerry Maguire " y este no aceptó ). Tenía una vida tranquila en su mansión de Sunset Boulevard, en donde murió a los 95 años.
Centrándonos en " El apartamento ", es una película atemporal, que nunca envejece y que gusta a todo tipo de público, incluso a las nuevas generaciones, que aborrecen el cine en blanco y negro. Junto a John Ford , son los únicos directores que consiguieron el éxito de crítica, público y miembros de la academia. Con esta película el director austriaco obtuvo tres oscars ( productor, director y guionista ). Es complicado saber el género de la película, ya que mezcla comedia, drama y romanticismo. A nivel personal la considero un drama, aunque entiendo que se la encasille dentro de otros géneros diferentes. A partir de una historia sencilla consigue una auténtica obra maestra, en donde se ponen de manifiesto dos cuestiones muy de actualidad: " la infidelidad " y " cesión ante las presiones de alguien superior, para mantener el puesto de trabajo ".

Nunca Jack Lemmon y Shirley MacLaine estuvieron tan bien. Ambos hacen la mejor interpretación de su carrera, y hubieran merecido el oscar de Hollywood. Consiguen representar unos personajes que cambian de estado de ánimo de forma natural, pasando de la alegría a la tristeza. En su primera aparición en pantalla la actriz está alegre, y su rostro lo refleja, solamente Audrey Hepburn podía hacer una primera aparición en pantalla tan espectacular. Bette Davis y Katherine Hepburn son mejores actrices, pero no recuerdo ninguna película en donde su aparición sea tan espectacular. Otros casos son el de Ingrid Bergman en " Casablanca " y Barbara Stanwyck en " Perdición ". Shirley MacLaine siempre será recordada como Fran Kubelik, la ascensorista de la compañía de seguros, y Jack Lemmon como el servicial y tonto C. C.Baxter. Es difícil decir cual es el mejor guión de la historia, porque hay muchos y muy buenos, pero estoy seguro que el de esta película está entre los 10 mejores. Los diálogos son ágiles e ingeniosos,y se pueden extraer grandes frases difíciles de olvidar. Pero también tiene una serie de gags visuales, en este caso no son cómicos como en la slapstick comedy o la screwball comedy. Son una serie de detalles dramáticos, con una simple imagen nos cuenta un aspecto fundamental del guión. Entre estas escenas, se pueden destacar " el espejo roto " y " la botella de champán ". Los decorados de Alexander Traumer son espectaculares, en el 90 % de la película se encuentran en la compañía de seguros y el apartamento de C. C. Baxter. En ambos casos retrata pefectamente esos dos escenarios, y para ello la fotografía emplea una gran profundidad de campo, que nos permite observar lo que están haciendo las personas que se encuentran en habitaciones diferentes. La primera escena de presentación del piso 19, en la empresa donde trabaja el protagonista, ha sido muchas veces copiada en el cine posterior. Billy Wilder se basó en la película " Y el mundo marcha...", en donde King Vidor ya reflejaba esas grandes compañías, y al imagen de mucha gente trabajando.
Hay grandes personajes secundarios, pero yo destacaría su a los personajes femeninos, todas tienen su encanto, pese a intervenir en pequeños papeles. Desde la secretaria Olssen, hasta las chicas de compañía de Dobisch y Eichelberger ( Sylvia trabaja como telefonista y tiene dos grandes momentos, en la fiesta de Navidad de la empresa y en el apartamento del protagonista ), la mujer del doctor Dreyfuss y Margie ( conoce a C C Baxter en un bar en el día de navidad. Tiene a su marido en la cárcel de La Habana ). El otro actor conocido es Fred Mac Murray, que ya trabajó con el director en " Perdición". En 1960 ya estaba en el declive de su carrera, lo que se nota en esta película en donde hace una actuación que no está a la altura del resto del reparto. La película nos plantea " el amor y la elección equivocada ", ya que por mucho que nos demos cuenta, es complicado no seguir amando a alguien, aunque sepamos que esa persona quiere a otra. Se " tropieza dos veces en la misma piedra ". Eso se ve reflejado en las relaciones Kubelik-Shaldrake y CC Baxter-Kubelik. En la escena final hay una frase de Kubelik que nos deja un final abierto, sobre el que cada uno puede extraer sus conclusiones. En mi caso tengo claro cual es la continuación de la historia, pero entiendo que hay otras opciones diferentes. De una forma u otra,es un gran final.
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miércoles, 21 de enero de 2015

El cochecito (1960)


Votada como la primera de lengua hispana (31 votos) el cochecito del director Marco Ferreri director Italiano que conoció a Rafael Azcona y que juntos realizaran 3 maravillosas películas en nuestro país, en esta ocasion con el protagonismo para el gran Jose Isbert.
El cochecito narra las aventuras de un jubilado que quiere tener un coche de invalido como todos sus amigos, para ello venderá todas sus pertenencias creando un conflicto con su familia.
En esta ocasión no tuve la ocasión de ver la película pero os dejo la critica del blog "Los cuatrocientos golpes"




Critica del blog Cuatrocientos Golpes: 

Don Anselmo, un anciano ya retirado, vive en la casa de su hijo, procurador de los tribunales, su nuera, su nieta y el pasante de su hijo y novio de su nieta, Faustino, en una casa en la que el viejo es solo un trasto, un estorbo. Se aburre y habla solo, y aunque su familia le cuida y no le falta de nada, sin embargo está patéticamente solo. Su único refugio es un grupo de amigos, que disfrutan de la vida y, sobre todo, de su libertad de movimientos gracias a sus cochecitos de inválido en los que están postrados y de los que no pueden prescindir. Estamos, no lo olvidemos, en una España marcada por enfermedades como la poliomielitis y por las mutilaciones que provocaron las bombas de la Guerra Civil. Pero sus amigos, víctimas de la enfermedad, son más felices que don Anselmo, que, más sano que nadie, no puede compartir con ellos su movilidad y su libertad,... (continuar leyendo) 






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martes, 20 de enero de 2015

Un extraño en mi vida (1960)


Un extraño en mi vida fue la decimoquinta de 1960 con 10 votos.  Este melodrama sobre el adulterio, dirigido por Richard Quine y protagonizado por Kirk Douglas y Kim Novak, narra las andanzas de 2 matrimonios que no pasan por su mejor momento.

Os enlazo el debate de Que grande es el cine que podéis encontrar en IVOOX





Y por supuesto una reseña que en esta ocasión va de la mano de  @CulpaDelScript


Viendo ‘Un extraño en mi vida’ me sorprendió, para bien, que un guión de 1960 no culpara a la esposa histérica de la infidelidad del marido, entre otras porque en esta película la esposa es una autentica delicia.

 Suele ser recurrente en películas con temática similar, que la cornamenta esté justificada con las acciones del enamorado, hasta el punto que el propio espectador quiere que abandone a su pareja para comenzar una nueva vida comiendo perdices con el/la amante. Siendo normalmente una mujer, dibujan al personaje como alguien histérico con quien es imposible mantener una vida equilibrada en común. El desliz es una forma de escapar a ese infierno doméstico al que se está sometido. Vaya cara más dura, si no te encuentras bien con tu compañero sentimental, hasta otra y encantada de habernos conocido.

Kirk Douglas tiene motivos muy diferentes para dejarse arrastrar por los encantos de la rubia de cejas negras. Un hombre atractivo, arquitecto reconocido, padre de familia y atribulado en la rutina. He ahí la cuestión. Con la llegada del encargo de una nueva construcción, el artista necesita una motivación que le sirva de inspiración. No se puede crear rodeado de la mediocridad habitual que rodea la verdadera vida del dibujante. No es casual que la primera cita que mantiene con Kim Novak sea, precisamente, por los terrenos que serán la base... (sigue leyendo) 













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