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domingo, 25 de enero de 2015

Resultados 1960

Victoria muy ajustada de El apartamento de Billy Wilder sobre Psicosis de Alfred Hitchcock:


1 El apartamento 244
2 Psicosis 228
3 Espartaco 123
4 Rocco y sus hermanos  60
5 Los siete magnificos 40


      



6 La evasion 38
7 La dolce Vita 36
8 Al final de la escapada 34
9 El manatial de la doncella 22
10 El sargento negro 22
11 Exodo 20
12 El fotografo del panico 14
13 El fuego y la palabra 12
14 Los ojos sin rostro 11
15 Un extraño en mi vida 10


                      
                              


Los 5 directores top han sido
  • Billy Wilder
  • Alfred Hitchcock
  • Stanley Kubrick
  • Luchino Visconti
  • John Sturges

Las nacionalidades:
  • 8 de Estados unidos (Wilder, Hitchcock, Kubrick, Sturges, Ford, Preminger, Brooks y Quine)
  • 3 de Francia (Becket, Godard y Franju)
  • 2 de Italia (Visconti y Fellini)
  • 1 de Suecia (Bergman)
  • 1 de Gran Bretaña (Powell)
  • 1 de España (Ferreri)

Los generos:
  • Drama 8
  • Historica 3
  • Comedia 2
  • Terror 2
  • Western 2

Peliculas españolas votadas:

  • Mi calle 1
  • Los chicos 1
  • Maribel y la extraña familia 1 



Lista en IMDB  IMDb: Año 1960 - http://www.imdb.com/rg/s/1/list/ls073514919


Otras peliculas votadas:

  • 16 El pueblo de los malditos 9
  • 17 La mascara del demonio 8
  • 18 Con el llego el escandalo 8
  • 19 El alamo 8
  • 20 El tiempo en sus manos 7
  • 21 A pleno sol 6
  • 22 Dos mujeres 5
  • 23 Rio salvaje 5
  • 24 La caida de la casa Usher 4
  • 25 Cimarron 4
  • 26 La isla desnuda 4
  • 27 Los que no perdonan 3
  • 28 La aventura 3
  • 29 El sindicato del crimen 3
  • 30 Los canallas duermen en paz 3
  • 31 Los hechos de la vida 3
  • 32 Macario 2
  • 33 El perro de los Baskerville 2
  • 34 Sueños de amor 2
  • 35 Las novias de dracula 2
  • 36 Sabado tarde, domingo mañ 2
  • 37 El botones 2
  • 38 The Lost World 1
  • 39 Disparad sobre el pianista 1
  • 40 El multimillonario 1
  • 41 Tirad sobre el pianista 1
  • 42 Alaska tierra del oro 1
  • 43 La tienda de los horrores 1
  • 44 Pagina en blanco 1
  • 45 La doncella 1 




jueves, 22 de enero de 2015

El apartamento (1960)

Por Guillermo Navarro: @gnavarro74, autor del blog: Film dreams





Con esta película Billy Wilder llegó a la cumbre de su carrera. Siempre alejado de los grandes proyectos de Hollywood al servicio de una gran productora,el director austriaco dirigió pocas películas, a las que dedicó todo sus esfuerzo. Esta es su segunda película como productor, después de iniciar esa nueva etapa con " Con faldas y a lo loco ". Entre 1959 y 1961 Wilder produjo, dirigió y escribió el guión de 3 magníficas películas: " Con faldas y a lo loco ", " El apartamento " y " Uno, dos, tres " . Para esta etapa iniciada en 1959 contó con un mismo guionista, I.A.L Diamond. Sus guiones junto al escritor rumano tuvieron como resultado unas películas más divertidas, y menos amargas. La única película que tiene una gran amargura es " El apartamento ", con unos personajes que pasan de la alegría a la tristeza en un momento, y que reflejan una gran soledad en el ser humano.
Pero conservan algo de esperanza, cosa que no ocurre en algunas películas de su anterior etapa, como " El crepúsculo de los dioses " o " El gran carnaval ". Ser productor tiene muchas ventajas, pero también muchos riesgos ( como cualquier empresario que pone un negocio ). Además de que Billy Wilder era productor de estas películas, pero seguía dependiendo del estudio a la hora de muchos detalles, sobre todo el presupuesto del proyecto. En 1970 el director austriaco quería hacer por primera vez un proyecto muy costoso, y así ser la primera película que contara de forma exacta y minuciosa la vida de Sherlock Holmes. Sus proyectos anteriores habían tenido pérdidas y United Artists se negó a hacer una película tan cara. Nunca sabremos el resultado de esa obra completa que había rodada Wilder, y que fue destruida durante el montaje. Desde ese momento el director perdió la ilusión por hacer películas y escribir guiones, aunque todavía rodaría 3 películas más, entre ellas " Avanti ", una notable película. Pese a ofrecerle muchos proyectos, incluso actuar en alguna película ( Cameron Crowe lo cuenta en el libro " entrevistas con Billy Wilder ", que le ofreció un papel en " Jerry Maguire " y este no aceptó ). Tenía una vida tranquila en su mansión de Sunset Boulevard, en donde murió a los 95 años.
Centrándonos en " El apartamento ", es una película atemporal, que nunca envejece y que gusta a todo tipo de público, incluso a las nuevas generaciones, que aborrecen el cine en blanco y negro. Junto a John Ford , son los únicos directores que consiguieron el éxito de crítica, público y miembros de la academia. Con esta película el director austriaco obtuvo tres oscars ( productor, director y guionista ). Es complicado saber el género de la película, ya que mezcla comedia, drama y romanticismo. A nivel personal la considero un drama, aunque entiendo que se la encasille dentro de otros géneros diferentes. A partir de una historia sencilla consigue una auténtica obra maestra, en donde se ponen de manifiesto dos cuestiones muy de actualidad: " la infidelidad " y " cesión ante las presiones de alguien superior, para mantener el puesto de trabajo ".

Nunca Jack Lemmon y Shirley MacLaine estuvieron tan bien. Ambos hacen la mejor interpretación de su carrera, y hubieran merecido el oscar de Hollywood. Consiguen representar unos personajes que cambian de estado de ánimo de forma natural, pasando de la alegría a la tristeza. En su primera aparición en pantalla la actriz está alegre, y su rostro lo refleja, solamente Audrey Hepburn podía hacer una primera aparición en pantalla tan espectacular. Bette Davis y Katherine Hepburn son mejores actrices, pero no recuerdo ninguna película en donde su aparición sea tan espectacular. Otros casos son el de Ingrid Bergman en " Casablanca " y Barbara Stanwyck en " Perdición ". Shirley MacLaine siempre será recordada como Fran Kubelik, la ascensorista de la compañía de seguros, y Jack Lemmon como el servicial y tonto C. C.Baxter. Es difícil decir cual es el mejor guión de la historia, porque hay muchos y muy buenos, pero estoy seguro que el de esta película está entre los 10 mejores. Los diálogos son ágiles e ingeniosos,y se pueden extraer grandes frases difíciles de olvidar. Pero también tiene una serie de gags visuales, en este caso no son cómicos como en la slapstick comedy o la screwball comedy. Son una serie de detalles dramáticos, con una simple imagen nos cuenta un aspecto fundamental del guión. Entre estas escenas, se pueden destacar " el espejo roto " y " la botella de champán ". Los decorados de Alexander Traumer son espectaculares, en el 90 % de la película se encuentran en la compañía de seguros y el apartamento de C. C. Baxter. En ambos casos retrata pefectamente esos dos escenarios, y para ello la fotografía emplea una gran profundidad de campo, que nos permite observar lo que están haciendo las personas que se encuentran en habitaciones diferentes. La primera escena de presentación del piso 19, en la empresa donde trabaja el protagonista, ha sido muchas veces copiada en el cine posterior. Billy Wilder se basó en la película " Y el mundo marcha...", en donde King Vidor ya reflejaba esas grandes compañías, y al imagen de mucha gente trabajando.
Hay grandes personajes secundarios, pero yo destacaría su a los personajes femeninos, todas tienen su encanto, pese a intervenir en pequeños papeles. Desde la secretaria Olssen, hasta las chicas de compañía de Dobisch y Eichelberger ( Sylvia trabaja como telefonista y tiene dos grandes momentos, en la fiesta de Navidad de la empresa y en el apartamento del protagonista ), la mujer del doctor Dreyfuss y Margie ( conoce a C C Baxter en un bar en el día de navidad. Tiene a su marido en la cárcel de La Habana ). El otro actor conocido es Fred Mac Murray, que ya trabajó con el director en " Perdición". En 1960 ya estaba en el declive de su carrera, lo que se nota en esta película en donde hace una actuación que no está a la altura del resto del reparto. La película nos plantea " el amor y la elección equivocada ", ya que por mucho que nos demos cuenta, es complicado no seguir amando a alguien, aunque sepamos que esa persona quiere a otra. Se " tropieza dos veces en la misma piedra ". Eso se ve reflejado en las relaciones Kubelik-Shaldrake y CC Baxter-Kubelik. En la escena final hay una frase de Kubelik que nos deja un final abierto, sobre el que cada uno puede extraer sus conclusiones. En mi caso tengo claro cual es la continuación de la historia, pero entiendo que hay otras opciones diferentes. De una forma u otra,es un gran final.

miércoles, 21 de enero de 2015

El cochecito (1960)


Votada como la primera de lengua hispana (31 votos) el cochecito del director Marco Ferreri director Italiano que conoció a Rafael Azcona y que juntos realizaran 3 maravillosas películas en nuestro país, en esta ocasion con el protagonismo para el gran Jose Isbert.
El cochecito narra las aventuras de un jubilado que quiere tener un coche de invalido como todos sus amigos, para ello venderá todas sus pertenencias creando un conflicto con su familia.
En esta ocasión no tuve la ocasión de ver la película pero os dejo la critica del blog "Los cuatrocientos golpes"




Critica del blog Cuatrocientos Golpes: 

Don Anselmo, un anciano ya retirado, vive en la casa de su hijo, procurador de los tribunales, su nuera, su nieta y el pasante de su hijo y novio de su nieta, Faustino, en una casa en la que el viejo es solo un trasto, un estorbo. Se aburre y habla solo, y aunque su familia le cuida y no le falta de nada, sin embargo está patéticamente solo. Su único refugio es un grupo de amigos, que disfrutan de la vida y, sobre todo, de su libertad de movimientos gracias a sus cochecitos de inválido en los que están postrados y de los que no pueden prescindir. Estamos, no lo olvidemos, en una España marcada por enfermedades como la poliomielitis y por las mutilaciones que provocaron las bombas de la Guerra Civil. Pero sus amigos, víctimas de la enfermedad, son más felices que don Anselmo, que, más sano que nadie, no puede compartir con ellos su movilidad y su libertad,... (continuar leyendo) 






martes, 20 de enero de 2015

Un extraño en mi vida (1960)


Un extraño en mi vida fue la decimoquinta de 1960 con 10 votos.  Este melodrama sobre el adulterio, dirigido por Richard Quine y protagonizado por Kirk Douglas y Kim Novak, narra las andanzas de 2 matrimonios que no pasan por su mejor momento.

Os enlazo el debate de Que grande es el cine que podéis encontrar en IVOOX





Y por supuesto una reseña que en esta ocasión va de la mano de  @CulpaDelScript


Viendo ‘Un extraño en mi vida’ me sorprendió, para bien, que un guión de 1960 no culpara a la esposa histérica de la infidelidad del marido, entre otras porque en esta película la esposa es una autentica delicia.

Suele ser recurrente en películas con temática similar, que la cornamenta esté justificada con las acciones del enamorado, hasta el punto que el propio espectador quiere que abandone a su pareja para comenzar una nueva vida comiendo perdices con el/la amante. Siendo normalmente una mujer, dibujan al personaje como alguien histérico con quien es imposible mantener una vida equilibrada en común. El desliz es una forma de escapar a ese infierno doméstico al que se está sometido. Vaya cara más dura, si no te encuentras bien con tu compañero sentimental, hasta otra y encantada de habernos conocido.



Kirk Douglas tiene motivos muy diferentes para dejarse arrastrar por los encantos de la rubia de cejas negras. Un hombre atractivo, arquitecto reconocido, padre de familia y atribulado en la rutina. He ahí la cuestión. Con la llegada del encargo de una nueva construcción, el artista necesita una motivación que le sirva de inspiración. No se puede crear rodeado de la mediocridad habitual que rodea la verdadera vida del dibujante. No es casual que la primera cita que mantiene con Kim Novak sea, precisamente, por los terrenos que serán la base... (sigue leyendo) 













lunes, 19 de enero de 2015

Ojos sin rostro (1960)



Ojos sin rostro, puesto 14 en 1960 con 11 votos. Poco puedo aportar de esta pelicula francesa de Georges Franju, salvo que se comenta que Pedro Almodovar se baso en ella para realizar "La piel que habito" para el resto de aspectos, echo mano del amigo Mr.Sambo y de su magnifico analisis de la pelicula.

Os dejo la critica de @Mrsambo92 para su excelso blog Cinemelodic:


De una depuradísima truculencia esta película francesa de terror perturba sin concesiones desde su inicio hasta su final, una película fría y sin florituras.


Con un ritmo calmado y muy pausado, como si algo se estuviera cociendo a fuego lento, Franju va creando un ambiente de extrañeza, contenido, sumamente frio, aséptico pero violento de alguna forma, algo enfermizo, siniestro, terrorífico, un miedo contenido. Esa asepsia viene dada en el ritmo extraordinario de la película, en la máscara blanca y sin gesto, en la enorme casa del médico… Y acaba desembocando, como no podía ser de otra manera, en una escena realmente escalofriante, la larguísima operación a la chica secuestrada. Una operación que da un bofetón al espectador que ve un brusco contraste entre la asepsia anterior y la explicitud detallada de la escena, una operación que respeta los mismos parámetros anteriores de ritmo pausado y que se hace difícilmente soportable para el espectador, que observa incómodo todos y cada uno de los pasos que va realizando el médico.



Un prestigioso cirujano tuvo un accidente en el que su hija quedó terriblemente desfigurada, por ello se siente culpable y hará todo lo que esté en su mano para devolverle el rostro, por terrorífico que sea.
La película se vertebra sobre 3 personajes perfectamente definidos y que también tienen cierta dimensión metafórica.
El primero de ellos, el padre (Pierre Brasseur), el prestigioso cirujano atormentado por la culpa y obsesionado por subsanar la situación de su hija, un personaje que pierde el norte de toda ética y que hace de su obsesión su único objetivo real en la vida perdiendo....... (sigue leyendo)



domingo, 18 de enero de 2015

El fuego y la palabra (1960)


El Fuego y la Palabra de Richard Brooks quedó en el puesto 13 del año 1960 con 12 votos. No conozco casi nada de esta película y reconozco que me llama la atención, por ello Javier Leiva, se animado a escribirnos esta critica para el blog.

Os dejo la critica de @JaviL32 gracias amigo....

La hipocresía de la fé




Lo primero que sorprende a la hora de ver 'El fuego y la palabra' es una nota con una advertencia de productores en la cual dicen que los niños no deberían ver esta película. En apariencia, una película sobre la religión no debería ser algo que causase tanto alboroto y en concreto tratándose de un borracho con mucha labia, que se vuelve predicador para seducir a una 'ministra del señor'. Pero es un ser lujurioso y su pasado escabroso se vuelve contra él. Tal vez no sería recomendable para los niños de aquella época pero los de ahora, como dice la expresión 'están curados de espanto'. No es de extrañar que el libro, publicado en 1927 por Sinclair Lewis, fuera prohibido en algunos lugares de Estados Unidos por cuestionar la 'verdadera' fé. Richard Brooks tuvo un período imponente donde rodó estupendas películas como Semilla de maldad, A sangre fría, Los hermanos Karamazov, La gata sobre el tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud y Lord Jim.  En esos títulos se denota su afición por la adaptación de obras literarias. 'El fuego y la palabra' fue la primera producción independiente de Brooks y decidió adaptar solo una parte de la novela de Lewis, pasando dos años escribiendo el guión, con el cual ganó un Oscar. No fue una adaptación fácil y más aún en una época en la cual la censura del Código Hays estaba presente aunque fueran sus últimos días.

Tampoco hay que ser plenamente conscientes de como es el protestantismo americano. En más de una ocasión habremos visto esas grandes campañas evangelísticas seguidas de conversiones masivas donde predicadores itinerantes remueven la base religiosa del cristianismo americano. Y muchos predicadores fomentaron sus estrategias para sermonear a esa parte de la población para conseguir lucrarse. Se podría decir que es una 'economía de la fé'.  Es posible también que a algunas le suene esa canción de ' Give me that old time religion', una canción gospel cantada en las iglesias protestantes. Ese renacimiento de la vieja religión, con especial incidencia en el Sur de Estados Unidos, es  lo que  la hermana Sharon predica como unas de las expresiones de lo que es el evangelismo pentecostal. Lo que 'El fuego y la palabra' explora es ese mercado religioso y competitivo, esas negociaciones entre las iglesias tradicionales como la bautista y metodista, un comercio de la fé.  Estos predicadores son como empresarios religiosos.




La principal figura de la película es Elmer Gantry (Burt Lancaster), casi un vagabundo carismático pero tambien lujurioso. Un día se topa en una de esas grandes carpas donde los predicadores sermonean sus discursos a favor de la fe y cae magnetizado por la presencia de la hermana Sharon Falconer (Jean Simmons). Elmer se las arregla para con el tiempo convertirse en su compañero, aún  a pesar de los obstáculos que les crea un periodista no creyente (Arthur Kennedy). Cuando Gantry se encuentra en una situación comprometedora con una antigua amante, Lulu Bains (una seductora Shirley Jones), todo el mundo de Elmer se desmorona y el fuego apocalíptico se desata en su vida.

El corazón y alma de 'El fuego y la palabra' es incuestionablemente Burt Lancaster en una asombrosa y entusiasta intepretación, muy adecuado para el propio carácter actoral de Burt. De hecho ganó el Oscar al mejor actor. No solo se basa en la locuacidad de su personaje, esa labia que gana más y más adeptos soltando mentiras y diciendo lo que esos oídos ignorantes quieren oir. También Burt basa su actuación en su físico, gestos, en hacer brotar sus palabras a traves de su cuerpo y todo eso unido a su encanto y especial carisma. La sonrisa de Lancaster es convincente, cree en su papel al igual que Elmer Gantry. Durante su carrera, Burt Lancaster siempre arriesgó y buscaba en cada película hacer personajes siempre distintos. Por contra, la hermana Sharon Falconer es una figura totalmente diferente a Gantry. Ella es una verdadera creyente pero también reconoce el valor práctico que tiene lo que hace desde una perspectiva empresarial. Sabe que Gantry no es sincero, que en realidad no está ayudando a nadie pero la fama y la fortuna son demasiado seductores. Gantry y Falconer tiene distintos objetivos morales para hacer lo que hacen, uno por seducción, otra por creer en lo que hace.  La hipocresía de sus sermones es evidente y Richard Brooks explota ese aspecto mostrándolos como profundamente humanos y ocultando en Gantry a través de esa carismática sonrisa esa hipocresía y en Falconer ese convencimiento pleno en que está haciendo la obra del Señor.




Religión, fé, sermones, predicadores, creencias ... está claro que la religión en el cine siempre es un tema delicado. Ese mismo año, Stanley Kramer abordó otra película de temática religiosa como 'La herencia del viento' donde religión y evolución se veían enfrentadas. Las conclusiones que se pueden sacar son varias de este tipo de películas ¿Se usa la religión para aborregar a la gente? ¿Se lucra la religión con la propia religión? ¿La religión no debe ser una manera de encarar la vida? Películas como 'El fuego y la palabra' demuestran que se puede comerciar con la fé de las personas sin escrúpulo alguno.



sábado, 17 de enero de 2015

El fotografo del panico (1960)



El fotografo del Panico, duodecimo lugar en 1960 con 14 votos, es una pelicula britanica de Michael Powell de terror, con una gran estima en el mundo de los aficionados al cine y en particular al terror, la pelicula narra la historia de un psicopata que tiene la particularidad de fotografiar a sus victimas en el momento en que son asesinadas. Esta produccion casi le cuesta la ruina a su director y la productora Anglo-Amalgamated Productions. 





Os dejo critica de Ultimatum a la sala:

Escoptofilia: Práctica sexual en la que el individuo experimenta excitación sexual al mirar a otros realizando actividades sexuales o íntimas, durante esta práctica el individuo no desea ser visto o interactuar con las personas observadas. Esta patología, también conocida como voyeurismo, se ajusta bastante a la conducta del protagonista de ‘El Fotógrafo del Pánico’; un film incomprendido por público y crítica en el momento de su estreno, un film de culto en la posteridad.
camaraMark Lewis es un fotógrafo que trabaja para la industria de cine comercial y que está rodando, por su cuenta, un siniestro documental: graba a prostitutas y modelos mientras las asesina con un estilete acoplado al trípode de su cámara y capturar, así, el pánico en los ojos de sus víctimas. La razón la hallamos en que de niño fue torturado por un padre que lo utilizaba como cobaya para sus estudios sobre el miedo y su repercusión en el sistema nervioso.
punto de miraBien es cierto que Carl Boehm da el perfil del protagonista a la perfección e incluso provoca una impresión de compasión por parte de la audiencia conforme va avanzando el metraje y nos hace cómplices de sus traumas. Lo más llamativo es que el actor austríaco sólo utilizó este nombre artístico en esta cinta. El intérprete, cuyo papel más exitoso fue el Kaiser Francisco José... (continuar leyendo)


Y audio de @rne Audio RNE

domingo, 11 de enero de 2015

Exodo (1960)



Exodo, quedo undecima de 1960 con 20 votos, la gran epopeya del nacimiento de Israel, con Paul Newman como estrella en la pantalla de esta superproduccion dirigida por Otto Preminger...






Os dejo la critica de @AlbertoAbuin para Blog de cine


Éxodo’ (‘Exodus’, Otto Preminger, 1960) es la película que dio a Paul Newman la condición de gran estrella. Aunque ya era conocido por varios populares papeles, fue su interpretación del líder judío Ari Ben Canaan para esta superproducción la que le elevó hasta lo más alto en popularidad, gracias a que el film fue un estruendoso éxito en todo el mundo. Por el tema muchos llamaron oportunista a su director, el gran Otto Preminger, que produjo él mismo la película. El director de obras maestras como ‘Laura’ (id, 1944) había quedado impresionado con la novela de Leon Uris que se basó la creación del Estado de Israel, y la odisea del Exodus 1947, barco que transportó 4500 judíos desde Francia a Palestina, que estaban bajo el mando del imperio británico, estos interceptaron el barco y devolvieron parte de sus ocupantes a Francia y otros a Alemania a campos muy parecidos a los del exterminio. Eso fue la historia real, tanto el libro como la película convirtieron ese viaje.... (continuar leyendo)


jueves, 8 de enero de 2015

El sargento negro (1960)



El sargento negro de John Ford quedó decima con 22 votos, pelicula judicial sobre un mando del ejercito americano de raza negra que es acusado de violar y asesinar a una joven blanca. Film de genero Western pero salpicado de diferentes generos como es melodrama, judicial, suspense y narrada con muchos flashback y protagonizada por actores que no resultaros ser muy conocidos ni estrellas.

No es quizas una de las obras mas conocidas de el maestro del Western pero tiene en ella elementos para poder disfrutar y admirar esta obra 





Critica de @Sr_Kaplan para Clasicosis

Entre aniversarios y nuestros "especiales, primero a Alfred Hitchcock y ahora a Katharine Hepburn, parece que hemos dejado de lado a algunos de los grandes del cine clásico. Hoy toca reencontrarnos con John Ford, un seguro en el blog, antes siempre hablábamos de al menos una de sus películas al mes. 'El sargento negro' (Sergeant Rutledge, 1960) quizás pueda ser considerada como una de sus obras menores, pero si no has visto ningún film suyo y ves este y te dicen que es un film menor en su filmografía, seguro que tu imaginación no alcanza a pensar cómo serán sus mejores películas.



En Arizona, en el Fuerte Linton, el Sargento Rutledge (Woody Strode), el sargento negro,  va a enfrentarse a un consejo de guerra, ya que ha sido acusado de asesinar y violar a una joven blanca. Él siempre ha sido considerado como un soldado leal y valiente, pero ahora el ejército le cree culpable, él único que parece confiar en él es el Teniente Tom Cantrell (Jeffrey Hunter), quien se encargará de la defensa del acusado.

A base de flashbacks John Ford nos va contando todo lo sucedido con respecto al caso de asesinato. Me encanta como introduce en cada momento el flashback, inmovilizando a los actores y oscureciendo la escena hasta que saltamos en el tiempo. El film puede funcionar como drama..... (Continuar leyendo)



Critica de @Rafael_Narbona en su blog


Cuando en 1960 se estrena Sergeant Rutledge aún faltan cuatro años para que el Presidente Lyndon B. Johnson apruebe la Ley de Derechos Civiles (Civil Rights Act) que pone fin a la segregación racial en escuelas, empresas, cargos públicos y comicios electorales. John Ford (Maine, 1894-California, 1973) nunca escondió su ideología conservadora, pero su glorificación de la Caballería y del espíritu de los pioneros no le impidió filmar películas que ofrecían un relato nada épico de una América racista, intolerante y con grandes desigualdades sociales.

Sergeant Rutledge está ambientada en Arizona en 1881. Braxton Rutledge (Woody Strode) es sargento de primera del Noveno de Caballería, una unidad compuesta por soldados negros bajo el mando de oficiales blancos. Son los Buffalo Soldiers (Soldados Búfalo), de acuerdo con el nombre que les asignaron los indios tanto por el color de su piel como por los abrigos y sombreros de piel de búfalo que usaban en invierno para protegerse del frío. La mayoría procedía del IX y X Regimientos del Ejército de la Unión. Casi todos habían sido antiguos esclavos y habían luchado contra la Confederación, a veces después de fugarse de las inhumanas plantaciones del Sur. Su experiencia en la guerra civil les ayudó en sus escaramuzas con los pueblos indígenas, que advirtieron en seguida su valor y su tolerancia a las penalidades. Su eficacia en combate alumbró la leyenda...(Sigue leyendo) 




martes, 6 de enero de 2015

El manantial de la doncella (1960)


En noveno lugar con 22 votos nos encontramos "El manantial de la doncella", rodada con una casi total ausencia de música esta realización es casi en exclusiva una película de imágenes del realizador Sueco Ingmar Bergman, ambientada en la edad media en donde aparecen los temas mas recurrentes en la filmografia del director,  la muerte, la venganza, el sentimiento de culpa. Quizás no es una de sus películas mas famosa pero es un muestra mas de su gran obra, galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1960.

Gifs por @AuroraNocte  :






Os dejo la critica de @Cinema_Esencial 

El manantial de la doncella se abre con la imagen de Ingeri (Gunnel Lindblom) avivando el fuego para preparar el desayuno en la granja de Töre (Max von Sydow). Con la hoguera encendida, y tras la irrupción de los primeros rayos de sol en la estancia, la joven invoca a Odín, el dios pagano, mientras que en la alcoba de Töre, la esposa Marëta (Birgitta Valberg) reza ante la imagen del Cristo en la cruz y hace penitencia vertiendo sobre sus muñecas la cera caliente de un cirio.

La confrontación entre paganismo y cristianismo será una constante en la adaptación de esta hermosa y dura leyenda del siglo XIV, en la que Bergman encuentra un marco idóneo para tratar algunos de los temas presentes en la mayor parte de su filmografía: la religión, la muerte, el amor, la culpa y la venganza. En esta confrontación, sin embargo, ninguna de las dos manifestaciones religiosas es mostrada como una doctrina liberadora,....  (continuar leyendo)

sábado, 3 de enero de 2015

Al final de la escapada (1960)


Al final de la escapada quedo octava con 34 votos. La pelicula de Jean-Luc Godard es una de las primeras obras de la denominada "Nouvelle Vague" ganadora del Oso de Oro en el festival de Berlin de 1960. En ella Jean-Paul Belmondo interpreta a un delincuente que tras robar un coche en Marsella atropella a Agente al que mata, mientras se dirige a Paris a ver a una amiga Estadounidense (Jean Seberg) allí mantienen una relación mientras van de un lado a otro en busca de un dinero prometido.





Reseña de @Jorge_Luengo para La Cabecita

Rompiendo las reglas

Jean -Luc Godard dijo una vez: “Todo lo que necesitas para hacer una película es una pistola y una chica”. Rodada en el caluroso mes de agosto de 1959 en París y estrenada el 16 de marzo. Al final de la escapada  es una película que marca un antes y un después en la historia del cine. Todo Godard está ya en su primera película. Es algo inconfundible. Mezcla de lo mas artificial y caprichoso combinado con el más absoluto realismo. Partiendo de la idea de que toda película es un documental de sí misma, un documental de su rodaje. Viendo esta película, vemos la crónica de un verano en la ciudad de Paris. El primer montaje de la película duraba tres horas, la idea genial que tuvo Godard fue no cortar bloques, sino cortar en cada escena, en cada plano.
Godard hacía género pero en realidad es una película de autor, como pasaba al principio con las obras de Tarantino, los Coen etc… Algunos cineastas de hoy en día afirman que en esta película se inaugura el cine moderno, ya que el personaje..... (continuar leyendo)




Reseña de @AuroraNocte 

Godard tenía -y tiene- un gran sentido de la belleza. La transmitía tanto visual como dialécticamente en cada una de sus películas, llegando fácilmente a hipnotizar al espectador y haciéndole viajar unas cuantas décadas en el tiempo, en este caso hasta la Francia de los años 60.

El guión de Al final de la espada está escrito a dos manos con Truffaut, el otro gran nombre de la Nouvelle Vague, que había debutado un año antes con la impecable Los cuatrocientos golpes. Esta película es pionera dentro de este movimiento cinematográfico...... (continuar leyendo) 



lunes, 29 de diciembre de 2014

La dolce Vita (1960)



La Dolce Vita quedo en septimo lugar con 36 votos. La pelicula italiana dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Marcelo Mastroianni y Anita Ekberg narra las visicitudes de un periodista en busca de celebridades que se mueve por la noche romana.y por las fiestas burguesas. La llegada de una famosa actriz le brinda la oportunidad de conseguir su reportaje estrella y la persigue todas las noches por la ciudad

Yo particularmente no he visto esta pelicula y ademas mi insatisfaccion con Amacord y la larga duracion me da una pereza tremenda...  no obstante se que es muy estimada por mucha gente.

Os dejo la critica de @alfonsogc82 para @lavozenoffnet

Una enorme estatua de Cristo sobrevuela Roma transportada por un helicóptero. Se mueve desde los barrios pobres periféricos hasta el mismo centro, hacia el Vaticano, pasando por la zona rica y exclusiva de la jet set de la época. En ese momento, observados por tan simbólica presencia, da comienzo una de las películas más famosas y polémicas de la historia del cine. Toda una crítica a la aristocracia de aquellos años, a sus delirios y excesos, así como a un incipiente periodismo sensacionalista que comenzaba a alimentarse de las miserias ajenas.

Marcello es un periodista que se dedica a cubrir diferentes sucesos sociales que tienen lugar en la ciudad...... (sigue leyendo)  

Un  gift extraido de:  365 days. 365 films. GIF


La critica de Carlos Rosal para @miradasdecine

Apuntaba José Enrique Monterde desde las páginas de Dirigido por... (1) que si bien un grupo de cinéfilos puede hablar de lo godardiano o pasolliniano, el término felliniano es de carácter universal, más allá incluso de haber visto algún film del cineasta de Rímini. No es cuestión de trazar en estas líneas sobre que contiene y que no contiene el cajón de sastre de lo felliniano pero si hacer notar que el cine de Federico Fellini representa por encima de todo uno de esos paradigmas de cine personal. Una de las consecuencias de ese paradigma es que el cine de Fellini, más allá de reconocer los evidentes y demostrables méritos..... (sigue leyendo)







domingo, 28 de diciembre de 2014

La evasion (1960)


La evasión quedo sexta con 38 votos. Es un drama carcelario con un gran ritmo y sencillez que te, película francesa de Jack Becker, que firma su produccion mas estimada, rodada con actores semiprofesionales, en ella un condenado por el asesinato de su mujer comparte celda con cuatro duros criminales que han decidido escapar de la cárcel y que le convencen para que les acompañe. 



Yo no tuve ocasión de verla aun aunque confieso que muchos me han contado de la maravilla esta produccion francesa, os dejo la critica de @ViriValles  para Vox Ultra



La historia se sitúa en una prisión francesa de 1947. Allí, cuatro reclusos que comparten celda han preparado un minucioso plan para fugarse. Cuando ya planean ponerlo en marcha, reciben la noticia de la llegada de Gaspard Claude (Marc Michel) a su habitáculo. Ante esta situación, deberán decidirse entre abandonar el plan o contárselo al joven preso y confiar en que éste no les traicione. 

Le trou fue la última película que dirigió el gran cineasta parisino Jacques Becker, quien falleció semanas después de finalizar el rodaje y ni tan solo pudo completar el trabajo de post-producción. De lo que no hay duda alguna es de que se trata de su cima.... (Continuar leyendo)




jueves, 11 de diciembre de 2014

Psicosis (1960)


Segunda posición (228 Votos) para el maestro del terror y una de sus obras cumbres, Psicosis, que siempre estará asociada a la música de Bernard Herrmann y su archiconocida escena de la ducha. 
Alfred Hichcock estaba en el cenit de su carrera cuando descubrió la novela de Robert Bloch y vio una historia que podía cautivar a la pantalla, aunque las grandes productoras no confiaban en ella, así que asumió el riesgo y financio de su bolsillo la produccion de esta película.

Para mi una OBRA MAESTRA DEL TERROR de Todos los Tiempos. Película madre de todo un género y cuya influencia podemos ver hoy en día. Una puesta en escena y un guión que no han envejecido nada. 




Os dejo critica de Alberto Abuin @AlbertoAbuin para Blog de Cine

No es un mensaje lo que ha intrigado al público. No es una gran interpretación lo que ha conmovido al público. No es una novela de prestigio lo que ha cautivado al público. Lo que ha emocionado al público es el cine puro.
Esa es la frase de un Hitchcock muy convencido de lo que decía ante François Truffaut, en la famosa entrevista recogida en forma de libro —si no es el mejor libro escrito sobre cine, poco le falta— al referirse a su película más famosa, ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), la cual nació de los intereses del director británico por hacer un film pequeño, casi de serie B, alejado del enorme trabajo que supusieron sus films previos. El libro de Robert Bloch fue leído por Hitchcock cuando se encontraba de viaje por Londres, y una escena fue determinante para decidirse a hacer la adaptación.
Esa secuencia es, cómo no, la famosa secuencia del asesinato de Janet Leigh en la ducha, lo más impactante y recordable del, a mi parecer mediocre libro de Bloch, por suponer una situación totalmente inesperada que causa en el lector....  (continuar leyendo)




La critica de Alfonso Gutiérrez Caro @alfonsogc82 para La voz en Off

Marion Crane (Janet Leigh) entra en el baño, cierra la puerta tras de sí, deja el batín sobre el inodoro y se interna en la ducha. El agua cae con fuerza, purificando, relajándola. Mientras se enjabona vemos cómo la puerta se abre y entra una sombra. La sombra se acerca, corre la cortina cuchillo en mano y un grito desgarra nuestros corazones. Una, dos, tres, cuatro… hasta diecisiete puñaladas con unas escalofriantes notas de fondo que tiñen el lecho de la bañera de rojo. El cuerpo de Marion cae llevándose la cortina como mortaja mientras el agua ensangrentada fluye muriendo en el sumidero. No hay nada que hacer, ya no volverá a parpadear. Atónito, asistes a una de las escenas capitales de la historia del terror. Apenas tres minutos escalofriantes...... (continuar leyendo)

Critica en Clasicosis por @Sr_Kaplan

Tras terminar 'Con la muerte en los talones', Alfred Hitchcock se disponía a rodar un film que iba a ser protagonizado por Audrey Hepburn, incluso ya tenía guión. Pero tras leer dicho guión, la actriz declinó realizar el film ya que tenía que protagonizar una escena de violación que incomodaba a la actriz, aunque lo que realmente le contó al director es que estaba embarazada.

Tras ese contratiempo que disgustó muchísimo a Hitchcock, quien realmente deseaba realizar un film con la afamada actriz, el director no encontraba una historia de su agrado, hasta que dio con una novela de Robert Bloch que le parecía interesante. Así nació 'Psicosis' (Psycho, 1960), una de las grandes..... (continuar leyendo)


miércoles, 10 de diciembre de 2014

Espartaco (1960)



Votada en tercer lugar (123 Votos) la película de Stanley Kubrick es una visión del héroe Tracio llamado Espartaco. Es quizas segun comentan la pelicula mas impersonal del magnifico director britanico, entre otros motivos porque ni siquiera fué él quien empezo a rodarla sino que mas bien llego despues de que el productor y principal culpable de esta pelicula, Kirk Douglas no quedara satisfecho con el trabajo de Anthony Mann. Su larga duracion y las magnificas batallas representadas en la pelicula producen un verdadero placer en su visionado.

Yo no termine muy satisfecho con ella, le reconozco algunos tramos muy interesantes y otros que se hicieron un poco pesados, tuve la oportunidad de verla hace unos meses y confieso que el recuerdo ideal que tenia de ella despues de haberla visto en la niñez desaparecio, eso si quedaran para la historia la frase de "Yo soy Espartaco" o la conversacion de "Caracoles y ostras"




Os dejo la critica de Alberto Abuin @AlbertoAbuin para blog de cine

Tras ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957), cuyo estreno estuvo prohibido en muchos países durante años, Stanley Kubrick no tenía demasiadas oportunidades para dirigir otra película. Fue precisamente el protagonista principal de esta última, Kirk Douglas, quien pensó en el director neoyorquino para hacerse cargo de una monumental superproducción —citando al gran Goyo, para los de la LOGSE, un blockbuster— en la línea de las que solían hacer en aquella época dentro del cine histórico. Films como ‘Quo Vadis’ (id, Mervin LeRoy, 1951), ‘La caída del Imperio Romano’ (The Fall of the Roman Empire’, Anthony Mann, 1964), ‘Rey de reyes’ (‘King of Kings’, Nicholas Ray, 1961), ’55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, Nicholas Ray, 1963) o la multipremiada ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) están en la memoria de cualquier cinéfilo.
‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) es, junto al film de Wyler, la mejor de todo este grupo de películas. Un emocionante, entretenidísimo y extenso largometraje sobre la vida del esclavo tracio que fue uno de los líderes de la más importante rebelión contra la Antigua república romana. 190 minutos extraordinarios de puro cine  (continuar leyendo)

martes, 9 de diciembre de 2014

Rocco y sus hermanos (1960)


El cuarto puesto (60 Votos) del año 1960 fue para una película Italiana dirigida por el director aristocrata Luchino Visconti autor de obras como El gatopardo, La caída de los dioses o Muerte en venecia.
En esta película nos trasladamos a Milan donde una madre con sus cuatro hijos llegan huyendo de la pobreza, para reunirse con el hijo mayor, el conflicto entre dos hermanos surgirá cuando ambos se enamoran de una prostituta. Película de un alto contenido social y psicológico que se desarrolla en casi tres horas que no se hacen nada largas, rodada en un magnifico blanco y negro y realizada en capítulos encabezados por cada uno de los hermanos donde las tramas de unos y otros se van cruzando.Una de las primeras películas del galán Alain Delon, con una actuación sobresaliente.

Esta película la vi hace tiempo y tengo un grato recuerdo de ella, de hecho ha sido una de mis pocas incursiones en el cine italiano de esa época y la recomiendo fervientemente, una de esas historias llena de pasión y de drama que le sujeta con fuerza a uno en el sillón de su casa...


Os dejo la critica de Naiara Gonzalez  @naiara_glez

'Rocco y sus hermanos' es uno de los últimos trabajos que realizó Luchino Visconti dentro de lo que está considerado como neorrealismo italiano. Rocco, junto a su madre y hermanos (Simone, Ciro y Luca) se trasladan desde un pequeño pueblo sureño hasta Milán, donde les espera Vincenzo, el mayor de los cinco hermanos. Tras la muerte de su padre, la madre espera que en la ciudad la calidad de vida de sus hijos sea mejor.

La emigración del pueblo a la ciudad y el conflicto de valores que nace de ese cambio son algunos de los temas recurrentes del neorrealismo italiano. En la película, vemos reflejado el efecto que tiene en cada hermano el traslado a la ciudad. El conflicto de valores es.... (continuar leyendo la critica).

lunes, 8 de diciembre de 2014

Los siete Magnificos (1960)



El quinto puesto (40 Votos) es para  Los siete magníficos una producción americana basada en Los siete sumarais de Akira Kurosawa en esta ocasión desarrollada en el Oeste Americano y dirigida por John Sturges director de La gran Evasión y que anteriormente a esta película había dirigido acertadamente otros Westerns como "El ultimo tren a Gun Hill" o "Duelo de Titanes" y con un reparto de lujo, donde se juntan estrellas como Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach o James Coburn.

Mi opinión es que no deja de ser una película entretenida a la que le falta un poco de intensidad para poder ser mejor valorada, esta película ha pasado a la historia como uno de los Western mas famosos de la historia a pesar de que su calidad diste mucho de tan merecido honor, pero todos hemos sido niños y muchos de nosotros ha tatareado su famosa música persiguiendo a un amigo, sin duda la banda sonora de Elmer Bernstein ha contribuido a ello, y puede ser lo mas destacado de esta película.

Aun asi fue elegida en quinta posición por vosotros en el año 1960 con lo cual algo tendra para superar a peliculas como La dolce Vita o Al final de la escapada.



Os dejo la critica que @AlbertoAbuin hizo para Blog de Cine:

"Llegamos en el ciclo del western al film más famoso de John Sturges, tanto dentro de su filmografía —honor que sin duda comparte con ‘La gran evasión’ (‘The Great Escape’, 1963)— como dentro del género: ‘Los siete magníficos’ (‘The Magnificent Seven’, 1960). Clásico entre los clásicos, bombazo de taquilla, y uno de esas películas que han disfrutado generaciones enteras desde su estreno. Una de esas obras, que sin ser maestras, se disfrutan una y otra vez en cada nuevo visionado. Al menos esa es la sensación que me queda a mí siempre que la veo, y me atrevería a decir.... (continuar leyendo la critica)  "



Critica de @JosCarlosGmez7 en su blog.

Esta es una de las grandes películas del género western, que, sin embargo, se baso en la grandioso cinta de Kurosawa "Los Siete Samurais", siguiendo la misma premisa de que siete hombres son contratados para defender a un indefenso pueblo de las atrocidades y robos provocadas por un grupo numeroso de bandidos. Muchos consideran a esta obra como el precedente del western europeo, también llamado spaghetti western, y es que tiene muchos elementos que son idénticos a dicho tipo de películas.

Un pequeño pueblo mejicano cerca de la frontera con los Estados Unidos es asediado continuamente por una banda de malhechores, dirigidos por un tipo despreciable,  Calvera (Eli Wallach), que le quitan a los labradores....... (continuar leyendo)