Los violentos de Kelly (1970)

Los Violentos de Kelly, puesto 9 de 1970 con 40 votos, la pelicula belica llevada al tono socarron y picaro con cierto tono burlesco donde un grupo de soldados quiere dar un golpe y robar un botin de oro al enemigo, lo malo que ese botin se encuentra detras de las lineas enemigas...
No me gustó demasiado esta pelicula, muchas veces perdí el interes y las ganas de continuar debido a su largo metraje (no me gustan las peliculas de mas dos horas, deformacion personal)

Recordar a los más jóvenes que la censura española incluyó al final de LOS VIOLENTOS DE KELLY una voz en off para capturar a Eastwood y cia.
— Fausto Fernández (@faustianovich) agosto 16, 2014

Os dejo la critica de @AlbertoAbuin para Blog de cine

No leer si no se ha visto la película.
Según Eastwood, ‘Los violentos de Kelly’ podría haber sido una de las mejores películas bélicas de la historia. El guión inicial tenía un marcado carácter antibélico, y reflexionaba sobre la autodestrucción del ser humano, con una gran carga irónica. Pero los estudios querían un film bélico lleno de secuencias de acción. A pesar de que Eastwood intentó hacer ver a los productores que con ese punto de vista el film ganaría muchísimo, en la sala de montaje pasaron olímpicamente de él, algo que hizo nunca volviese a tratar con un productor (supongo que habría que añadir inteligente).
‘Los violentos de Kelly’ se sitúa durante la Segunda Guerra Mundial, tras el desembarco de Normandía. Un pelotón americano captura a un oficial alemán, por el que Kelly se entera de que el enemigo tiene un gran cargamento de oro escondido en un banco de Claremont, localidad tras las líneas enemigas. Kelly pronto tramará un plan para hacerse con el oro, pasarse la Guerra por el forro y ser ricos el resto de sus vidas. No pocos se le unirán.

‘Los violentos de Kelly’ tiene muchos puntos de contacto con ‘El desafío de las águilas’. Segunda Guerra Mundial, una misión suicida (en la primera dentro de la Guerra, y en la segunda fuera de ella), y un reparto con unas cuantos rostros conocidos, todo de cara a conseguir un gustoso rendimiento en taquilla. Sin embargo, hay una gran diferencia entre ambas películas que la distancia considerablemente. ‘El desafío de las águilas’ era una película loca en su planteamiento, pero su tono era totalmente serio, mientras que en ‘Los violentos de Kelly’ el humor baña la mayor parte del metraje, llegando por momentos a resultar un film paródico.
El humor está introducido a lo largo del film en situaciones tan dispares como aquella en la que el encargado de los bombardeos se disculpa histéricamente ante Kelly por sus errores. Temeroso de que aquél vaya a hacerle algo, el nivel de desesperación que alcanza el personaje, harto de la Guerra, es delirante, casi al borde de la locura, y uno de los pocos elementos críticos que quedaron del borrador original. Ya dentro de la misión, que en realidad no es tal, pues son ellos mismos los que deciden ir por su cuenta a buscar el oro, aprovechando un permiso de tres días, se introduce en la historia uno de los elementos más recordados del film: tres tanques Sherman, capitaneados por un atractivo personaje, que es un hippy. Algo totalmente anacrónico, y que sin embargo funciona de maravilla por lo excéntrico del mismo.


Tampoco podemos soslayar a ese oficial americano, harto de la cobardía o desdén de sus hombres, y que por accidente es testigo por radio de las andanzas de Kelly y los que le siguen, pensando que se encuentra ante soldados únicos y valerosos...  (seguir leyendo la critica original)

Pequeño gran hombre (1970)

Puesto 10 con 39 votos en 1970, la película de Arthur Penn narra en clave de humor-satira y mediante flash-back las aventuras y desventuras de un anciano de 121 años que sobrevivió después de ser capturado por los Cheyennes, y tras escapar de la tribu, a la vida en el salvaje Oeste y sus desventuras.

No fue de mi gusto cuando la vi, quizas esperaba una epica mas seria y no llegue a entrar en el juego ese que te propone el director, de hecho la larga duracion hizo que por momentos me aburriera, aun asi goza de un gran prestigio en el ambito cinefilo.

Os dejo la reseña de @CINEBL0G

Famoso por la violencia que desprendían films como “La jauría humana” (1966) o “Bonnie & Clyde” (1967), el director Arthur Penn (que también había dirigido el apreciable western “El zurdo”, 1958, o la estupenda “El milagro de Ana Sullivan”, 1962) supo imprimir a esta epopeya irónica y desmitificadora ese gusto por revisionar los género clásicos que caracterizaba a la constestataria generación de finales de los años 60. Un revisionismo satírico que convierte este estravagante ‘western anti-sistema’ (basado en una novela de Thomas Berger) en un ejemplo perfecto de como se utilizaron los diversos géneros para mostrar el descontento hacia la guerra de Vietnam o las políticas sociales.

El film nos cuenta la historia de Jack Crabbe (un sensacional Dustin Hoffman), el cual relata sus experiencias.... (sigue leyendo la critica original)

Critica de Xavier Vilareyo:

La película de 1970 del realizador Arthur Penn, basada en la novela de Thomas Berger, supuso todo un giro conceptual en la manera de filmar las llamadas “películas del Oeste” o de “indios y vaqueros”. Pequeño gran hombre destruyó muchos mitos del género enterrando para siempre la visión idealizada de John Ford sobre la bondad de los “blancos” con su Séptimo de Caballería y la maldad de los “indios”, dándole por completo la vuelta a este calcetín ideológico que nos transmitiera Hollywood hasta la fecha. Penn ridiculiza figuras tan míticas como la del pistolero heroico (interpretado aquí por un ridículo Dustin Hoffman) y las del ejército de Caballería de los Estados Unidos que son presentados como unos asesinos despiadados en contraposición con la beatífica, sabia y pacífica vida de los pobrecillos indígenas nativos. La propia figura patriótica del general Custer es presentada como la de un verdadero majareta.

   La simpatía de Penn hacia los indios es evidente: ellos son los sabios, los prudentes, los cuerdos, los compasivos, los verdaderamente humanos. Así, la esposa india del protagonista, compasiva con sus hermanadas viudas, quiere que su marido yazca igualmente con ellas para apaciguar sus deseos, ejemplo de una cultura india menos hipócrita que la cultura cristiana.
   El protagonista es un hombre blanco que capturado de niño por los cheyennes se cría con ellos como uno más luego de librarse de la matanza de toda su familia en un ataque cheyenne a su caravana. Lo llaman Pequeño Gran Hombre porque a pesar de ser de poca estatura es muy valiente a pesar de lo cual cae prisionero del Ejército americano volviendo a (mal)integrarse en la sociedad blanca .... (sigue leyendo la critica original)




Antonio Pedro Pérez Delgado Esta película la vi en el cine cuando se estrenó (ventajas o desventajas de tener la edad que tengo), después la he visionado varias veces, ya en pantalla pequeña. la verdad es que no es lo mismo. A mi me gusto muchísimo, en todos los sentidos, el guión adaptado, supuso una ruptura sobre la concepción que teníamos por aquel entonces sobre los westerns, la fotografía, magnifica con un colorido espectacular, una dirección dinámica de Arthur Penn, no digo que sea su mejor película, pero si la más me ha gustado. Los interpretes están soberbios, Dustin está que se sale, sobre él recae todo el peso de la película y creo que lo solventa de manera magnífica. he dejado para lo último la música, sobre todo la que concierne a las escenas de pradera, esa armónica metiendo "caña" la verdad es que me pone a cien. Le doy 9 claquetas

Carlos Vitoria Epico y Dustin Hoffman en la misma frase? Creo que pecaste de ingénuo Chema.Este tipo de actores no hacen películas que calificarías como épicas.

Pablo Vázquez Pérez Qué bueno haberla visto en cine Antonio, y qué disección breve y valiosa sobre la peli. Al hilo de los que comentabaChema, es lógico que no le guste porque lo que cuenta Pequño gran hombre es una revisión de esa épica del western y como han dicho antes, es casi en su totalidad una comedia, esperpéntica. Pero gracias a esta y a Peckinpah, el western es más realista y más mítico si cabe. Por otra parte, yo la vi con 13 y luego unos veintitantos años, en pases de RTVE, y me asombra no ver mencionado nunca el paralelismo de una novela y peli posterior MUY FAMOSA en la manera de tratar la historia de este superviviente que pasa por casi un siglo de historia de los EEUU. No os echéis encima pero pensad que Forrest Gump, por avatares, cómo sale de las situaciones y el poso tierno y de humor mezclados, es una peli y libro que le deben mucho a Pequeño gran hombre. Sí, repito, Forrest Gump.

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Los aristogatos (1970)

Los aristogatos el clasico nº 20 de Disney quedo en el puesto 13 con un total de 31 votos. La pelicula cuenta la historia de una anciana millonaria que en el Paris de principio del siglo XX vive rodeada de sus gatos, sin saber que su mayordomo quiere acabar con ellos...
Yo no la he visto, la verdad que con el masivo estreno de peliculas de animacion no estaria mal echar un poco la vista atras...

Os dejo la critica de @blogdecine

El 15 de diciembre de 1966 se terminaría convirtiendo en una fecha que marcaría el futuro inmediato de los estudios. Ese aciago día, Walt Disney, el visionario creador de la compañía e impulsor de los largometrajes que nos habían llegado desde 1938, fallecía víctima de un cáncer de pulmón. Se abría a partir de su desaparición un período de casi veinte años en los que la ausencia del timón creativo del artista se dejaría notar hasta cotas dolorosas, descendiendo la calidad del “producto Disney” hasta límites que el “tío Walt” no habría permitido de haber seguido con vida.
Ya hemos visto en las últimas semanas muestras tempranas de lo que la falta de supervisión del máximo responsable de la compañía había supuesto de cara a las producciones que siguieron a ese último gran ejemplo de animación que fue ‘La bella durmiente’ (‘Sleeping Beauty’, Clyde Geronimi, 1959), una situación que había remitido en parte con la estrecha implicación que Walt Disney consideró oportuna tener para con la producción de ‘El libro de la selva’ (‘The Jungle Book’, Wolfgang Reitherman, 1967) pero que a partir de aquí conocerá un repunte irrefrenable.

Tanta llegaría a ser la desorientación de la compañía con la desaparición de su creador que, a la hora de comenzar la producción del que sería el primer filme sin su presencia, los responsables del estudio decidieron no arriesgar y apostaron por rescatar un proyecto que ya había contado, a principios de los sesenta, con el beneplácito de Walt Disney: pensado inicialmente como una película para televisión que se emitiría en dos partes —y que habría contado con Boris Karloff en el papel de Edgar— ‘Los aristogatos’ (‘The Aristocats’, Wolfgang Reitherman, 1970) terminó yendo a parar al cajón a la espera de que se finalizará la adaptación de libro de Kipling.
Toda vez ésta se estrenó y saldó con el éxito que comentábamos la semana pasada, la maquinaria de los estudios se puso en marcha, y hasta 250 artistas..... (seguir leyendo la critica original) 

Gracias Carlos Vitoria por recomendarnos este video:

Un hombre llamado Caballo (1970)

Puesto 15 de 1970 con 27 votos, la pelicula con un estilo de pseudo-documental de Elliot Silverstein esta basada en el relato de Dorothy M. Johnson sobre el rapto de un aristocrata Ingles por una tribu de indios crows al que tratan como un esclavo, poco a poco ira integrandose en la vida de la tribu hasta convertirse en uno mas de ellos. Me llama la atencion la pelicula, yo de pequeño siempre iba con los indios.....

Os dejo la critica de @CINEBL0G

A finales de los 60, el moribundo western había tomado ciertos caminos que pasaban por la reinterpretación según la ‘cultura hippie’, el realismo (contrapuesto al cine de oeste clásico y su idealismo colonialista) y el gusto por el punto de vista de los indios. “Un hombre llamado Caballo” fue uno de los más recordados éxitos de taquilla (dio lugar a dos secuelas en 1976 y 1983) del western de la época; un film atípico y violento (en la memoria de toda una generación se grabaron los escalofriantes ritos de iniciación de los sioux) con el que Elliot Silverstein (que ya había experimentado con este género en la comedia “La ingenua explosiva”, 1965) logró explorar antropológicamente el mundo de esos ‘indios salvajes’ y contraponerlo con las ‘civilizadas culturas’ de los hombres blancos....  (sigue leyendo la critica aqui) 

Os dejo la critica de la revista cultural @ElCatoblepas :


Este filme (A Man Called Horse) dirigido por Elliot Silverstein a partir de un relato de Dorothy M. Johnson, autora que también escribió las historias The Hanging Tree (El arbol del ahorcado) y The Man Who Shot Liberty Valance (El hombre que mató a Liberty Valance), podría parecer un producto cinematográfico inicialmente condenado a ser parte de la segundona Serie B. Sin embargo marcó un hito importante en una época en la que en Estados Unidos el western parecía haber iniciado su «canto del cisne». Todo ello poco después de que los modos y mensajes del spaghetti-western a la europea (bajo la influencia narrativa y estética del cine japonés de Kurosawa), y cuyo máximo representante fue Sergio Leone, iniciaran una renovación del género a este lado del Atlántico y cuyo principal icono viviente es hoy en día Clint Eastwood, el último clásico y el último auténtico renovador del western, después de recoger la herencia de Leone y de Don Siegel. Aunque también hay que destacar a Kevin Costner (Dances with Wolves, Bailando con lobos, 1990. Open Range, 2003) y con no menos notoriedad a Tommy Lee Jones y su excelente The Three Burials of Melquiades Estrada (Los tres entierros de Melquíades Estrada, 2005).

Por otra parte si algo hemos aprendido estudiando la historia de los EE. UU., y la evolución del western, es que el cine (el de Hollywood y el independiente) es una parte formal del complejo entramado ideológico y moral de esta sociedad norteamericana. El western ocupa aquí un papel singular pues es el género americano por excelencia. Él es el cauce y el vehículo de nuevas formas de renovación moral, la filosofía mundana convertida en arte popular y de consumo y el portador de héroes y antihéroes, arquetipos que encarnan.... (sigue leyendo la critica aqui)

El apartamento (1960)

Por Guillermo Navarro: @gnavarro74, autor del blog: Film dreams

Con esta película Billy Wilder llegó a la cumbre de su carrera. Siempre alejado de los grandes proyectos de Hollywood al servicio de una gran productora,el director austriaco dirigió pocas películas, a las que dedicó todo sus esfuerzo. Esta es su segunda película como productor, después de iniciar esa nueva etapa con " Con faldas y a lo loco ". Entre 1959 y 1961 Wilder produjo, dirigió y escribió el guión de 3 magníficas películas: " Con faldas y a lo loco ", " El apartamento " y " Uno, dos, tres " . Para esta etapa iniciada en 1959 contó con un mismo guionista, I.A.L Diamond. Sus guiones junto al escritor rumano tuvieron como resultado unas películas más divertidas, y menos amargas. La única película que tiene una gran amargura es " El apartamento ", con unos personajes que pasan de la alegría a la tristeza en un momento, y que reflejan una gran soledad en el ser humano.

Pero conservan algo de esperanza, cosa que no ocurre en algunas películas de su anterior etapa, como " El crepúsculo de los dioses " o " El gran carnaval ". Ser productor tiene muchas ventajas, pero también muchos riesgos ( como cualquier empresario que pone un negocio ). Además de que Billy Wilder era productor de estas películas, pero seguía dependiendo del estudio a la hora de muchos detalles, sobre todo el presupuesto del proyecto. En 1970 el director austriaco quería hacer por primera vez un proyecto muy costoso, y así ser la primera película que contara de forma exacta y minuciosa la vida de Sherlock Holmes. Sus proyectos anteriores habían tenido pérdidas y United Artists se negó a hacer una película tan cara. Nunca sabremos el resultado de esa obra completa que había rodada Wilder, y que fue destruida durante el montaje. Desde ese momento el director perdió la ilusión por hacer películas y escribir guiones, aunque todavía rodaría 3 películas más, entre ellas " Avanti ", una notable película. Pese a ofrecerle muchos proyectos, incluso actuar en alguna película ( Cameron Crowe lo cuenta en el libro " entrevistas con Billy Wilder ", que le ofreció un papel en " Jerry Maguire " y este no aceptó ). Tenía una vida tranquila en su mansión de Sunset Boulevard, en donde murió a los 95 años.
Centrándonos en " El apartamento ", es una película atemporal, que nunca envejece y que gusta a todo tipo de público, incluso a las nuevas generaciones, que aborrecen el cine en blanco y negro. Junto a John Ford , son los únicos directores que consiguieron el éxito de crítica, público y miembros de la academia. Con esta película el director austriaco obtuvo tres oscars ( productor, director y guionista ). Es complicado saber el género de la película, ya que mezcla comedia, drama y romanticismo. A nivel personal la considero un drama, aunque entiendo que se la encasille dentro de otros géneros diferentes. A partir de una historia sencilla consigue una auténtica obra maestra, en donde se ponen de manifiesto dos cuestiones muy de actualidad: " la infidelidad " y " cesión ante las presiones de alguien superior, para mantener el puesto de trabajo ".

Nunca Jack Lemmon y Shirley MacLaine estuvieron tan bien. Ambos hacen la mejor interpretación de su carrera, y hubieran merecido el oscar de Hollywood. Consiguen representar unos personajes que cambian de estado de ánimo de forma natural, pasando de la alegría a la tristeza. En su primera aparición en pantalla la actriz está alegre, y su rostro lo refleja, solamente Audrey Hepburn podía hacer una primera aparición en pantalla tan espectacular. Bette Davis y Katherine Hepburn son mejores actrices, pero no recuerdo ninguna película en donde su aparición sea tan espectacular. Otros casos son el de Ingrid Bergman en " Casablanca " y Barbara Stanwyck en " Perdición ". Shirley MacLaine siempre será recordada como Fran Kubelik, la ascensorista de la compañía de seguros, y Jack Lemmon como el servicial y tonto C. C.Baxter. Es difícil decir cual es el mejor guión de la historia, porque hay muchos y muy buenos, pero estoy seguro que el de esta película está entre los 10 mejores. Los diálogos son ágiles e ingeniosos,y se pueden extraer grandes frases difíciles de olvidar. Pero también tiene una serie de gags visuales, en este caso no son cómicos como en la slapstick comedy o la screwball comedy. Son una serie de detalles dramáticos, con una simple imagen nos cuenta un aspecto fundamental del guión. Entre estas escenas, se pueden destacar " el espejo roto " y " la botella de champán ". Los decorados de Alexander Traumer son espectaculares, en el 90 % de la película se encuentran en la compañía de seguros y el apartamento de C. C. Baxter. En ambos casos retrata pefectamente esos dos escenarios, y para ello la fotografía emplea una gran profundidad de campo, que nos permite observar lo que están haciendo las personas que se encuentran en habitaciones diferentes. La primera escena de presentación del piso 19, en la empresa donde trabaja el protagonista, ha sido muchas veces copiada en el cine posterior. Billy Wilder se basó en la película " Y el mundo marcha...", en donde King Vidor ya reflejaba esas grandes compañías, y al imagen de mucha gente trabajando.

Hay grandes personajes secundarios, pero yo destacaría su a los personajes femeninos, todas tienen su encanto, pese a intervenir en pequeños papeles. Desde la secretaria Olssen, hasta las chicas de compañía de Dobisch y Eichelberger ( Sylvia trabaja como telefonista y tiene dos grandes momentos, en la fiesta de Navidad de la empresa y en el apartamento del protagonista ), la mujer del doctor Dreyfuss y Margie ( conoce a C C Baxter en un bar en el día de navidad. Tiene a su marido en la cárcel de La Habana ). El otro actor conocido es Fred Mac Murray, que ya trabajó con el director en " Perdición". En 1960 ya estaba en el declive de su carrera, lo que se nota en esta película en donde hace una actuación que no está a la altura del resto del reparto. La película nos plantea " el amor y la elección equivocada ", ya que por mucho que nos demos cuenta, es complicado no seguir amando a alguien, aunque sepamos que esa persona quiere a otra. Se " tropieza dos veces en la misma piedra ". Eso se ve reflejado en las relaciones Kubelik-Shaldrake y CC Baxter-Kubelik. En la escena final hay una frase de Kubelik que nos deja un final abierto, sobre el que cada uno puede extraer sus conclusiones. En mi caso tengo claro cual es la continuación de la historia, pero entiendo que hay otras opciones diferentes. De una forma u otra,es un gran final.

Un extraño en mi vida (1960)

Un extraño en mi vida fue la decimoquinta de 1960 con 10 votos.  Este melodrama sobre el adulterio, dirigido por Richard Quine y protagonizado por Kirk Douglas y Kim Novak, narra las andanzas de 2 matrimonios que no pasan por su mejor momento.

Os enlazo el debate de Que grande es el cine que podéis encontrar en IVOOX





Y por supuesto una reseña que en esta ocasión va de la mano de  @CulpaDelScript


Viendo ‘Un extraño en mi vida’ me sorprendió, para bien, que un guión de 1960 no culpara a la esposa histérica de la infidelidad del marido, entre otras porque en esta película la esposa es una autentica delicia.

Suele ser recurrente en películas con temática similar, que la cornamenta esté justificada con las acciones del enamorado, hasta el punto que el propio espectador quiere que abandone a su pareja para comenzar una nueva vida comiendo perdices con el/la amante. Siendo normalmente una mujer, dibujan al personaje como alguien histérico con quien es imposible mantener una vida equilibrada en común. El desliz es una forma de escapar a ese infierno doméstico al que se está sometido. Vaya cara más dura, si no te encuentras bien con tu compañero sentimental, hasta otra y encantada de habernos conocido.



Kirk Douglas tiene motivos muy diferentes para dejarse arrastrar por los encantos de la rubia de cejas negras. Un hombre atractivo, arquitecto reconocido, padre de familia y atribulado en la rutina. He ahí la cuestión. Con la llegada del encargo de una nueva construcción, el artista necesita una motivación que le sirva de inspiración. No se puede crear rodeado de la mediocridad habitual que rodea la verdadera vida del dibujante. No es casual que la primera cita que mantiene con Kim Novak sea, precisamente, por los terrenos que serán la base... (sigue leyendo) 

El fuego y la palabra (1960)

El Fuego y la Palabra de Richard Brooks quedó en el puesto 13 del año 1960 con 12 votos. No conozco casi nada de esta película y reconozco que me llama la atención, por ello Javier Leiva, se animado a escribirnos esta critica para el blog.

Os dejo la critica de @JaviL32 gracias amigo....

La hipocresía de la fé

Lo primero que sorprende a la hora de ver 'El fuego y la palabra' es una nota con una advertencia de productores en la cual dicen que los niños no deberían ver esta película. En apariencia, una película sobre la religión no debería ser algo que causase tanto alboroto y en concreto tratándose de un borracho con mucha labia, que se vuelve predicador para seducir a una 'ministra del señor'. Pero es un ser lujurioso y su pasado escabroso se vuelve contra él. Tal vez no sería recomendable para los niños de aquella época pero los de ahora, como dice la expresión 'están curados de espanto'. No es de extrañar que el libro, publicado en 1927 por Sinclair Lewis, fuera prohibido en algunos lugares de Estados Unidos por cuestionar la 'verdadera' fé. Richard Brooks tuvo un período imponente donde rodó estupendas películas como Semilla de maldad, A sangre fría, Los hermanos Karamazov, La gata sobre el tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud y Lord Jim.  En esos títulos se denota su afición por la adaptación de obras literarias. 'El fuego y la palabra' fue la primera producción independiente de Brooks y decidió adaptar solo una parte de la novela de Lewis, pasando dos años escribiendo el guión, con el cual ganó un Oscar. No fue una adaptación fácil y más aún en una época en la cual la censura del Código Hays estaba presente aunque fueran sus últimos días.

Tampoco hay que ser plenamente conscientes de como es el protestantismo americano. En más de una ocasión habremos visto esas grandes campañas evangelísticas seguidas de conversiones masivas donde predicadores itinerantes remueven la base religiosa del cristianismo americano. Y muchos predicadores fomentaron sus estrategias para sermonear a esa parte de la población para conseguir lucrarse. Se podría decir que es una 'economía de la fé'.  Es posible también que a algunas le suene esa canción de ' Give me that old time religion', una canción gospel cantada en las iglesias protestantes. Ese renacimiento de la vieja religión, con especial incidencia en el Sur de Estados Unidos, es  lo que  la hermana Sharon predica como unas de las expresiones de lo que es el evangelismo pentecostal. Lo que 'El fuego y la palabra' explora es ese mercado religioso y competitivo, esas negociaciones entre las iglesias tradicionales como la bautista y metodista, un comercio de la fé.  Estos predicadores son como empresarios religiosos.

La principal figura de la película es Elmer Gantry (Burt Lancaster), casi un vagabundo carismático pero tambien lujurioso. Un día se topa en una de esas grandes carpas donde los predicadores sermonean sus discursos a favor de la fe y cae magnetizado por la presencia de la hermana Sharon Falconer (Jean Simmons). Elmer se las arregla para con el tiempo convertirse en su compañero, aún  a pesar de los obstáculos que les crea un periodista no creyente (Arthur Kennedy). Cuando Gantry se encuentra en una situación comprometedora con una antigua amante, Lulu Bains (una seductora Shirley Jones), todo el mundo de Elmer se desmorona y el fuego apocalíptico se desata en su vida.

El corazón y alma de 'El fuego y la palabra' es incuestionablemente Burt Lancaster en una asombrosa y entusiasta intepretación, muy adecuado para el propio carácter actoral de Burt. De hecho ganó el Oscar al mejor actor. No solo se basa en la locuacidad de su personaje, esa labia que gana más y más adeptos soltando mentiras y diciendo lo que esos oídos ignorantes quieren oir. También Burt basa su actuación en su físico, gestos, en hacer brotar sus palabras a traves de su cuerpo y todo eso unido a su encanto y especial carisma. La sonrisa de Lancaster es convincente, cree en su papel al igual que Elmer Gantry. Durante su carrera, Burt Lancaster siempre arriesgó y buscaba en cada película hacer personajes siempre distintos. Por contra, la hermana Sharon Falconer es una figura totalmente diferente a Gantry. Ella es una verdadera creyente pero también reconoce el valor práctico que tiene lo que hace desde una perspectiva empresarial. Sabe que Gantry no es sincero, que en realidad no está ayudando a nadie pero la fama y la fortuna son demasiado seductores. Gantry y Falconer tiene distintos objetivos morales para hacer lo que hacen, uno por seducción, otra por creer en lo que hace.  La hipocresía de sus sermones es evidente y Richard Brooks explota ese aspecto mostrándolos como profundamente humanos y ocultando en Gantry a través de esa carismática sonrisa esa hipocresía y en Falconer ese convencimiento pleno en que está haciendo la obra del Señor.

Religión, fé, sermones, predicadores, creencias ... está claro que la religión en el cine siempre es un tema delicado. Ese mismo año, Stanley Kramer abordó otra película de temática religiosa como 'La herencia del viento' donde religión y evolución se veían enfrentadas. Las conclusiones que se pueden sacar son varias de este tipo de películas ¿Se usa la religión para aborregar a la gente? ¿Se lucra la religión con la propia religión? ¿La religión no debe ser una manera de encarar la vida? Películas como 'El fuego y la palabra' demuestran que se puede comerciar con la fé de las personas sin escrúpulo alguno.

Exodo (1960)

Exodo, quedo undecima de 1960 con 20 votos, la gran epopeya del nacimiento de Israel, con Paul Newman como estrella en la pantalla de esta superproduccion dirigida por Otto Preminger...

Oportuna emisión de la épica adaptación que Otto Preminger hizo, en estado de gracia, de la novela de Leon Uris: ÉXODO (LaSexta3,17.35h)
— Fausto Fernández (@faustianovich) noviembre 21, 2012

Os dejo la critica de @AlbertoAbuin para Blog de cine

Éxodo’ (‘Exodus’, Otto Preminger, 1960) es la película que dio a Paul Newman la condición de gran estrella. Aunque ya era conocido por varios populares papeles, fue su interpretación del líder judío Ari Ben Canaan para esta superproducción la que le elevó hasta lo más alto en popularidad, gracias a que el film fue un estruendoso éxito en todo el mundo. Por el tema muchos llamaron oportunista a su director, el gran Otto Preminger, que produjo él mismo la película. El director de obras maestras como ‘Laura’ (id, 1944) había quedado impresionado con la novela de Leon Uris que se basó la creación del Estado de Israel, y la odisea del Exodus 1947, barco que transportó 4500 judíos desde Francia a Palestina, que estaban bajo el mando del imperio británico, estos interceptaron el barco y devolvieron parte de sus ocupantes a Francia y otros a Alemania a campos muy parecidos a los del exterminio. Eso fue la historia real, tanto el libro como la película convirtieron ese viaje.... (continuar leyendo)

El sargento negro (1960)

El sargento negro de John Ford quedó decima con 22 votos, pelicula judicial sobre un mando del ejercito americano de raza negra que es acusado de violar y asesinar a una joven blanca. Film de genero Western pero salpicado de diferentes generos como es melodrama, judicial, suspense y narrada con muchos flashback y protagonizada por actores que no resultaros ser muy conocidos ni estrellas.

No es quizas una de las obras mas conocidas de el maestro del Western pero tiene en ella elementos para poder disfrutar y admirar esta obra 

EL SARGENTO NEGRO (La1,22.30h), la integridad tallada en ébano en un John Ford whodunit, judicial, divertido y legendario...
— Fausto Fernández (@faustianovich) diciembre 6, 2012

Critica de @Sr_Kaplan para Clasicosis

Entre aniversarios y nuestros "especiales, primero a Alfred Hitchcock y ahora a Katharine Hepburn, parece que hemos dejado de lado a algunos de los grandes del cine clásico. Hoy toca reencontrarnos con John Ford, un seguro en el blog, antes siempre hablábamos de al menos una de sus películas al mes. 'El sargento negro' (Sergeant Rutledge, 1960) quizás pueda ser considerada como una de sus obras menores, pero si no has visto ningún film suyo y ves este y te dicen que es un film menor en su filmografía, seguro que tu imaginación no alcanza a pensar cómo serán sus mejores películas.

En Arizona, en el Fuerte Linton, el Sargento Rutledge (Woody Strode), el sargento negro,  va a enfrentarse a un consejo de guerra, ya que ha sido acusado de asesinar y violar a una joven blanca. Él siempre ha sido considerado como un soldado leal y valiente, pero ahora el ejército le cree culpable, él único que parece confiar en él es el Teniente Tom Cantrell (Jeffrey Hunter), quien se encargará de la defensa del acusado.

A base de flashbacks John Ford nos va contando todo lo sucedido con respecto al caso de asesinato. Me encanta como introduce en cada momento el flashback, inmovilizando a los actores y oscureciendo la escena hasta que saltamos en el tiempo. El film puede funcionar como drama..... (Continuar leyendo)

Critica de @Rafael_Narbona en su blog

Cuando en 1960 se estrena Sergeant Rutledge aún faltan cuatro años para que el Presidente Lyndon B. Johnson apruebe la Ley de Derechos Civiles (Civil Rights Act) que pone fin a la segregación racial en escuelas, empresas, cargos públicos y comicios electorales. John Ford (Maine, 1894-California, 1973) nunca escondió su ideología conservadora, pero su glorificación de la Caballería y del espíritu de los pioneros no le impidió filmar películas que ofrecían un relato nada épico de una América racista, intolerante y con grandes desigualdades sociales.

Sergeant Rutledge está ambientada en Arizona en 1881. Braxton Rutledge (Woody Strode) es sargento de primera del Noveno de Caballería, una unidad compuesta por soldados negros bajo el mando de oficiales blancos. Son los Buffalo Soldiers (Soldados Búfalo), de acuerdo con el nombre que les asignaron los indios tanto por el color de su piel como por los abrigos y sombreros de piel de búfalo que usaban en invierno para protegerse del frío. La mayoría procedía del IX y X Regimientos del Ejército de la Unión. Casi todos habían sido antiguos esclavos y habían luchado contra la Confederación, a veces después de fugarse de las inhumanas plantaciones del Sur. Su experiencia en la guerra civil les ayudó en sus escaramuzas con los pueblos indígenas, que advirtieron en seguida su valor y su tolerancia a las penalidades. Su eficacia en combate alumbró la leyenda...(Sigue leyendo) 

Psicosis (1960)

Segunda posición (228 Votos) para el maestro del terror y una de sus obras cumbres, Psicosis, que siempre estará asociada a la música de Bernard Herrmann y su archiconocida escena de la ducha. 

Alfred Hichcock estaba en el cenit de su carrera cuando descubrió la novela de Robert Bloch y vio una historia que podía cautivar a la pantalla, aunque las grandes productoras no confiaban en ella, así que asumió el riesgo y financio de su bolsillo la produccion de esta película.

Para mi una OBRA MAESTRA DEL TERROR de Todos los Tiempos. Película madre de todo un género y cuya influencia podemos ver hoy en día. Una puesta en escena y un guión que no han envejecido nada. 

Os dejo critica de Alberto Abuin @AlbertoAbuin para Blog de Cine

No es un mensaje lo que ha intrigado al público. No es una gran interpretación lo que ha conmovido al público. No es una novela de prestigio lo que ha cautivado al público. Lo que ha emocionado al público es el cine puro.
Esa es la frase de un Hitchcock muy convencido de lo que decía ante François Truffaut, en la famosa entrevista recogida en forma de libro —si no es el mejor libro escrito sobre cine, poco le falta— al referirse a su película más famosa, ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), la cual nació de los intereses del director británico por hacer un film pequeño, casi de serie B, alejado del enorme trabajo que supusieron sus films previos. El libro de Robert Bloch fue leído por Hitchcock cuando se encontraba de viaje por Londres, y una escena fue determinante para decidirse a hacer la adaptación.
Esa secuencia es, cómo no, la famosa secuencia del asesinato de Janet Leigh en la ducha, lo más impactante y recordable del, a mi parecer mediocre libro de Bloch, por suponer una situación totalmente inesperada que causa en el lector....  (continuar leyendo)

La critica de Alfonso Gutiérrez Caro @alfonsogc82 para La voz en Off

Marion Crane (Janet Leigh) entra en el baño, cierra la puerta tras de sí, deja el batín sobre el inodoro y se interna en la ducha. El agua cae con fuerza, purificando, relajándola. Mientras se enjabona vemos cómo la puerta se abre y entra una sombra. La sombra se acerca, corre la cortina cuchillo en mano y un grito desgarra nuestros corazones. Una, dos, tres, cuatro… hasta diecisiete puñaladas con unas escalofriantes notas de fondo que tiñen el lecho de la bañera de rojo. El cuerpo de Marion cae llevándose la cortina como mortaja mientras el agua ensangrentada fluye muriendo en el sumidero. No hay nada que hacer, ya no volverá a parpadear. Atónito, asistes a una de las escenas capitales de la historia del terror. Apenas tres minutos escalofriantes...... (continuar leyendo)

Critica en Clasicosis por @Sr_Kaplan

Tras terminar 'Con la muerte en los talones', Alfred Hitchcock se disponía a rodar un film que iba a ser protagonizado por Audrey Hepburn, incluso ya tenía guión. Pero tras leer dicho guión, la actriz declinó realizar el film ya que tenía que protagonizar una escena de violación que incomodaba a la actriz, aunque lo que realmente le contó al director es que estaba embarazada.

Tras ese contratiempo que disgustó muchísimo a Hitchcock, quien realmente deseaba realizar un film con la afamada actriz, el director no encontraba una historia de su agrado, hasta que dio con una novela de Robert Bloch que le parecía interesante. Así nació 'Psicosis' (Psycho, 1960), una de las grandes..... (continuar leyendo)

Espartaco (1960)

Votada en tercer lugar (123 Votos) la película de Stanley Kubrick es una visión del héroe Tracio llamado Espartaco. Es quizas segun comentan la pelicula mas impersonal del magnifico director britanico, entre otros motivos porque ni siquiera fué él quien empezo a rodarla sino que mas bien llego despues de que el productor y principal culpable de esta pelicula, Kirk Douglas no quedara satisfecho con el trabajo de Anthony Mann. Su larga duracion y las magnificas batallas representadas en la pelicula producen un verdadero placer en su visionado.

Yo no termine muy satisfecho con ella, le reconozco algunos tramos muy interesantes y otros que se hicieron un poco pesados, tuve la oportunidad de verla hace unos meses y confieso que el recuerdo ideal que tenia de ella despues de haberla visto en la niñez desaparecio, eso si quedaran para la historia la frase de "Yo soy Espartaco" o la conversacion de "Caracoles y ostras"

ESPARTACO, esa obra maestra de Kubrick que a La1 le sirve tanto para Semana Santa como para las Navidades... Pues no cuela... A las 22.30h.
— Fausto Fernández (@faustianovich) diciembre 26, 2013

Os dejo la critica de Alberto Abuin @AlbertoAbuin para blog de cine

Tras ‘Senderos de gloria’ (‘Paths of Glory’, 1957), cuyo estreno estuvo prohibido en muchos países durante años, Stanley Kubrick no tenía demasiadas oportunidades para dirigir otra película. Fue precisamente el protagonista principal de esta última, Kirk Douglas, quien pensó en el director neoyorquino para hacerse cargo de una monumental superproducción —citando al gran Goyo, para los de la LOGSE, un blockbuster— en la línea de las que solían hacer en aquella época dentro del cine histórico. Films como ‘Quo Vadis’ (id, Mervin LeRoy, 1951), ‘La caída del Imperio Romano’ (The Fall of the Roman Empire’, Anthony Mann, 1964), ‘Rey de reyes’ (‘King of Kings’, Nicholas Ray, 1961), ’55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, Nicholas Ray, 1963) o la multipremiada ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) están en la memoria de cualquier cinéfilo.
‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) es, junto al film de Wyler, la mejor de todo este grupo de películas. Un emocionante, entretenidísimo y extenso largometraje sobre la vida del esclavo tracio que fue uno de los líderes de la más importante rebelión contra la Antigua república romana. 190 minutos extraordinarios de puro cine  (continuar leyendo)

Los siete Magnificos (1960)

El quinto puesto (40 Votos) es para  Los siete magníficos una producción americana basada en Los siete sumarais de Akira Kurosawa en esta ocasión desarrollada en el Oeste Americano y dirigida por John Sturges director de La gran Evasión y que anteriormente a esta película había dirigido acertadamente otros Westerns como "El ultimo tren a Gun Hill" o "Duelo de Titanes" y con un reparto de lujo, donde se juntan estrellas como Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach o James Coburn.

Mi opinión es que no deja de ser una película entretenida a la que le falta un poco de intensidad para poder ser mejor valorada, esta película ha pasado a la historia como uno de los Western mas famosos de la historia a pesar de que su calidad diste mucho de tan merecido honor, pero todos hemos sido niños y muchos de nosotros ha tatareado su famosa música persiguiendo a un amigo, sin duda la banda sonora de Elmer Bernstein ha contribuido a ello, y puede ser lo mas destacado de esta película.

Aun asi fue elegida en quinta posición por vosotros en el año 1960 con lo cual algo tendra para superar a peliculas como La dolce Vita o Al final de la escapada.

Atentos a Steve McQueen tratando de robar cada plano de LOS SIETE MAGNÍFICOS (LaSexta3, 19.45h) en el que aparece, para cabreo de Brynner...
— Fausto Fernández (@faustianovich) noviembre 27, 2013

Os dejo la critica que @AlbertoAbuin hizo para Blog de Cine:

"Llegamos en el ciclo del western al film más famoso de John Sturges, tanto dentro de su filmografía —honor que sin duda comparte con ‘La gran evasión’ (‘The Great Escape’, 1963)— como dentro del género: ‘Los siete magníficos’ (‘The Magnificent Seven’, 1960). Clásico entre los clásicos, bombazo de taquilla, y uno de esas películas que han disfrutado generaciones enteras desde su estreno. Una de esas obras, que sin ser maestras, se disfrutan una y otra vez en cada nuevo visionado. Al menos esa es la sensación que me queda a mí siempre que la veo, y me atrevería a decir.... (continuar leyendo la critica)  "



Critica de @JosCarlosGmez7 en su blog.

Esta es una de las grandes películas del género western, que, sin embargo, se baso en la grandioso cinta de Kurosawa "Los Siete Samurais", siguiendo la misma premisa de que siete hombres son contratados para defender a un indefenso pueblo de las atrocidades y robos provocadas por un grupo numeroso de bandidos. Muchos consideran a esta obra como el precedente del western europeo, también llamado spaghetti western, y es que tiene muchos elementos que son idénticos a dicho tipo de películas.

Un pequeño pueblo mejicano cerca de la frontera con los Estados Unidos es asediado continuamente por una banda de malhechores, dirigidos por un tipo despreciable,  Calvera (Eli Wallach), que le quitan a los labradores....... (continuar leyendo)