sábado, 31 de enero de 2015

El conformista (1970)



El conformista de Bernardo Bertolucci quedo decimosegunda de 1970 con 33 votos. Esta historia del director italiano narra una historia de pasado y presente en la Italia de los años 30 donde se mezclan amor, venganza y politica. Realizada en su primera etapa antes de los exitos de El ultimo tango en Paris y Novecento es una muy apreciada pelicula que fue nominada al mejor guion en los Oscar y a la mejor pelicula de habla no inglesa en los Globos de Oro





Os dejo la reseña que hizo la Revista Magnolia @RevistaMagnolia

Antes de la revolución (Prima della rivoluzione, 1964) no es de las películas más conocidas de Bernardo Bertolucci, que comenzó a cobrar verdadera fama y a trabajar en producciones más importantes a partir de El conformista (1970), nominada a un Óscar, y del revuelo que produjo El último tango en París (1972). Se trata, no obstante, de uno de sus trabajos más personales y sinceros. La commare secca (1962) es su primer largometraje y está basado en un guión de Pier Paolo Pasolini pero Antes de la revolución, realizada dos años después, es su primera película de autor.



El joven director de 23 años de edad demuestra una sorprendente madurez tanto en recursos y en poética cinematográfica como en la crudeza del discurso político, moral y filosófico. Bertolucci se llena la boca con referencias continuas a aquellos que admira (Pasolini, Stendhal, Wilde, Proust, Rossellini, Renoir, Hawks, Antonioni, entre otros) aunque lo hace con cuidado, cariño y con gran carga emotiva. La música cobra importancia convirtiéndose en un elemento dramático fundamental; con el trabajo de Ennio Morricone y Gino Paoli. La fuerza que desprende el Macbeth de Verdi denota todo el dramatismo que implica el conflicto interno que padece el protagonista. Aquellos elementos que, sin duda, nos reenvían.......  (seguir leyendo la critica original)

jueves, 29 de enero de 2015

Los aristogatos (1970)


Los aristogatos el clasico nº 20 de Disney quedo en el puesto 13 con un total de 31 votos. La pelicula cuenta la historia de una anciana millonaria que en el Paris de principio del siglo XX vive rodeada de sus gatos, sin saber que su mayordomo quiere acabar con ellos...
Yo no la he visto, la verdad que con el masivo estreno de peliculas de animacion no estaria mal echar un poco la vista atras...

Os dejo la critica de @blogdecine

El 15 de diciembre de 1966 se terminaría convirtiendo en una fecha que marcaría el futuro inmediato de los estudios. Ese aciago día, Walt Disney, el visionario creador de la compañía e impulsor de los largometrajes que nos habían llegado desde 1938, fallecía víctima de un cáncer de pulmón. Se abría a partir de su desaparición un período de casi veinte años en los que la ausencia del timón creativo del artista se dejaría notar hasta cotas dolorosas, descendiendo la calidad del “producto Disney” hasta límites que el “tío Walt” no habría permitido de haber seguido con vida.
Ya hemos visto en las últimas semanas muestras tempranas de lo que la falta de supervisión del máximo responsable de la compañía había supuesto de cara a las producciones que siguieron a ese último gran ejemplo de animación que fue ‘La bella durmiente’ (‘Sleeping Beauty’, Clyde Geronimi, 1959), una situación que había remitido en parte con la estrecha implicación que Walt Disney consideró oportuna tener para con la producción de ‘El libro de la selva’ (‘The Jungle Book’, Wolfgang Reitherman, 1967) pero que a partir de aquí conocerá un repunte irrefrenable.

Tanta llegaría a ser la desorientación de la compañía con la desaparición de su creador que, a la hora de comenzar la producción del que sería el primer filme sin su presencia, los responsables del estudio decidieron no arriesgar y apostaron por rescatar un proyecto que ya había contado, a principios de los sesenta, con el beneplácito de Walt Disney: pensado inicialmente como una película para televisión que se emitiría en dos partes —y que habría contado con Boris Karloff en el papel de Edgar— ‘Los aristogatos’ (‘The Aristocats’, Wolfgang Reitherman, 1970) terminó yendo a parar al cajón a la espera de que se finalizará la adaptación de libro de Kipling.
Toda vez ésta se estrenó y saldó con el éxito que comentábamos la semana pasada, la maquinaria de los estudios se puso en marcha, y hasta 250 artistas..... (seguir leyendo la critica original) 

Gracias Carlos Vitoria por recomendarnos este video:


martes, 27 de enero de 2015

Gifs les yeux sans visage (1960)










La rodilla de Clara (1970)



La rodilla de Clara del director Frances Eric Rohmer quedo en el puesto 14 con un total de 28 votos. Nos encontramos ante una pelicula basicamente de palabras, dentro del ciclo denominado cuentos morales, se trata de un escritor que intenta conquistar a una mujer que tiene novio, instigado por una novelista, las irresistibles ganas de acariciar la rodilla de la protagonista es una reflexion sobre el deseo. La pelicula ganó la Concha de Oro en el festival de San Sebastian






Os dejo la critica de Pensar de cine:

"Le genou de Claire" (La rodilla de Clara), de 1970, forma parte de la serie de películas de Eric Rohmer agrupadas bajo el rótulo: "Seis cuentos morales". Una escritora, Aurora (Aurora Cornu), cuenta a un amigo, Jerome (Jean-Claude Brialy), que en ese momento tiene unos cuarenta años, una trama para un texto que quiere escribir, y aún está incompleta. La trama trata de un hombre adulto atraído por unas adolescentes que juegan al tenis. Tanto Aurora como Jerome en ese momento están viviendo en un lugar de vacaciones, a orillas de un lago. Pegado a ellos viven dos chicas de unos dieciséis años. Aurora le propone a Jerome que trate de seducir a una de las chicas y después le cuente, para darle ideas para completar la trama. Jerome, que acepta ser su "cobayo", primero se acerca a Laura (Beatrice Romand), y avanza con ella hasta cierto punto (ella empieza a sentir algo por él) pero después aparece Claire (Laurence de Monahgan), la otra chica, y Jerome cambia de objetivo........  (seguir leyendo la critica original)



lunes, 26 de enero de 2015

Un hombre llamado Caballo (1970)




Puesto 15 de 1970 con 27 votos, la pelicula con un estilo de pseudo-documental de Elliot Silverstein esta basada en el relato de Dorothy M. Johnson sobre el rapto de un aristocrata Ingles por una tribu de indios crows al que tratan como un esclavo, poco a poco ira integrandose en la vida de la tribu hasta convertirse en uno mas de ellos. Me llama la atencion la pelicula, yo de pequeño siempre iba con los indios.....

Os dejo la critica de @CINEBL0G

A finales de los 60, el moribundo western había tomado ciertos caminos que pasaban por la reinterpretación según la ‘cultura hippie’, el realismo (contrapuesto al cine de oeste clásico y su idealismo colonialista) y el gusto por el punto de vista de los indios. “Un hombre llamado Caballo” fue uno de los más recordados éxitos de taquilla (dio lugar a dos secuelas en 1976 y 1983) del western de la época; un film atípico y violento (en la memoria de toda una generación se grabaron los escalofriantes ritos de iniciación de los sioux) con el que Elliot Silverstein (que ya había experimentado con este género en la comedia “La ingenua explosiva”, 1965) logró explorar antropológicamente el mundo de esos ‘indios salvajes’ y contraponerlo con las ‘civilizadas culturas’ de los hombres blancos....  (sigue leyendo la critica aqui) 



Os dejo la critica de la revista cultural @ElCatoblepas :


Este filme (A Man Called Horse) dirigido por Elliot Silverstein a partir de un relato de Dorothy M. Johnson, autora que también escribió las historias The Hanging Tree (El arbol del ahorcado) y The Man Who Shot Liberty Valance (El hombre que mató a Liberty Valance), podría parecer un producto cinematográfico inicialmente condenado a ser parte de la segundona Serie B. Sin embargo marcó un hito importante en una época en la que en Estados Unidos el western parecía haber iniciado su «canto del cisne». Todo ello poco después de que los modos y mensajes del spaghetti-western a la europea (bajo la influencia narrativa y estética del cine japonés de Kurosawa), y cuyo máximo representante fue Sergio Leone, iniciaran una renovación del género a este lado del Atlántico y cuyo principal icono viviente es hoy en día Clint Eastwood, el último clásico y el último auténtico renovador del western, después de recoger la herencia de Leone y de Don Siegel. Aunque también hay que destacar a Kevin Costner (Dances with Wolves, Bailando con lobos, 1990. Open Range, 2003) y con no menos notoriedad a Tommy Lee Jones y su excelente The Three Burials of Melquiades Estrada (Los tres entierros de Melquíades Estrada, 2005).




Por otra parte si algo hemos aprendido estudiando la historia de los EE. UU., y la evolución del western, es que el cine (el de Hollywood y el independiente) es una parte formal del complejo entramado ideológico y moral de esta sociedad norteamericana. El western ocupa aquí un papel singular pues es el género americano por excelencia. Él es el cauce y el vehículo de nuevas formas de renovación moral, la filosofía mundana convertida en arte popular y de consumo y el portador de héroes y antihéroes, arquetipos que encarnan.... (sigue leyendo la critica aqui)

domingo, 25 de enero de 2015

Resultados 1960

Victoria muy ajustada de El apartamento de Billy Wilder sobre Psicosis de Alfred Hitchcock:


1 El apartamento 244
2 Psicosis 228
3 Espartaco 123
4 Rocco y sus hermanos  60
5 Los siete magnificos 40


      



6 La evasion 38
7 La dolce Vita 36
8 Al final de la escapada 34
9 El manatial de la doncella 22
10 El sargento negro 22
11 Exodo 20
12 El fotografo del panico 14
13 El fuego y la palabra 12
14 Los ojos sin rostro 11
15 Un extraño en mi vida 10


                      
                              


Los 5 directores top han sido
  • Billy Wilder
  • Alfred Hitchcock
  • Stanley Kubrick
  • Luchino Visconti
  • John Sturges

Las nacionalidades:
  • 8 de Estados unidos (Wilder, Hitchcock, Kubrick, Sturges, Ford, Preminger, Brooks y Quine)
  • 3 de Francia (Becket, Godard y Franju)
  • 2 de Italia (Visconti y Fellini)
  • 1 de Suecia (Bergman)
  • 1 de Gran Bretaña (Powell)
  • 1 de España (Ferreri)

Los generos:
  • Drama 8
  • Historica 3
  • Comedia 2
  • Terror 2
  • Western 2

Peliculas españolas votadas:

  • Mi calle 1
  • Los chicos 1
  • Maribel y la extraña familia 1 



Lista en IMDB  IMDb: Año 1960 - http://www.imdb.com/rg/s/1/list/ls073514919


Otras peliculas votadas:

  • 16 El pueblo de los malditos 9
  • 17 La mascara del demonio 8
  • 18 Con el llego el escandalo 8
  • 19 El alamo 8
  • 20 El tiempo en sus manos 7
  • 21 A pleno sol 6
  • 22 Dos mujeres 5
  • 23 Rio salvaje 5
  • 24 La caida de la casa Usher 4
  • 25 Cimarron 4
  • 26 La isla desnuda 4
  • 27 Los que no perdonan 3
  • 28 La aventura 3
  • 29 El sindicato del crimen 3
  • 30 Los canallas duermen en paz 3
  • 31 Los hechos de la vida 3
  • 32 Macario 2
  • 33 El perro de los Baskerville 2
  • 34 Sueños de amor 2
  • 35 Las novias de dracula 2
  • 36 Sabado tarde, domingo mañ 2
  • 37 El botones 2
  • 38 The Lost World 1
  • 39 Disparad sobre el pianista 1
  • 40 El multimillonario 1
  • 41 Tirad sobre el pianista 1
  • 42 Alaska tierra del oro 1
  • 43 La tienda de los horrores 1
  • 44 Pagina en blanco 1
  • 45 La doncella 1 




jueves, 22 de enero de 2015

El apartamento (1960)

Por Guillermo Navarro: @gnavarro74, autor del blog: Film dreams





Con esta película Billy Wilder llegó a la cumbre de su carrera. Siempre alejado de los grandes proyectos de Hollywood al servicio de una gran productora,el director austriaco dirigió pocas películas, a las que dedicó todo sus esfuerzo. Esta es su segunda película como productor, después de iniciar esa nueva etapa con " Con faldas y a lo loco ". Entre 1959 y 1961 Wilder produjo, dirigió y escribió el guión de 3 magníficas películas: " Con faldas y a lo loco ", " El apartamento " y " Uno, dos, tres " . Para esta etapa iniciada en 1959 contó con un mismo guionista, I.A.L Diamond. Sus guiones junto al escritor rumano tuvieron como resultado unas películas más divertidas, y menos amargas. La única película que tiene una gran amargura es " El apartamento ", con unos personajes que pasan de la alegría a la tristeza en un momento, y que reflejan una gran soledad en el ser humano.
Pero conservan algo de esperanza, cosa que no ocurre en algunas películas de su anterior etapa, como " El crepúsculo de los dioses " o " El gran carnaval ". Ser productor tiene muchas ventajas, pero también muchos riesgos ( como cualquier empresario que pone un negocio ). Además de que Billy Wilder era productor de estas películas, pero seguía dependiendo del estudio a la hora de muchos detalles, sobre todo el presupuesto del proyecto. En 1970 el director austriaco quería hacer por primera vez un proyecto muy costoso, y así ser la primera película que contara de forma exacta y minuciosa la vida de Sherlock Holmes. Sus proyectos anteriores habían tenido pérdidas y United Artists se negó a hacer una película tan cara. Nunca sabremos el resultado de esa obra completa que había rodada Wilder, y que fue destruida durante el montaje. Desde ese momento el director perdió la ilusión por hacer películas y escribir guiones, aunque todavía rodaría 3 películas más, entre ellas " Avanti ", una notable película. Pese a ofrecerle muchos proyectos, incluso actuar en alguna película ( Cameron Crowe lo cuenta en el libro " entrevistas con Billy Wilder ", que le ofreció un papel en " Jerry Maguire " y este no aceptó ). Tenía una vida tranquila en su mansión de Sunset Boulevard, en donde murió a los 95 años.
Centrándonos en " El apartamento ", es una película atemporal, que nunca envejece y que gusta a todo tipo de público, incluso a las nuevas generaciones, que aborrecen el cine en blanco y negro. Junto a John Ford , son los únicos directores que consiguieron el éxito de crítica, público y miembros de la academia. Con esta película el director austriaco obtuvo tres oscars ( productor, director y guionista ). Es complicado saber el género de la película, ya que mezcla comedia, drama y romanticismo. A nivel personal la considero un drama, aunque entiendo que se la encasille dentro de otros géneros diferentes. A partir de una historia sencilla consigue una auténtica obra maestra, en donde se ponen de manifiesto dos cuestiones muy de actualidad: " la infidelidad " y " cesión ante las presiones de alguien superior, para mantener el puesto de trabajo ".

Nunca Jack Lemmon y Shirley MacLaine estuvieron tan bien. Ambos hacen la mejor interpretación de su carrera, y hubieran merecido el oscar de Hollywood. Consiguen representar unos personajes que cambian de estado de ánimo de forma natural, pasando de la alegría a la tristeza. En su primera aparición en pantalla la actriz está alegre, y su rostro lo refleja, solamente Audrey Hepburn podía hacer una primera aparición en pantalla tan espectacular. Bette Davis y Katherine Hepburn son mejores actrices, pero no recuerdo ninguna película en donde su aparición sea tan espectacular. Otros casos son el de Ingrid Bergman en " Casablanca " y Barbara Stanwyck en " Perdición ". Shirley MacLaine siempre será recordada como Fran Kubelik, la ascensorista de la compañía de seguros, y Jack Lemmon como el servicial y tonto C. C.Baxter. Es difícil decir cual es el mejor guión de la historia, porque hay muchos y muy buenos, pero estoy seguro que el de esta película está entre los 10 mejores. Los diálogos son ágiles e ingeniosos,y se pueden extraer grandes frases difíciles de olvidar. Pero también tiene una serie de gags visuales, en este caso no son cómicos como en la slapstick comedy o la screwball comedy. Son una serie de detalles dramáticos, con una simple imagen nos cuenta un aspecto fundamental del guión. Entre estas escenas, se pueden destacar " el espejo roto " y " la botella de champán ". Los decorados de Alexander Traumer son espectaculares, en el 90 % de la película se encuentran en la compañía de seguros y el apartamento de C. C. Baxter. En ambos casos retrata pefectamente esos dos escenarios, y para ello la fotografía emplea una gran profundidad de campo, que nos permite observar lo que están haciendo las personas que se encuentran en habitaciones diferentes. La primera escena de presentación del piso 19, en la empresa donde trabaja el protagonista, ha sido muchas veces copiada en el cine posterior. Billy Wilder se basó en la película " Y el mundo marcha...", en donde King Vidor ya reflejaba esas grandes compañías, y al imagen de mucha gente trabajando.
Hay grandes personajes secundarios, pero yo destacaría su a los personajes femeninos, todas tienen su encanto, pese a intervenir en pequeños papeles. Desde la secretaria Olssen, hasta las chicas de compañía de Dobisch y Eichelberger ( Sylvia trabaja como telefonista y tiene dos grandes momentos, en la fiesta de Navidad de la empresa y en el apartamento del protagonista ), la mujer del doctor Dreyfuss y Margie ( conoce a C C Baxter en un bar en el día de navidad. Tiene a su marido en la cárcel de La Habana ). El otro actor conocido es Fred Mac Murray, que ya trabajó con el director en " Perdición". En 1960 ya estaba en el declive de su carrera, lo que se nota en esta película en donde hace una actuación que no está a la altura del resto del reparto. La película nos plantea " el amor y la elección equivocada ", ya que por mucho que nos demos cuenta, es complicado no seguir amando a alguien, aunque sepamos que esa persona quiere a otra. Se " tropieza dos veces en la misma piedra ". Eso se ve reflejado en las relaciones Kubelik-Shaldrake y CC Baxter-Kubelik. En la escena final hay una frase de Kubelik que nos deja un final abierto, sobre el que cada uno puede extraer sus conclusiones. En mi caso tengo claro cual es la continuación de la historia, pero entiendo que hay otras opciones diferentes. De una forma u otra,es un gran final.

miércoles, 21 de enero de 2015

El cochecito (1960)


Votada como la primera de lengua hispana (31 votos) el cochecito del director Marco Ferreri director Italiano que conoció a Rafael Azcona y que juntos realizaran 3 maravillosas películas en nuestro país, en esta ocasion con el protagonismo para el gran Jose Isbert.
El cochecito narra las aventuras de un jubilado que quiere tener un coche de invalido como todos sus amigos, para ello venderá todas sus pertenencias creando un conflicto con su familia.
En esta ocasión no tuve la ocasión de ver la película pero os dejo la critica del blog "Los cuatrocientos golpes"




Critica del blog Cuatrocientos Golpes: 

Don Anselmo, un anciano ya retirado, vive en la casa de su hijo, procurador de los tribunales, su nuera, su nieta y el pasante de su hijo y novio de su nieta, Faustino, en una casa en la que el viejo es solo un trasto, un estorbo. Se aburre y habla solo, y aunque su familia le cuida y no le falta de nada, sin embargo está patéticamente solo. Su único refugio es un grupo de amigos, que disfrutan de la vida y, sobre todo, de su libertad de movimientos gracias a sus cochecitos de inválido en los que están postrados y de los que no pueden prescindir. Estamos, no lo olvidemos, en una España marcada por enfermedades como la poliomielitis y por las mutilaciones que provocaron las bombas de la Guerra Civil. Pero sus amigos, víctimas de la enfermedad, son más felices que don Anselmo, que, más sano que nadie, no puede compartir con ellos su movilidad y su libertad,... (continuar leyendo) 






martes, 20 de enero de 2015

Un extraño en mi vida (1960)


Un extraño en mi vida fue la decimoquinta de 1960 con 10 votos.  Este melodrama sobre el adulterio, dirigido por Richard Quine y protagonizado por Kirk Douglas y Kim Novak, narra las andanzas de 2 matrimonios que no pasan por su mejor momento.

Os enlazo el debate de Que grande es el cine que podéis encontrar en IVOOX





Y por supuesto una reseña que en esta ocasión va de la mano de  @CulpaDelScript


Viendo ‘Un extraño en mi vida’ me sorprendió, para bien, que un guión de 1960 no culpara a la esposa histérica de la infidelidad del marido, entre otras porque en esta película la esposa es una autentica delicia.

Suele ser recurrente en películas con temática similar, que la cornamenta esté justificada con las acciones del enamorado, hasta el punto que el propio espectador quiere que abandone a su pareja para comenzar una nueva vida comiendo perdices con el/la amante. Siendo normalmente una mujer, dibujan al personaje como alguien histérico con quien es imposible mantener una vida equilibrada en común. El desliz es una forma de escapar a ese infierno doméstico al que se está sometido. Vaya cara más dura, si no te encuentras bien con tu compañero sentimental, hasta otra y encantada de habernos conocido.



Kirk Douglas tiene motivos muy diferentes para dejarse arrastrar por los encantos de la rubia de cejas negras. Un hombre atractivo, arquitecto reconocido, padre de familia y atribulado en la rutina. He ahí la cuestión. Con la llegada del encargo de una nueva construcción, el artista necesita una motivación que le sirva de inspiración. No se puede crear rodeado de la mediocridad habitual que rodea la verdadera vida del dibujante. No es casual que la primera cita que mantiene con Kim Novak sea, precisamente, por los terrenos que serán la base... (sigue leyendo) 













lunes, 19 de enero de 2015

Ojos sin rostro (1960)



Ojos sin rostro, puesto 14 en 1960 con 11 votos. Poco puedo aportar de esta pelicula francesa de Georges Franju, salvo que se comenta que Pedro Almodovar se baso en ella para realizar "La piel que habito" para el resto de aspectos, echo mano del amigo Mr.Sambo y de su magnifico analisis de la pelicula.

Os dejo la critica de @Mrsambo92 para su excelso blog Cinemelodic:


De una depuradísima truculencia esta película francesa de terror perturba sin concesiones desde su inicio hasta su final, una película fría y sin florituras.


Con un ritmo calmado y muy pausado, como si algo se estuviera cociendo a fuego lento, Franju va creando un ambiente de extrañeza, contenido, sumamente frio, aséptico pero violento de alguna forma, algo enfermizo, siniestro, terrorífico, un miedo contenido. Esa asepsia viene dada en el ritmo extraordinario de la película, en la máscara blanca y sin gesto, en la enorme casa del médico… Y acaba desembocando, como no podía ser de otra manera, en una escena realmente escalofriante, la larguísima operación a la chica secuestrada. Una operación que da un bofetón al espectador que ve un brusco contraste entre la asepsia anterior y la explicitud detallada de la escena, una operación que respeta los mismos parámetros anteriores de ritmo pausado y que se hace difícilmente soportable para el espectador, que observa incómodo todos y cada uno de los pasos que va realizando el médico.



Un prestigioso cirujano tuvo un accidente en el que su hija quedó terriblemente desfigurada, por ello se siente culpable y hará todo lo que esté en su mano para devolverle el rostro, por terrorífico que sea.
La película se vertebra sobre 3 personajes perfectamente definidos y que también tienen cierta dimensión metafórica.
El primero de ellos, el padre (Pierre Brasseur), el prestigioso cirujano atormentado por la culpa y obsesionado por subsanar la situación de su hija, un personaje que pierde el norte de toda ética y que hace de su obsesión su único objetivo real en la vida perdiendo....... (sigue leyendo)



domingo, 18 de enero de 2015

El fuego y la palabra (1960)


El Fuego y la Palabra de Richard Brooks quedó en el puesto 13 del año 1960 con 12 votos. No conozco casi nada de esta película y reconozco que me llama la atención, por ello Javier Leiva, se animado a escribirnos esta critica para el blog.

Os dejo la critica de @JaviL32 gracias amigo....

La hipocresía de la fé




Lo primero que sorprende a la hora de ver 'El fuego y la palabra' es una nota con una advertencia de productores en la cual dicen que los niños no deberían ver esta película. En apariencia, una película sobre la religión no debería ser algo que causase tanto alboroto y en concreto tratándose de un borracho con mucha labia, que se vuelve predicador para seducir a una 'ministra del señor'. Pero es un ser lujurioso y su pasado escabroso se vuelve contra él. Tal vez no sería recomendable para los niños de aquella época pero los de ahora, como dice la expresión 'están curados de espanto'. No es de extrañar que el libro, publicado en 1927 por Sinclair Lewis, fuera prohibido en algunos lugares de Estados Unidos por cuestionar la 'verdadera' fé. Richard Brooks tuvo un período imponente donde rodó estupendas películas como Semilla de maldad, A sangre fría, Los hermanos Karamazov, La gata sobre el tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud y Lord Jim.  En esos títulos se denota su afición por la adaptación de obras literarias. 'El fuego y la palabra' fue la primera producción independiente de Brooks y decidió adaptar solo una parte de la novela de Lewis, pasando dos años escribiendo el guión, con el cual ganó un Oscar. No fue una adaptación fácil y más aún en una época en la cual la censura del Código Hays estaba presente aunque fueran sus últimos días.

Tampoco hay que ser plenamente conscientes de como es el protestantismo americano. En más de una ocasión habremos visto esas grandes campañas evangelísticas seguidas de conversiones masivas donde predicadores itinerantes remueven la base religiosa del cristianismo americano. Y muchos predicadores fomentaron sus estrategias para sermonear a esa parte de la población para conseguir lucrarse. Se podría decir que es una 'economía de la fé'.  Es posible también que a algunas le suene esa canción de ' Give me that old time religion', una canción gospel cantada en las iglesias protestantes. Ese renacimiento de la vieja religión, con especial incidencia en el Sur de Estados Unidos, es  lo que  la hermana Sharon predica como unas de las expresiones de lo que es el evangelismo pentecostal. Lo que 'El fuego y la palabra' explora es ese mercado religioso y competitivo, esas negociaciones entre las iglesias tradicionales como la bautista y metodista, un comercio de la fé.  Estos predicadores son como empresarios religiosos.




La principal figura de la película es Elmer Gantry (Burt Lancaster), casi un vagabundo carismático pero tambien lujurioso. Un día se topa en una de esas grandes carpas donde los predicadores sermonean sus discursos a favor de la fe y cae magnetizado por la presencia de la hermana Sharon Falconer (Jean Simmons). Elmer se las arregla para con el tiempo convertirse en su compañero, aún  a pesar de los obstáculos que les crea un periodista no creyente (Arthur Kennedy). Cuando Gantry se encuentra en una situación comprometedora con una antigua amante, Lulu Bains (una seductora Shirley Jones), todo el mundo de Elmer se desmorona y el fuego apocalíptico se desata en su vida.

El corazón y alma de 'El fuego y la palabra' es incuestionablemente Burt Lancaster en una asombrosa y entusiasta intepretación, muy adecuado para el propio carácter actoral de Burt. De hecho ganó el Oscar al mejor actor. No solo se basa en la locuacidad de su personaje, esa labia que gana más y más adeptos soltando mentiras y diciendo lo que esos oídos ignorantes quieren oir. También Burt basa su actuación en su físico, gestos, en hacer brotar sus palabras a traves de su cuerpo y todo eso unido a su encanto y especial carisma. La sonrisa de Lancaster es convincente, cree en su papel al igual que Elmer Gantry. Durante su carrera, Burt Lancaster siempre arriesgó y buscaba en cada película hacer personajes siempre distintos. Por contra, la hermana Sharon Falconer es una figura totalmente diferente a Gantry. Ella es una verdadera creyente pero también reconoce el valor práctico que tiene lo que hace desde una perspectiva empresarial. Sabe que Gantry no es sincero, que en realidad no está ayudando a nadie pero la fama y la fortuna son demasiado seductores. Gantry y Falconer tiene distintos objetivos morales para hacer lo que hacen, uno por seducción, otra por creer en lo que hace.  La hipocresía de sus sermones es evidente y Richard Brooks explota ese aspecto mostrándolos como profundamente humanos y ocultando en Gantry a través de esa carismática sonrisa esa hipocresía y en Falconer ese convencimiento pleno en que está haciendo la obra del Señor.




Religión, fé, sermones, predicadores, creencias ... está claro que la religión en el cine siempre es un tema delicado. Ese mismo año, Stanley Kramer abordó otra película de temática religiosa como 'La herencia del viento' donde religión y evolución se veían enfrentadas. Las conclusiones que se pueden sacar son varias de este tipo de películas ¿Se usa la religión para aborregar a la gente? ¿Se lucra la religión con la propia religión? ¿La religión no debe ser una manera de encarar la vida? Películas como 'El fuego y la palabra' demuestran que se puede comerciar con la fé de las personas sin escrúpulo alguno.



sábado, 17 de enero de 2015

El fotografo del panico (1960)



El fotografo del Panico, duodecimo lugar en 1960 con 14 votos, es una pelicula britanica de Michael Powell de terror, con una gran estima en el mundo de los aficionados al cine y en particular al terror, la pelicula narra la historia de un psicopata que tiene la particularidad de fotografiar a sus victimas en el momento en que son asesinadas. Esta produccion casi le cuesta la ruina a su director y la productora Anglo-Amalgamated Productions. 





Os dejo critica de Ultimatum a la sala:

Escoptofilia: Práctica sexual en la que el individuo experimenta excitación sexual al mirar a otros realizando actividades sexuales o íntimas, durante esta práctica el individuo no desea ser visto o interactuar con las personas observadas. Esta patología, también conocida como voyeurismo, se ajusta bastante a la conducta del protagonista de ‘El Fotógrafo del Pánico’; un film incomprendido por público y crítica en el momento de su estreno, un film de culto en la posteridad.
camaraMark Lewis es un fotógrafo que trabaja para la industria de cine comercial y que está rodando, por su cuenta, un siniestro documental: graba a prostitutas y modelos mientras las asesina con un estilete acoplado al trípode de su cámara y capturar, así, el pánico en los ojos de sus víctimas. La razón la hallamos en que de niño fue torturado por un padre que lo utilizaba como cobaya para sus estudios sobre el miedo y su repercusión en el sistema nervioso.
punto de miraBien es cierto que Carl Boehm da el perfil del protagonista a la perfección e incluso provoca una impresión de compasión por parte de la audiencia conforme va avanzando el metraje y nos hace cómplices de sus traumas. Lo más llamativo es que el actor austríaco sólo utilizó este nombre artístico en esta cinta. El intérprete, cuyo papel más exitoso fue el Kaiser Francisco José... (continuar leyendo)


Y audio de @rne Audio RNE

domingo, 11 de enero de 2015

Exodo (1960)



Exodo, quedo undecima de 1960 con 20 votos, la gran epopeya del nacimiento de Israel, con Paul Newman como estrella en la pantalla de esta superproduccion dirigida por Otto Preminger...






Os dejo la critica de @AlbertoAbuin para Blog de cine


Éxodo’ (‘Exodus’, Otto Preminger, 1960) es la película que dio a Paul Newman la condición de gran estrella. Aunque ya era conocido por varios populares papeles, fue su interpretación del líder judío Ari Ben Canaan para esta superproducción la que le elevó hasta lo más alto en popularidad, gracias a que el film fue un estruendoso éxito en todo el mundo. Por el tema muchos llamaron oportunista a su director, el gran Otto Preminger, que produjo él mismo la película. El director de obras maestras como ‘Laura’ (id, 1944) había quedado impresionado con la novela de Leon Uris que se basó la creación del Estado de Israel, y la odisea del Exodus 1947, barco que transportó 4500 judíos desde Francia a Palestina, que estaban bajo el mando del imperio británico, estos interceptaron el barco y devolvieron parte de sus ocupantes a Francia y otros a Alemania a campos muy parecidos a los del exterminio. Eso fue la historia real, tanto el libro como la película convirtieron ese viaje.... (continuar leyendo)


jueves, 8 de enero de 2015

El sargento negro (1960)



El sargento negro de John Ford quedó decima con 22 votos, pelicula judicial sobre un mando del ejercito americano de raza negra que es acusado de violar y asesinar a una joven blanca. Film de genero Western pero salpicado de diferentes generos como es melodrama, judicial, suspense y narrada con muchos flashback y protagonizada por actores que no resultaros ser muy conocidos ni estrellas.

No es quizas una de las obras mas conocidas de el maestro del Western pero tiene en ella elementos para poder disfrutar y admirar esta obra 





Critica de @Sr_Kaplan para Clasicosis

Entre aniversarios y nuestros "especiales, primero a Alfred Hitchcock y ahora a Katharine Hepburn, parece que hemos dejado de lado a algunos de los grandes del cine clásico. Hoy toca reencontrarnos con John Ford, un seguro en el blog, antes siempre hablábamos de al menos una de sus películas al mes. 'El sargento negro' (Sergeant Rutledge, 1960) quizás pueda ser considerada como una de sus obras menores, pero si no has visto ningún film suyo y ves este y te dicen que es un film menor en su filmografía, seguro que tu imaginación no alcanza a pensar cómo serán sus mejores películas.



En Arizona, en el Fuerte Linton, el Sargento Rutledge (Woody Strode), el sargento negro,  va a enfrentarse a un consejo de guerra, ya que ha sido acusado de asesinar y violar a una joven blanca. Él siempre ha sido considerado como un soldado leal y valiente, pero ahora el ejército le cree culpable, él único que parece confiar en él es el Teniente Tom Cantrell (Jeffrey Hunter), quien se encargará de la defensa del acusado.

A base de flashbacks John Ford nos va contando todo lo sucedido con respecto al caso de asesinato. Me encanta como introduce en cada momento el flashback, inmovilizando a los actores y oscureciendo la escena hasta que saltamos en el tiempo. El film puede funcionar como drama..... (Continuar leyendo)



Critica de @Rafael_Narbona en su blog


Cuando en 1960 se estrena Sergeant Rutledge aún faltan cuatro años para que el Presidente Lyndon B. Johnson apruebe la Ley de Derechos Civiles (Civil Rights Act) que pone fin a la segregación racial en escuelas, empresas, cargos públicos y comicios electorales. John Ford (Maine, 1894-California, 1973) nunca escondió su ideología conservadora, pero su glorificación de la Caballería y del espíritu de los pioneros no le impidió filmar películas que ofrecían un relato nada épico de una América racista, intolerante y con grandes desigualdades sociales.

Sergeant Rutledge está ambientada en Arizona en 1881. Braxton Rutledge (Woody Strode) es sargento de primera del Noveno de Caballería, una unidad compuesta por soldados negros bajo el mando de oficiales blancos. Son los Buffalo Soldiers (Soldados Búfalo), de acuerdo con el nombre que les asignaron los indios tanto por el color de su piel como por los abrigos y sombreros de piel de búfalo que usaban en invierno para protegerse del frío. La mayoría procedía del IX y X Regimientos del Ejército de la Unión. Casi todos habían sido antiguos esclavos y habían luchado contra la Confederación, a veces después de fugarse de las inhumanas plantaciones del Sur. Su experiencia en la guerra civil les ayudó en sus escaramuzas con los pueblos indígenas, que advirtieron en seguida su valor y su tolerancia a las penalidades. Su eficacia en combate alumbró la leyenda...(Sigue leyendo) 




martes, 6 de enero de 2015

El manantial de la doncella (1960)


En noveno lugar con 22 votos nos encontramos "El manantial de la doncella", rodada con una casi total ausencia de música esta realización es casi en exclusiva una película de imágenes del realizador Sueco Ingmar Bergman, ambientada en la edad media en donde aparecen los temas mas recurrentes en la filmografia del director,  la muerte, la venganza, el sentimiento de culpa. Quizás no es una de sus películas mas famosa pero es un muestra mas de su gran obra, galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1960.

Gifs por @AuroraNocte  :






Os dejo la critica de @Cinema_Esencial 

El manantial de la doncella se abre con la imagen de Ingeri (Gunnel Lindblom) avivando el fuego para preparar el desayuno en la granja de Töre (Max von Sydow). Con la hoguera encendida, y tras la irrupción de los primeros rayos de sol en la estancia, la joven invoca a Odín, el dios pagano, mientras que en la alcoba de Töre, la esposa Marëta (Birgitta Valberg) reza ante la imagen del Cristo en la cruz y hace penitencia vertiendo sobre sus muñecas la cera caliente de un cirio.

La confrontación entre paganismo y cristianismo será una constante en la adaptación de esta hermosa y dura leyenda del siglo XIV, en la que Bergman encuentra un marco idóneo para tratar algunos de los temas presentes en la mayor parte de su filmografía: la religión, la muerte, el amor, la culpa y la venganza. En esta confrontación, sin embargo, ninguna de las dos manifestaciones religiosas es mostrada como una doctrina liberadora,....  (continuar leyendo)

sábado, 3 de enero de 2015

Al final de la escapada (1960)


Al final de la escapada quedo octava con 34 votos. La pelicula de Jean-Luc Godard es una de las primeras obras de la denominada "Nouvelle Vague" ganadora del Oso de Oro en el festival de Berlin de 1960. En ella Jean-Paul Belmondo interpreta a un delincuente que tras robar un coche en Marsella atropella a Agente al que mata, mientras se dirige a Paris a ver a una amiga Estadounidense (Jean Seberg) allí mantienen una relación mientras van de un lado a otro en busca de un dinero prometido.





Reseña de @Jorge_Luengo para La Cabecita

Rompiendo las reglas

Jean -Luc Godard dijo una vez: “Todo lo que necesitas para hacer una película es una pistola y una chica”. Rodada en el caluroso mes de agosto de 1959 en París y estrenada el 16 de marzo. Al final de la escapada  es una película que marca un antes y un después en la historia del cine. Todo Godard está ya en su primera película. Es algo inconfundible. Mezcla de lo mas artificial y caprichoso combinado con el más absoluto realismo. Partiendo de la idea de que toda película es un documental de sí misma, un documental de su rodaje. Viendo esta película, vemos la crónica de un verano en la ciudad de Paris. El primer montaje de la película duraba tres horas, la idea genial que tuvo Godard fue no cortar bloques, sino cortar en cada escena, en cada plano.
Godard hacía género pero en realidad es una película de autor, como pasaba al principio con las obras de Tarantino, los Coen etc… Algunos cineastas de hoy en día afirman que en esta película se inaugura el cine moderno, ya que el personaje..... (continuar leyendo)




Reseña de @AuroraNocte 

Godard tenía -y tiene- un gran sentido de la belleza. La transmitía tanto visual como dialécticamente en cada una de sus películas, llegando fácilmente a hipnotizar al espectador y haciéndole viajar unas cuantas décadas en el tiempo, en este caso hasta la Francia de los años 60.

El guión de Al final de la espada está escrito a dos manos con Truffaut, el otro gran nombre de la Nouvelle Vague, que había debutado un año antes con la impecable Los cuatrocientos golpes. Esta película es pionera dentro de este movimiento cinematográfico...... (continuar leyendo)