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sábado, 31 de enero de 2015

El conformista (1970)



El conformista de Bernardo Bertolucci quedo decimosegunda de 1970 con 33 votos. Esta historia del director italiano narra una historia de pasado y presente en la Italia de los años 30 donde se mezclan amor, venganza y politica. Realizada en su primera etapa antes de los exitos de El ultimo tango en Paris y Novecento es una muy apreciada pelicula que fue nominada al mejor guion en los Oscar y a la mejor pelicula de habla no inglesa en los Globos de Oro





Os dejo la reseña que hizo la Revista Magnolia @RevistaMagnolia

Antes de la revolución (Prima della rivoluzione, 1964) no es de las películas más conocidas de Bernardo Bertolucci, que comenzó a cobrar verdadera fama y a trabajar en producciones más importantes a partir de El conformista (1970), nominada a un Óscar, y del revuelo que produjo El último tango en París (1972). Se trata, no obstante, de uno de sus trabajos más personales y sinceros. La commare secca (1962) es su primer largometraje y está basado en un guión de Pier Paolo Pasolini pero Antes de la revolución, realizada dos años después, es su primera película de autor.



El joven director de 23 años de edad demuestra una sorprendente madurez tanto en recursos y en poética cinematográfica como en la crudeza del discurso político, moral y filosófico. Bertolucci se llena la boca con referencias continuas a aquellos que admira (Pasolini, Stendhal, Wilde, Proust, Rossellini, Renoir, Hawks, Antonioni, entre otros) aunque lo hace con cuidado, cariño y con gran carga emotiva. La música cobra importancia convirtiéndose en un elemento dramático fundamental; con el trabajo de Ennio Morricone y Gino Paoli. La fuerza que desprende el Macbeth de Verdi denota todo el dramatismo que implica el conflicto interno que padece el protagonista. Aquellos elementos que, sin duda, nos reenvían.......  (seguir leyendo la critica original)

martes, 27 de enero de 2015

La rodilla de Clara (1970)



La rodilla de Clara del director Frances Eric Rohmer quedo en el puesto 14 con un total de 28 votos. Nos encontramos ante una pelicula basicamente de palabras, dentro del ciclo denominado cuentos morales, se trata de un escritor que intenta conquistar a una mujer que tiene novio, instigado por una novelista, las irresistibles ganas de acariciar la rodilla de la protagonista es una reflexion sobre el deseo. La pelicula ganó la Concha de Oro en el festival de San Sebastian






Os dejo la critica de Pensar de cine:

"Le genou de Claire" (La rodilla de Clara), de 1970, forma parte de la serie de películas de Eric Rohmer agrupadas bajo el rótulo: "Seis cuentos morales". Una escritora, Aurora (Aurora Cornu), cuenta a un amigo, Jerome (Jean-Claude Brialy), que en ese momento tiene unos cuarenta años, una trama para un texto que quiere escribir, y aún está incompleta. La trama trata de un hombre adulto atraído por unas adolescentes que juegan al tenis. Tanto Aurora como Jerome en ese momento están viviendo en un lugar de vacaciones, a orillas de un lago. Pegado a ellos viven dos chicas de unos dieciséis años. Aurora le propone a Jerome que trate de seducir a una de las chicas y después le cuente, para darle ideas para completar la trama. Jerome, que acepta ser su "cobayo", primero se acerca a Laura (Beatrice Romand), y avanza con ella hasta cierto punto (ella empieza a sentir algo por él) pero después aparece Claire (Laurence de Monahgan), la otra chica, y Jerome cambia de objetivo........  (seguir leyendo la critica original)



martes, 20 de enero de 2015

Un extraño en mi vida (1960)


Un extraño en mi vida fue la decimoquinta de 1960 con 10 votos.  Este melodrama sobre el adulterio, dirigido por Richard Quine y protagonizado por Kirk Douglas y Kim Novak, narra las andanzas de 2 matrimonios que no pasan por su mejor momento.

Os enlazo el debate de Que grande es el cine que podéis encontrar en IVOOX





Y por supuesto una reseña que en esta ocasión va de la mano de  @CulpaDelScript


Viendo ‘Un extraño en mi vida’ me sorprendió, para bien, que un guión de 1960 no culpara a la esposa histérica de la infidelidad del marido, entre otras porque en esta película la esposa es una autentica delicia.

Suele ser recurrente en películas con temática similar, que la cornamenta esté justificada con las acciones del enamorado, hasta el punto que el propio espectador quiere que abandone a su pareja para comenzar una nueva vida comiendo perdices con el/la amante. Siendo normalmente una mujer, dibujan al personaje como alguien histérico con quien es imposible mantener una vida equilibrada en común. El desliz es una forma de escapar a ese infierno doméstico al que se está sometido. Vaya cara más dura, si no te encuentras bien con tu compañero sentimental, hasta otra y encantada de habernos conocido.



Kirk Douglas tiene motivos muy diferentes para dejarse arrastrar por los encantos de la rubia de cejas negras. Un hombre atractivo, arquitecto reconocido, padre de familia y atribulado en la rutina. He ahí la cuestión. Con la llegada del encargo de una nueva construcción, el artista necesita una motivación que le sirva de inspiración. No se puede crear rodeado de la mediocridad habitual que rodea la verdadera vida del dibujante. No es casual que la primera cita que mantiene con Kim Novak sea, precisamente, por los terrenos que serán la base... (sigue leyendo) 













domingo, 18 de enero de 2015

El fuego y la palabra (1960)


El Fuego y la Palabra de Richard Brooks quedó en el puesto 13 del año 1960 con 12 votos. No conozco casi nada de esta película y reconozco que me llama la atención, por ello Javier Leiva, se animado a escribirnos esta critica para el blog.

Os dejo la critica de @JaviL32 gracias amigo....

La hipocresía de la fé




Lo primero que sorprende a la hora de ver 'El fuego y la palabra' es una nota con una advertencia de productores en la cual dicen que los niños no deberían ver esta película. En apariencia, una película sobre la religión no debería ser algo que causase tanto alboroto y en concreto tratándose de un borracho con mucha labia, que se vuelve predicador para seducir a una 'ministra del señor'. Pero es un ser lujurioso y su pasado escabroso se vuelve contra él. Tal vez no sería recomendable para los niños de aquella época pero los de ahora, como dice la expresión 'están curados de espanto'. No es de extrañar que el libro, publicado en 1927 por Sinclair Lewis, fuera prohibido en algunos lugares de Estados Unidos por cuestionar la 'verdadera' fé. Richard Brooks tuvo un período imponente donde rodó estupendas películas como Semilla de maldad, A sangre fría, Los hermanos Karamazov, La gata sobre el tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud y Lord Jim.  En esos títulos se denota su afición por la adaptación de obras literarias. 'El fuego y la palabra' fue la primera producción independiente de Brooks y decidió adaptar solo una parte de la novela de Lewis, pasando dos años escribiendo el guión, con el cual ganó un Oscar. No fue una adaptación fácil y más aún en una época en la cual la censura del Código Hays estaba presente aunque fueran sus últimos días.

Tampoco hay que ser plenamente conscientes de como es el protestantismo americano. En más de una ocasión habremos visto esas grandes campañas evangelísticas seguidas de conversiones masivas donde predicadores itinerantes remueven la base religiosa del cristianismo americano. Y muchos predicadores fomentaron sus estrategias para sermonear a esa parte de la población para conseguir lucrarse. Se podría decir que es una 'economía de la fé'.  Es posible también que a algunas le suene esa canción de ' Give me that old time religion', una canción gospel cantada en las iglesias protestantes. Ese renacimiento de la vieja religión, con especial incidencia en el Sur de Estados Unidos, es  lo que  la hermana Sharon predica como unas de las expresiones de lo que es el evangelismo pentecostal. Lo que 'El fuego y la palabra' explora es ese mercado religioso y competitivo, esas negociaciones entre las iglesias tradicionales como la bautista y metodista, un comercio de la fé.  Estos predicadores son como empresarios religiosos.




La principal figura de la película es Elmer Gantry (Burt Lancaster), casi un vagabundo carismático pero tambien lujurioso. Un día se topa en una de esas grandes carpas donde los predicadores sermonean sus discursos a favor de la fe y cae magnetizado por la presencia de la hermana Sharon Falconer (Jean Simmons). Elmer se las arregla para con el tiempo convertirse en su compañero, aún  a pesar de los obstáculos que les crea un periodista no creyente (Arthur Kennedy). Cuando Gantry se encuentra en una situación comprometedora con una antigua amante, Lulu Bains (una seductora Shirley Jones), todo el mundo de Elmer se desmorona y el fuego apocalíptico se desata en su vida.

El corazón y alma de 'El fuego y la palabra' es incuestionablemente Burt Lancaster en una asombrosa y entusiasta intepretación, muy adecuado para el propio carácter actoral de Burt. De hecho ganó el Oscar al mejor actor. No solo se basa en la locuacidad de su personaje, esa labia que gana más y más adeptos soltando mentiras y diciendo lo que esos oídos ignorantes quieren oir. También Burt basa su actuación en su físico, gestos, en hacer brotar sus palabras a traves de su cuerpo y todo eso unido a su encanto y especial carisma. La sonrisa de Lancaster es convincente, cree en su papel al igual que Elmer Gantry. Durante su carrera, Burt Lancaster siempre arriesgó y buscaba en cada película hacer personajes siempre distintos. Por contra, la hermana Sharon Falconer es una figura totalmente diferente a Gantry. Ella es una verdadera creyente pero también reconoce el valor práctico que tiene lo que hace desde una perspectiva empresarial. Sabe que Gantry no es sincero, que en realidad no está ayudando a nadie pero la fama y la fortuna son demasiado seductores. Gantry y Falconer tiene distintos objetivos morales para hacer lo que hacen, uno por seducción, otra por creer en lo que hace.  La hipocresía de sus sermones es evidente y Richard Brooks explota ese aspecto mostrándolos como profundamente humanos y ocultando en Gantry a través de esa carismática sonrisa esa hipocresía y en Falconer ese convencimiento pleno en que está haciendo la obra del Señor.




Religión, fé, sermones, predicadores, creencias ... está claro que la religión en el cine siempre es un tema delicado. Ese mismo año, Stanley Kramer abordó otra película de temática religiosa como 'La herencia del viento' donde religión y evolución se veían enfrentadas. Las conclusiones que se pueden sacar son varias de este tipo de películas ¿Se usa la religión para aborregar a la gente? ¿Se lucra la religión con la propia religión? ¿La religión no debe ser una manera de encarar la vida? Películas como 'El fuego y la palabra' demuestran que se puede comerciar con la fé de las personas sin escrúpulo alguno.



martes, 6 de enero de 2015

El manantial de la doncella (1960)


En noveno lugar con 22 votos nos encontramos "El manantial de la doncella", rodada con una casi total ausencia de música esta realización es casi en exclusiva una película de imágenes del realizador Sueco Ingmar Bergman, ambientada en la edad media en donde aparecen los temas mas recurrentes en la filmografia del director,  la muerte, la venganza, el sentimiento de culpa. Quizás no es una de sus películas mas famosa pero es un muestra mas de su gran obra, galardonada con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1960.

Gifs por @AuroraNocte  :






Os dejo la critica de @Cinema_Esencial 

El manantial de la doncella se abre con la imagen de Ingeri (Gunnel Lindblom) avivando el fuego para preparar el desayuno en la granja de Töre (Max von Sydow). Con la hoguera encendida, y tras la irrupción de los primeros rayos de sol en la estancia, la joven invoca a Odín, el dios pagano, mientras que en la alcoba de Töre, la esposa Marëta (Birgitta Valberg) reza ante la imagen del Cristo en la cruz y hace penitencia vertiendo sobre sus muñecas la cera caliente de un cirio.

La confrontación entre paganismo y cristianismo será una constante en la adaptación de esta hermosa y dura leyenda del siglo XIV, en la que Bergman encuentra un marco idóneo para tratar algunos de los temas presentes en la mayor parte de su filmografía: la religión, la muerte, el amor, la culpa y la venganza. En esta confrontación, sin embargo, ninguna de las dos manifestaciones religiosas es mostrada como una doctrina liberadora,....  (continuar leyendo)

sábado, 3 de enero de 2015

Al final de la escapada (1960)


Al final de la escapada quedo octava con 34 votos. La pelicula de Jean-Luc Godard es una de las primeras obras de la denominada "Nouvelle Vague" ganadora del Oso de Oro en el festival de Berlin de 1960. En ella Jean-Paul Belmondo interpreta a un delincuente que tras robar un coche en Marsella atropella a Agente al que mata, mientras se dirige a Paris a ver a una amiga Estadounidense (Jean Seberg) allí mantienen una relación mientras van de un lado a otro en busca de un dinero prometido.





Reseña de @Jorge_Luengo para La Cabecita

Rompiendo las reglas

Jean -Luc Godard dijo una vez: “Todo lo que necesitas para hacer una película es una pistola y una chica”. Rodada en el caluroso mes de agosto de 1959 en París y estrenada el 16 de marzo. Al final de la escapada  es una película que marca un antes y un después en la historia del cine. Todo Godard está ya en su primera película. Es algo inconfundible. Mezcla de lo mas artificial y caprichoso combinado con el más absoluto realismo. Partiendo de la idea de que toda película es un documental de sí misma, un documental de su rodaje. Viendo esta película, vemos la crónica de un verano en la ciudad de Paris. El primer montaje de la película duraba tres horas, la idea genial que tuvo Godard fue no cortar bloques, sino cortar en cada escena, en cada plano.
Godard hacía género pero en realidad es una película de autor, como pasaba al principio con las obras de Tarantino, los Coen etc… Algunos cineastas de hoy en día afirman que en esta película se inaugura el cine moderno, ya que el personaje..... (continuar leyendo)




Reseña de @AuroraNocte 

Godard tenía -y tiene- un gran sentido de la belleza. La transmitía tanto visual como dialécticamente en cada una de sus películas, llegando fácilmente a hipnotizar al espectador y haciéndole viajar unas cuantas décadas en el tiempo, en este caso hasta la Francia de los años 60.

El guión de Al final de la espada está escrito a dos manos con Truffaut, el otro gran nombre de la Nouvelle Vague, que había debutado un año antes con la impecable Los cuatrocientos golpes. Esta película es pionera dentro de este movimiento cinematográfico...... (continuar leyendo) 



lunes, 29 de diciembre de 2014

La dolce Vita (1960)



La Dolce Vita quedo en septimo lugar con 36 votos. La pelicula italiana dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Marcelo Mastroianni y Anita Ekberg narra las visicitudes de un periodista en busca de celebridades que se mueve por la noche romana.y por las fiestas burguesas. La llegada de una famosa actriz le brinda la oportunidad de conseguir su reportaje estrella y la persigue todas las noches por la ciudad

Yo particularmente no he visto esta pelicula y ademas mi insatisfaccion con Amacord y la larga duracion me da una pereza tremenda...  no obstante se que es muy estimada por mucha gente.

Os dejo la critica de @alfonsogc82 para @lavozenoffnet

Una enorme estatua de Cristo sobrevuela Roma transportada por un helicóptero. Se mueve desde los barrios pobres periféricos hasta el mismo centro, hacia el Vaticano, pasando por la zona rica y exclusiva de la jet set de la época. En ese momento, observados por tan simbólica presencia, da comienzo una de las películas más famosas y polémicas de la historia del cine. Toda una crítica a la aristocracia de aquellos años, a sus delirios y excesos, así como a un incipiente periodismo sensacionalista que comenzaba a alimentarse de las miserias ajenas.

Marcello es un periodista que se dedica a cubrir diferentes sucesos sociales que tienen lugar en la ciudad...... (sigue leyendo)  

Un  gift extraido de:  365 days. 365 films. GIF


La critica de Carlos Rosal para @miradasdecine

Apuntaba José Enrique Monterde desde las páginas de Dirigido por... (1) que si bien un grupo de cinéfilos puede hablar de lo godardiano o pasolliniano, el término felliniano es de carácter universal, más allá incluso de haber visto algún film del cineasta de Rímini. No es cuestión de trazar en estas líneas sobre que contiene y que no contiene el cajón de sastre de lo felliniano pero si hacer notar que el cine de Federico Fellini representa por encima de todo uno de esos paradigmas de cine personal. Una de las consecuencias de ese paradigma es que el cine de Fellini, más allá de reconocer los evidentes y demostrables méritos..... (sigue leyendo)







martes, 9 de diciembre de 2014

Rocco y sus hermanos (1960)


El cuarto puesto (60 Votos) del año 1960 fue para una película Italiana dirigida por el director aristocrata Luchino Visconti autor de obras como El gatopardo, La caída de los dioses o Muerte en venecia.
En esta película nos trasladamos a Milan donde una madre con sus cuatro hijos llegan huyendo de la pobreza, para reunirse con el hijo mayor, el conflicto entre dos hermanos surgirá cuando ambos se enamoran de una prostituta. Película de un alto contenido social y psicológico que se desarrolla en casi tres horas que no se hacen nada largas, rodada en un magnifico blanco y negro y realizada en capítulos encabezados por cada uno de los hermanos donde las tramas de unos y otros se van cruzando.Una de las primeras películas del galán Alain Delon, con una actuación sobresaliente.

Esta película la vi hace tiempo y tengo un grato recuerdo de ella, de hecho ha sido una de mis pocas incursiones en el cine italiano de esa época y la recomiendo fervientemente, una de esas historias llena de pasión y de drama que le sujeta con fuerza a uno en el sillón de su casa...


Os dejo la critica de Naiara Gonzalez  @naiara_glez

'Rocco y sus hermanos' es uno de los últimos trabajos que realizó Luchino Visconti dentro de lo que está considerado como neorrealismo italiano. Rocco, junto a su madre y hermanos (Simone, Ciro y Luca) se trasladan desde un pequeño pueblo sureño hasta Milán, donde les espera Vincenzo, el mayor de los cinco hermanos. Tras la muerte de su padre, la madre espera que en la ciudad la calidad de vida de sus hijos sea mejor.

La emigración del pueblo a la ciudad y el conflicto de valores que nace de ese cambio son algunos de los temas recurrentes del neorrealismo italiano. En la película, vemos reflejado el efecto que tiene en cada hermano el traslado a la ciudad. El conflicto de valores es.... (continuar leyendo la critica).