Las 5 peliculas: Año 1929

Llega a su fin la década de los años 20 y llega con el tsuanmi que supuso aquel 24 de Octubre de 1929, hablamos de el "crack del 29", y como todos lo que giraba a su alrededor, incluido el cine, sufriria la crisis, pero estamos en un año donde las produciones planteadas antes de esa fecha se desarrollaban conforme lo esperado, estamos en el final de los locos años 20 y el cine sonoro es un recién llegado, estamos en el año definitivo para el fin de una época, el del cine silente.

En 1929 se pasaron por nuestra cuenta 131 personas y nos dejaron estos resultados

1.- Un perro andaluz     308 Votos

A pesar de que sean apenas 17 minutos es sin duda la obra que marca ese año en el cine, y sin duda la obra cumbre de aquella corriente que se denominaba el Surrealismo, que ejerció su influencia en distintos tipos de arte incluido como no el cine y tenemos el honor que nuestro Aragonés "Luis Buñuel" sea el artifice de esta obra, junto con el pintor Gerundense Salvador Dalí, quizás la obra mas representativa de esta corriente artística, aunque conviene saber que la producción es Francesa.

Es complicado hablar de Un perro andaluz, mas complicado de lo que pueda parecer, contar que son esos 17 minutos de cine, basta un visionado para entender que estamos ante algo nunca visto, un chorro de imágenes donde la imaginación y por momentos lo absurdo y lo imposible se dan cita, pelo que se pasa de un lado a otro, hormigas que salen de un agujero en la mano, cortes con la navaja de afeitar de ojos.... esas dos ultimas secuencias nacen, como años mas tarde contara el propio Buñuel, de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien. Para la realización del film el proceso creativo consistió básicamente en trabajar sobre las imágenes que les venían a la mente, sin detenerse a examinarlas o pensarlas, ya que lo único que como creadores rechazaban era que se les pudiera dar a estas imágenes una interpretación racional, psicológica o cultural.

La música que acompaña el cortometraje da un punto mas de énfasis a la obra, si bien fue incorporada por petición del mismo Buñuel años mas tardes, las obras que podemos escuchas son Tristan e Isolda de Wagner y un tango argentino.

Como curiosidad, el cartel de la película El silencio de los corderos (1991), de Jonathan Demme, y mas exacto la parte de la boca del rostro de Jodie Foster, se utilizó una imagen de Un perro andaluz, concretamente de la mariposa Acherontia atropos, cuyo tórax semeja a una calavera y que aparece en un momento del cortometraje.

Les invito a disfrutar de esta obra, ya que se puede acceder gratis y legalmente desde la Web que RTVE le dedica a la Filmoteca Nacional

http://rtve.es/v/1570997


2.- El hombre de la camara     247 votos

Y de nuevo otra particularidad, si en el numero 1 encontramos un cortometraje, en este caso en el numero 2 de 1929 nos encontramos un documental, dirigido por Dziga Vértov. Antes de hablar de la obra vamos a introducir a este director, estamos hablando de un realizador de la Rusia post revolución, que desde muy joven comenzó a trabajar en el campo de la cinematografía para su país, comenzando gracias al Comité de Cinematografía de Moscú en proyectos como el Kino- Nedelia (un noticiario semanal), o el Kino- Pravda (exhibiciones mensuales de periodismo cinematográfico del Diario- Pravda), allí junto a otros dos cineastas (entre los que se encuentra su futura esposa, Yelizaveta Svilova), formaron el denominado grupo Kinoki, donde desarrollarían su teoría del Cine-Ojo, principal legado de Vértov, cuyo objetivo era conseguir un cine totalmente objetivo, lo que supone un total rechazo del guión, escenografía o actores profesionales. Busca el cine en su estado más puro, alejado de la influencia del teatro o la literatura.

El Hombre con la Cámara, es comparada con "Berlín, sinfonía de una gran ciudad" (Ya mencionada en nuestro articulo de 1927 ), y no es mas que un retrato de la ciudad de San Petersburgo compuesto por imágenes fílmicas con escasa relación entre ellas sobre la vida cotidiana en dicha ciudad, con un vertiginoso montaje, tomas callejeras, en los lugares de trabajo, en los hogares de la ciudad......., nada escapa al ojo de la cámara, en este caso al hombre de la cámara, no podréis encontrar en ella un relato cronológico, ni una sinopsis, ni una historia con principio y fin, es el momento de mostrarnos la ciudad y su latido tal y como es durante uno de sus días. Una obra curiosa, un tipo distinto de cine que es aplaudido por muchos 87 años después.

3.- La reina Kelly      223 Votos

Y seguimos este año atípico con otra obra fuera de lo normal, de lo establecido como cine, ya que es una película que no fue terminada, en este caso volvemos a hablar de la figura del director Erich von Stroheim al que ya vimos en Avaricia, y hablamos de la obra maldita del director, una obra inacabada, no porque como en otros casos se ha perdido el original, sino inacabada porque fue una obra que tuvo que enfrentarse a muchos impedimento (presupuestos descontrolados, meticulosidad exasperarte, un argumento que daría para no menos de cuatro horas de film…) y la consecuencia fue que el director no logró terminarla como él hubiera deseado, y debido a esto la película no pudo visionarse en Estados Unidos durante décadas, convirtiéndola en toda una pieza de culto, estamos quizás ante la obra que enlaza la decadencia del cine mudo con el nuevo cine sonoro.

La trama se sitúa en un país centroeuropeo ficticio, cuya reina es una déspota y tirana que va a contraer nupcias con el Príncipe Wolfram, este no le corresponde y además lleva un tipo de vida despreocupada y libertina, codeándose con prostitutas y viviendo de juerga en juerga, sin esconder el poco interés que siente hacia ella, cuando en un encuentro casual, Wolfram conoce a una huérfana en un convento y queda prendado de ella. Desesperado el príncipe intenta raptar a la colegiala, y quema el convento para llevarse a la joven, la Reina descubre todo el plan  y echa a la joven a latigazos y manda encerrar a Wolfram en un calabozo hasta que acceda a casarse con ella. La segunda esa parte de la película que no logro terminarse se desarrolla en África, donde Patricia Kelly va a cuidar a su tía moribunda que le obliga a casarse con Jan, el hombre que la ha mantenido con su dinero todos estos años, un hombre repugnante y demacrado por la sífilis.

Ya que no le dejaron terminar Stroheim en un ejercicio de orgullo por su obra trata de terminar el film a base de fotografías fijas, fotogramas cortados y rótulos que intentan explicar un final, aún así, con fragmentos mutilados, acortada en su version final -la duracion prevista por el director era de casi cuatro horas- y a pesar de la simpleza de su argumento, “La Reina Kelly” constituye la gran obra maestra de Stroheim, su último suspiro como director.

4.- Chantaje (La muchacha de Londres)     105 Votos

Estamos ante una de las primeras grandes obras de Alfred Hitchcock, como muchos sabréis estamos en la etapa Britanica y aun no ha dado el salto a los Estados Unidos, esta Chantaje (o La muchacha de Londres como también es conocida en España) nos deja uno de los títulos mas interesantes de aquella etapa.

La película se basa en una obra teatral de Charles Bennett y tenía doble temática: el encubrimiento de un crimen y la presencia de un falso culpable. En ella nos narra como Alice, feliz novia de Frank , un joven detective de Scotland Yard, acepta una cita con un pintor y accede a subir a su casa con la excusa de enseñarle unos cuadros. Una vez allí el artista intenta forzar a la joven, y esta lo mata en defensa propia. Casualmente la investigación es asignada a Frank, el novio de Alice, quien descubre atónito que su novia está involucrada en el asesinato. Por otro lado Tracy, un delincuente, también está al tanto del crimen cometido por Alice e intenta chantajear a la joven pareja.

La película fue rodada muda y con el auge del sonoro le pidieron a Hitchcock que incluyera un par de secuencias habladas, el cineasta no solo accedió sino que la rodó prácticamente entera de nuevo incluyéndole los diálogos sonoros, pero en este punto surgió un problema bastante importante: la actriz principal, Anny Ondra, era checa, y su acento no encajaría con el papel de una sencilla chica londinense. Contrató a una actriz inglesa llamada Joan Barry, para que pusiera voz, durante el rodaje de las escenas, Ondra movería los labios sin decir nada y, fuera de plano, Joan Barry pronunciaría sus frases ante un micrófono. El resultado no solo encantó a los productores sino que supuso una auténtica revolución en el Londres de 1929 y un éxito fulgurante de taquilla logrando consagrar definitivamente a Hitchcock.


5.- La caja de Pandora      95 Votos

Película alemana dirigida por Georg Wilhelm Pabst (ya presente en el
articulo de 1925 con Bajo la Mascara del Placer) es toda una oda al erotismo, donde destaca por encima de todo la actriz Estadounidense Louise Brooks que había trabajado en alguna película para Howard Hawks en Hollywood y que Pabst había visto en Alemania. Fascinado por su belleza y su presencia fílmica, el austriaco le ofreció el rol estelar de La Caja de Pandora, un sombrío melodrama erótico sobre una devoradora, Lulú, que atrae la desgracia sobre todo hombre que llega a interesarse en ella.... Ahora mismo Lulú sería impensable -e imposible- sin Louise Brooks, sin esa mirada, sin esa sonrisa, sin ese peinado (que luego, por cierto, sería imitado/homenajeado por varias divas y aprendices de ello). Tampoco Brooks se hubiera convertido en ese icono definitivo del cine mudo sin Pabst y el retrato perturbadoramente erótico que realizó de ella: su espalda larga y desnuda, el imponente inicio de sus senos, sus hombros lisos y redondeados...

La obra no tuvo una gran acogida en toda Europa, incluso en Francia se llegó a prohibir su proyección por considerar que el tono sexual era “muy elevado”. A estos prejuicios había que añadir que la audiencia ya estaba entusiasmada por el cine sonoro y buscaban mas ese tipo de películas, así que La Caja de Pandora debió esperar unas dos décadas para ser revaluada, pero incluso después de estos años no quedó exenta de críticas.


Otras obras a resaltar en 1929

La mujer en la luna
Película de ciencia ficción del gran director alemán Fritz Lang, y que resultaría su ultima obra de cine mudo, donde nos narra de forma seria como se desarrolla la primera expedición desde la tierra para conquistar la Luna, en ella vemos al astrónomo Georg Manfeldt, exponiendo sus tesis de como viajar a la luna ante un grupo de personas que se burlan de él, como consecuencia de sus tesis y aquella reunión su carrera está acabada, pero él sigue adelante y junto al ingeniero Wolf Helius inician la construcción de un cohete para viajar a la Luna. Pero no a todo el mundo le parece bien y una misterioso grupo contrata a un maleante, Walt Turner que utilizando el chantaje se asegura un puesto en la misión. Al grupo se une la bella Friede Velten centro de un triángulo sentimental.
Ojo a la brillante recreación de la Luna en la pantalla.

Los cuatro cocos
Estamos ante la primera película entera que se conserva de los Hermanos Marx, el sonido había llegado a Hollywood y había que buscar nuevas estrellas que dieran la talla en esta nueva época, a poder ser de lengua ágil e instigadora y fueron a fijarse en unos comediantes que brillaban por todo el país con una obra de teatro, fue el comienzo del romance de Hollywood con los Hermanos Marx, que para aquella ocasión decidieron trasladar la obra con la que estaban triunfando a la pantalla gran pantalla, y asi fue
La trama es muy sencilla, el Hotel de Cocoanut atraviesa una crisis sin precedentes, su propietario (Groucho), debe ya algunas semanas de paga a los empleados. Uno de los pocos clientes del hotel es la millonaria señora Potter y que entre tanto caos es la única que paga los servicios prestados, hasta que llegan al hotel dos personajes excéntricos (hablamos, claro, de Chico y Harpo) que, por supuesto, provocan un caos aún mayor en el establecimiento.
Divertida sin duda, pero estos genios nos depararían momentos mas brillantes.

Estrellas dichosas
Dirigida por Frank Borzage en una nueva cita con el Melodrama, en esta ocasión nos cuenta la historia de Mary Tucker, una joven huérfana de padre, encargada de una granja de leche. Por otra parte encontramos a Farrell, un trabajador de postes de líneas telefónicas que conoce casualmente a la muchacha en una pelea con un compañero debido a que ella habia intentado robarle una moneda al vender un reparto de leche a todos ellos, justo en ese momento estalla la Primera Guerra Mundial y todos tienen que partir al frente..... pero ese encuentro tan accidentado ha encendido una mecha entre ambos.
Dos años después de su partida, Mary sabiendo que Tim ha regresado, tira una piedra rompiendo un pequeño ventanal y vislumbrando el rostro del joven que la llama amistosamente... pero Tim no es el mismo físicamente que conoció antes de partir a la guerra

La mascara de Hierro
Estamos ante una película de aventuras, protagonizada por el actor con mas carisma de aquella época en este tipo de cine Douglas Fairbanks, que con la llegada del cine sonoro despareció de la pantalla, y que adapta la obra de Alejandro Dumas "El vizconde de Bragelonne", tercera y última entrega de la Trilogía de los mosqueteros.
En ella vemos como en la Francia del siglo XVII, la reina madre esta a punto de traer al mundo al que sera el heredero de Francia, pero ocurrirá algo inesperado, nacen gemelos, por lo que deciden coger a uno y esconderlo en España pero la joven Constance, el amor de D'Artagnan, se entera por casualidad del secreto, y su vida corre peligro.....  Pasados los años, D'Artagnan y sus inseparables compañeros se unen para salvar al Rey y a su país de las intrigas del Cardenal Richelieu y el malvado Duque de Rochefort...

Lo viejo y lo nuevo
Dirigida por Sergei M. Eisenstein, después del éxito de sus obras anteriores, la película de nuevo es una alegato a favor de la revolución de Octubre en la URSS, en esta ocasión nos traslada a la colectivización agraria y asistimos a la transformación de una comunidad campesina. Allí vemos como los avances técnicos lejos de esclavizar y eliminar puestos de trabajo son aprovechados en beneficio del bien común. Marfa Lapkina es la líder que busca el fomento del trabajo colectivo en detrimento del individual. Tal es el énfasis que pone en sus ideas que apoyada por el consultor agrícola que tiene el gobierno en la zona y con la ayuda de los otros campesinos, menos concienciados y en principio reticentes, logran hacer realidad sus sueños.
El discurso del nuevo régimen ha calado en las ciudades, es el momento de imponerlo a la gran masa campesina analfabeta que vive en la URSS en este momento.

.. Y en lengua española que?
Como podrán imaginar en España ha nacido un nuevo director que haría historia en el cine, Luis Buñuel, del que ya hablamos en la pelicula Un perro Andaluz, pero no todo se iba a quedar ahí este año, encontramos otras 2 películas merecedoras de ser visionadas por cualquier amante del cine Español.

La primera de ella y la que mas fama tiene es "El sexto sentido" dirigida por el dúo Eusebio Fernández Ardavín y Nemesio M. Sobrevila, encontramos una película de corte experimental, en ella vemos como el filósofo Kamus afirma haber descubierto gracias al nuevo arte del cinematógrafo una forma de llegar a conocer la Verdad de todas las cosas, un sexto sentido mecánico que nos dará acceso a entender la realidad tal cual es sin el filtro de las emociones humanas

La segunda es El misterio de la puerta del Sol, del Onubense, Francisco Elías, y esta considerada la primera película sonora del cine Español, supuso un estruendoso fracaso a nivel comercial y como película muy floja, sin embargo esta considerado como uno de los mejores documentos de la época dada su importancia histórica. En ella podemos encontrar como actor a Juan de Orduña, que años mas tarde se convertirá en uno de nuestros mejores directores. Como curiosidad decir que se estima que el 90% de las producciones Españolas de aquella época han desaparecido y como muestra esta obra, que fue recuperada en 1995 gracias a que fue encontrada en la casa de los herederos del director de la película.

Las 5 peliculas: Año 1928

Hoy vamos a hablar de las películas de 1928, es un año de transición el cine mudo esta tocando a su fin y se empiezan a producir películas sonoras, pero como podréis comprobar, el silente, sigue copando los éxitos y la calidad, es un año donde ya no es suficiente una cara bonita y una buena teatralidad y expresión corporal, sino que a partir de ahora entra en juego otro factor muy importante que sera la tumba de numerosos artistas, la voz.

Ademas es un año donde Hollywood sigue dominando, una vez que prácticamente ha desaparecido la UFA alemana, que muchos directores Europeos han viajado a Hollywood los grandes estudios ya se han establecido y les llega el momento de evolucionar o quedarse en el camino, ya que la aparición del sonido obliga a cambiar muchos aparatos para adecuarse a los nuevos tiempo, eso a la larga y durante este periodo provocara que muchos de los estudios caigan en manos de grupos de capital que tomaran el mando de ellos.

También como curiosidad y de reciente descubrimiento, os quiero contar que este año fue el nacimiento del ratón mas famoso de la industria cinematográfica, Mickey Mouse, ya que hace unos años se ha descubierto un corto titulado Cascabel que podéis ver en Youtube y esta protagonizado por el mismo.

169 personas se pasaron a dejar sus votaciones...

1.- La pasion de Juana de Arco    463 Votos

Si bien comentábamos en la introducción que el cine de Hollywood esta arrasando no hay que restarle ningún merito a la favorita de este año, estamos hablando de "La pasión de Juana de Arco" del director Danes "Carl Theodor Dreyer" cuya obra el "El amo de la casa" ya encontró acomodo en el TOP 10 de 1925.
En este caso nos traslada a la Francia del siglo XV y nos presenta la figura de Juana de Arco, aunque en esta ocasión y a contracorriente de lo que era habitual en esa época, Dreyer no nos cuenta la vida del personaje y todo lo que dio su existencia, sino que se centra solo en una parte de esta, en el juicio eclesiástico al que fue sometida Juana, una vez que fue entregada al enemigo, estamos hablando que se centra en unos días de la vida de este personaje. Pero lo que quizás haga que esta película tenga la relevancia que tiene, es la utilización de una cantidad grandiosa de primeros planos (estamos hablando que un 90% del total de la película) que sirve para acentuar la capacidad dramática de los actores, cuya aparición en la escena además se realiza sin ningún tipo de maquillaje.

La película tal como la rodó Dreyer ha llegado a nuestros días de manera casual. Tras su estreno en Francia donde desató las protestas de los nacionalistas franceses por que el director no fuera Frances y además protestante el Arzobispo de París exigió que se efectuaran modificaciones en la cinta y, días después, un incendio destruyó el negativo original. Dreyer se puso manos a la obra para reconstruir el film a partir de las tomas de cada plano que no había seleccionado para la versión original. Este segundo negativo también se quemó en un incendio y comenzó a circular, ante la oposición de Dreyer, una versión que se había salvado de las llamas, en la que habían introducido numerosos cambios. En 1981, más de una década después de la muerte del realizador danés, un trabajador de una institución en Oslo encontró una copia del primer negativo que se había entregado para la censura de aquel país, este negativo es el que actualmente se puede ver.

No podíamos terminar este breve repaso sin hacer mención a la protagonista del film, la actriz Renée Maria Falconetti, actriz francesa curtida en el teatro que en una de sus pocas apariciones en el cine, hace uno de los papeles mas impresionante del cine silente, dando a esa Juana de Arco una expresividad absolutamente maravillosa, cada plano del rostro de Renée es el reflejo del alma de un ser asfixiado por el miedo, por la derrota.


2.- Y el mundo marcha      253 Votos

King Vidor ya había estado presente en 1925 con la gran película "El gran desfile" y de nuevo nos trae a la pantalla otra obra de fuerte contenido social, otra vez un melodrama de la sociedad americana de aquellos años.
Y el mundo marcha narra la vida de un ciudadano medio Estadounidense en el comienzo del Siglo XX, la llegada a este mundo, las ilusiones y proyectos que sus familiares crean para él, pero el paso del tiempo pone a cada uno en su sitio, y una serie de circunstancias hacen que el destino no haya sido el soñado, es el momento del matrimonio, los diferentes trabajos que se suceden sin ningún futuro ni posibilidades de desarrollo personal... lo que viene a ser vivir el día a día sin que tus sueños lleguen a materializarse, hablamos por tanto de la historia de un ciudadano mas al que no le ha sucedido nada extraordinario, ni ha realizado ninguna gesta heroica, ni ha vivido nada excepcional, solo el hecho de enfrentarse a todos los problemas de su vida diaria y que termina siendo uno más en la multitud.

Es de reseñar que Vidor, alejándose de cualquier atisbo de glamour elija para protagonizar su película a James Murray, que trabajaba como extra y a la que en ese momento era su esposa y que desarrolló una mediocre carrera como actriz Eleanor Boardman
La película destaca además por su realismo, no en vano nos narra, esos insignificantes hechos que forman la vida de una pareja. Son acontecimientos que normalmente en aquella época nunca salían reflejados en una película pero aquí se narran con detalle: la cita en el parque de atracciones, la luna de miel, su convivencia en el día a día, sus vacaciones en la playa.
Como curiosidades les diré que el mismísimo Billy Wilder homenajeo a Y el mundo marcha con una escena casi calcada en su obra maestra "El apartamento". Otra curiosidad es que el personaje protagonista nace un 4 de Julio (día nacional de Estados Unidos) del año 1900, sin duda una fecha muy representativa para lo que nos quiere contar el Director.

La película tuvo 2 nominaciones a los Oscars, Mejor director y Mejor película por calidad artística

3.- El circo      223 Votos

Y vuelve de nuevo el gran Charles Chaplin a estar presente en el top un año mas, y en esta ocasión con la que por muchos es denominada la mejor película de sus trabajos que no es obra maestra absoluta, nos referimos a El circo.
Una película que el bueno de Chaplin realizo contra viento y marea, todos los elementos estaban en contra de él en aquel año 1928, venia de tener problemas amorosos que desencadenaron en graves problemas económicos, hubo accidentes con el material filmado y la llegada del cine sonoro, que para él representaba una forma de destruir el cine, hicieron que El circo fuera una autentica travesía, pero que mas da, de nuevo el genio saca una película grandisima.

El circo narra otra aventura mas de "The tramp" de nuevo penurias a su alrededor, hambre y desolación y es así como casualmente y una vez mas perseguido por la policía de nuevo por un hurto que no ha cometido, entra en un circo donde en ese momento se esta haciendo una representación que tiene al publico aburrido y dando bostezos, y allí con sus batacazos mientras es perseguido por la policía despierta al publico que confundido piensa que es un numero mas de ese circo, pero en este caso logra desatar las risas y el alborozo entre los presentes.
El propietario del circo mira estupefacto a ese pequeño hombre y lo que ha conseguido con su actuación y le ofrece un trabajo en él mismo, el vagabundo que no tiene nada que echarse a la boca acepta sin dudas y durante las siguientes representaciones sera testigo de animales, compañeros, rivales e injusticias sin que puedan con él.
Quizás y para muchos es el film mas cómico de los rodados por Charles Chaplin, no deja de ser una interminable fila de gags al mas puro estilo slapstick

Como curiosidad os contare que el propio Charles Chaplin rodó la escena del funambulista y que múltiples escenas se calcinaron en un accidente sin que quedara totalmente satisfecho con el material que al final incluyo en la película. Otro de los aspecto por los que destaca el film es por ese final, uno de los mejores que ha dado el cine... quizás una metáfora del momento en el que se encontraba el autor con la llegada del sonoro al cine.

Ganadora de un Oscar Honorifico a Charles Chaplin.


4.- El viento      201 Votos

Nos encontramos con una película de un director también emigrado a los Estados Unidos, siguiendo la llamada de los grandes estudios, nos referimos al sueco Victor Sjöström, que casi cuatro décadas después protagonizara la mítica "Fresas Salvajes" de Ingmar Bergman. ¿Y quien era Victor Sjöström? fue uno de los puntales del denominado cine nórdico de principios de los años 20 entre sus obras cabe destacar "La carreta fantasma" o "Los proscritos" realizadas en su Suecia Natal antes de recibir la invitación de Louis B. Mayer para trabajar en sus estudios.

El viento es quizás su obra mas redonda antes de renunciar a seguir trabajando allí y volver a su país de origen, en este Western nos narra la historia de Letty, interpretada por Lillian Gish (que tuvo muchísima importancia en el desarrollo del film ya que ella fue la que sugirió adaptar la novela homónima en la que se basa la película, así como también impuso a Sjöström como director), una mujer que viaja a una granja en desierto de Texas, para vivir en el rancho de su primo, la única persona que le queda en el mundo. Allí encontrara un entorno hostil y asfixiante, tanto en el sentido geográfico (en viento no cesa y las tormentas secas son constantes) y en el sentido humano (la gente de allí no la ven con buenos ojos). La mujer de su primo tiene celos de ella y decide echarla de casa. Tres hombres la codician para que les haga compañía, uno de ellos casado...... .

La película esta rodada en el mismísimo desierto de Mojave y se hizo acompañar de grandes hélices de avión donde los técnicos arrojaban tierra y arena, que caía por todo el plató de rodaje de manera que simulaba a la perfección las tormentas de viento en la película. Es mérito del director sueco que durante toda la película sintamos el viento como un personaje más, y más si pensamos que es una cinta muda.

Ojito a este plano con el que despido esta película ¿Quien me puede decir a que escena le recuerda? Y es que en el cine casi todo lo inventaron los pioneros..

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5.- The cameraman      174 Votos

Y de Chaplin de nuevo a Keaton, como podéis ir comprobando no suelen fallar a la cita cuando estrenan película, en esta ocasión Buster Keaton que por primera vez realiza una colaboración con un gran estudio, concretamente Metro Goldwyn Mayer y se iba a notar a peor en la película, ya que al estar sometido al estudio, Keaton no tuvo la libertad para hacer "su" pelicula, para muchos es el comienzo del fin de Buster Keaton.
The Cameraman narra las aventuras de Luke, un camarografo callejero que se enamora de una guapa oficinista, Day, y su intento por todos los medios posibles de entrar a trabajar en la empresa donde ella realiza su trabajo y así poder estar cerca y tratar de conquistarla, incluso cambia de cámara y en vez de hacer ferrotipos, se endeuda y cambia su destartalada cámara por una de grabación de imágenes. ¿Sera capaz de hacer el reportaje del año y conquistar el corazon de su amada?

Esta película esta concebida como un homenaje a todos los que con su trabajo han conseguido plasmar en imágenes  los momentos del siglo XX que han vivido, este es uno de los trabajos menos conocidos de Keaton no porque sea peor que las demás, sino porque la película permaneció perdida durante muchos años. En 1991 se encontró una copia del positivo de casi la totalidad del filme, así que se volvió a montar una nueva copia rellenando los tramos faltantes con parte del material deteriorado que se encontró en 1968.
Cabe destacar que en esta ocasión Keaton no esta solo, sino que le da la replica  la belleza y sensualidad de Marceline Day, quien acapara también la pantalla con su simpatía y su hechizante apariencia escénica, ademas podemos catalogar como un gran "actor" a ese mono que se convierte en protagonista de una de las partes mas divertidas del film


Otras obras a resaltar en 1928

Octubre
El autor de El acorazado Potemkin, Sergei Eisenstein vuelve con otra obra de marcado carácter político, en este caso y aprovechando la conmemoración de la revolución de Octubre en Rusia, nos narra la revuelta protagonizada por los bolcheviques que acabaron con los Zares.
La película estructurada en 5 partes, recorre cronológicamente dicha revuelta y de nuevo la genialidad sobre todo en la técnica de montaje y el uso de simbolismo que tenia Eisenstein hace maravillas con el film.
Se cuenta que se grabaron mas de 49.000 metros de película de los cuales solo 2.800 fueron empleados en la versión definitiva, que al final no fue como él tenia pensado, motivado entre otras cosas por las prisas que tenia el gobierno en poder estrenar la obra y la eliminación de las escenas que representaban a Trostsky y que el propio Stalin se encargo de que quedaran fuera.

El heroe del rio
El héroe del río es una película de Buster Keaton, codirector (junto a Charles Reisner) y protagonista absoluto del film, el argumento es bastante simple, una adaptación mas de la historia de Romeo y Julieta. Dos propietarios de barcos fluviales en el Mississippi compiten por el control del negocio. El hijo de uno de ellos, Keaton, vuelve de la ciudad  y se ve desde el principio que es un inútil, pero se enamora de una dama que resulta ser la hija del empresario rival de su padre y tiene que superar una serie de pruebas para conseguirla.
No estamos ante la mejor película de Buster Keaton, pero desde luego es un magnifico trabajo. Con esta cinta, se reafirma ante su público, recordándolas que aún sigue ahí dispuesto a jugarse la vida en una escena para impresionarles.

La ultima orden
Dirigida por Josef Von Sternberg,  basada en un caso real, La Última Orden narra la historia de un prestigioso general zarista que con la revolución comunista cae en desgracia y emigra a Hollywood, donde se intenta ganar la vida participando como extra en películas. El film se estructura a partir de un flashback que tiene lugar cuando el protagonista, Sergius Alexander, se prepara para interpretar a un general en una película.
Sin duda lo mejor de esta película es el actor germano Emil Jannings, al que ya mencionamos en "El ultimo" y "Fausto", esta película fue una de las más importantes de su breve carrera en EEUU que finalizó con la llegada del sonoro debido a su marcado acento alemán.
Oscar: Mejor actor principal (Emil Jannings)

La caida de la casa Usher
Un caballero visita la mansión de su amigo Usher y la esposa de éste, Madelaine. Usher está pintando un retrato de Madelaine, y a la vez que va fraguándose el cuadro, la mujer va desfalleciendo. Cuando muere, será enterrada en la cripta familiar, pero Usher no cree en verdad en la condición mortal de su amada...
Basada en la celebre obra de Edgar Allan Poe de la que no solo se nutre sino que es mezclada con elementos de "El retrato Oval", nos encontramos con una producción en este caso Francesa
dirigida por Jean Epstein, un directo muy vinculado a los movimientos intelectuales y de vanguardia y apenas recordado en nuestros tiempos.


El hombre que rie
Y si en el film anterior hablábamos de Poe, en este caso nos vamos a una adaptacion de Victor Hugo realizada por el director alemán, Paul Leni, y protagonizada por el también Alemán Conrad Veidt, protagonista de "El gabinete del Dr.Caligari", cuenta la historia de el pequeño Gwynplaine vendido por el malvado bufón de la corte a unos gitanos conocidos como los comprachicos, los cuales se dedican a mostrar en ferias ambulantes a los niños que han comprado y a los que han deformado físicamente. Cuando son buscados por la Justicia de Inglaterra, huyen en barco del país y abandonan al  pequeño Gwynplaine el cual se encontrara  con Dea, una niña ciega tan desafortunada como él y que yace junto al cadáver congelado de su madre.
La película de Paul Leni gestó un inolvidable icono cinematográfico gracias también a la magnífica labor del actor Conrad Veidt, que llegó incluso a soportar una incómoda prótesis, sujeta con hierros dentro de su boca, para la caracterización. Al coincidir con los inicios del cine sonoro, para el estreno de la película se le añadió una dulzona canción romántica “When Loves Comes Stealing “, que nos sirve ahora también como un documento inmejorable del cine de la época, y cambió el final de la novela acomodándolo a un desenlace feliz.

.... Y en lengua española qué?

En 1928, Ernesto Giménez Caballero y Luis Beluga fundan en Madrid el primer cineclub. Ciudad que se convertiria en el centro del la industria del cine.

Aun asi hay pocas producciones que reseñar, Benito Parojo sigue realizando buen cine y este año estrenaría "Corazones sin rumbo" y "La condesa Maria".
También se filmó un curioso cortometraje donde el protagonista absoluto era el escritor Ramón Gómez de la Serna que por carecer de rótulos iniciales se ha dado en llamar 'El orador'. En ella el escritor recita un monologo humoristico. Esta experiencia sirvió para probar el sistema de sonido Phonofilm, que pronto sería reemplazado por los sistemas apoyados por la industria Hollywood. Os dejo enlace al cortometraje:

Las 5 peliculas: Año 1927

Llegamos a 1927, año en el que el cine sonoro se ha hecho realidad, después de algunos intentos para logran sonido en las películas, la mayoría de ellos engorrosos y poco prácticos (El TriErgon, Phonofilm, Vitaphone) en 1926 se estreno en Nueva York la película "Don Juan" con una partitura y efectos sonoros sincronizados con la imagen, "El cantor de Jazz" de la Warner Bros, es considerada la primera película sonora de la historia del cine.
En 1926 teníamos en la cúspide del cine a Buster Keaton y su maquinista de la general, Murnau deja su Alemania natal con una magnifica versión de Fausto, el cine de propaganda en la Unión Soviética da brillantes obras, Renoir en Francia empieza a crear escuela, vivimos la mejor época del cine mudo, el virtuosismo en este cine ha llegado a cotas de una extrema perfección, y los artesanos del celuloide seguirán demostrando su destreza en los siguiente años, hasta la implantación total del cine sonoro

En este año, se pasaron 318 personas a dejarnos sus preferencias de este año.


1.- Amanecer de F.W.Murnau      569 Votos

Como hemos comentado en la introducción, Murnau hizo las maletas y deja la UFA rumbo a un Hollywood cada vez mas importante en el mundo del cine y allí, en su primer intento realizaría una de las mejores películas del cine mudo de la historia, nos estamos refiriendo a Amanecer, una prodigiosa historia romántica de las que han bebido muchísimos productos y considerada la primera película romántica. Amanecer narra la historia de un granjero y su feliz vida al lado de su esposa, hasta que la aparición de una seductora mujer de la ciudad hace que empiece a dudar de si su felicidad es real, momento en el que empieza a ver a su esposa como un estorbo ante la posibilidad de una nueva vida mejor al lado de esa mujer que acaba de llegar a su granja, una proposición de esta hace que los acontecimientos se precipiten de manera dramática. Como habéis leído estamos ante la historia mas universal del amor, pero ¿que la hace especial?

La Fox había decidido traerse a Murnau a sus estudios y para ello le dio un cheque en blanco y libertad absoluta, Murnau en su etapa mas fructífera realiza una historia llena de giros, una mezcla casi perfecta de tragedia y comedia, sin dejar de contar una de las historias mas comunes y universales, pero la forma de realizarla ha conseguido llegar hasta nuestros días,  puede que sea la fotografía uno de los aspectos mas brillantes de Amanecer, destacando especialmente las escenas nocturnas, o quizás esa narración casi sin Intertitulos colocados justo en el momento necesario sin abusar de ellos o quizás los protagonistas, George O Brien un poco rígido en su actuación, y sin duda el elemento mas deficiente del trió protagonista, Janet Gaynor, también protagonista de El séptimo cielo y que aquí realiza el papel por el que sera recordada y Margaret Livingston, que con su breve papel borda el personaje de vampiresa que tantas veces hemos visto en esta etapa del cine

No quiero despedirme sin recomendarla efusivamente, no tengan miedo al cine mudo, estamos quizás ante la película ideal para iniciarse en el genero y recomendar el articulo de Juan Murillo realizó para esta Web.

      "Amanecer es esencialmente una historia de amor, en la que están implicados tres personajes: George O´Brien un campesino que tentado por una mujer de la ciudad(Margaret Livingston) pretende acabar con la vida de su esposa Janet Gaynor, aunque la historia dará después varios giros inesperados.
Murnau traslada al incipiente cine de Hollywood el estilo expresionista de sus películas alemanas, pero...." (leer reportaje completo) 


2.- Metropolis    551 Votos

Muy cerca a quedado esta película Alemana considerada una de las obras cumbres de la UFA.
Metropolis esta dirigida por Fritz Lang que como veremos en próximos artículos tuvo que huir por la pujanza de los nazis en Alemania en dirección a Estados Unidos donde desarrollo una impresionante carrera como director, pero en su país ya estaba cosechando una muy notable filmografia principalmente mediante dos sagas El doctor Mabuse y Los Nibelungos.

Metropolis esta basada en un guion del propio Fritz Lang y su mujer Thea von Harbou donde nos lleva al futuro, concretamente al año 2026 y a la ciudad que da nombre a la película, donde existen 2 clases sociales totalmente diferenciadas, las 2 mas clásicas, la de los ricos que ostentan el poder, los medios y los pobres condenados a trabajar para ellos y que viven en un guetto subterráneo de donde no pueden salir, cierto día, el hijo del gran dominador de la ciudad conoce a Maria, una de las habitantes del guetto y juntos intentaran que la relación entre ambas clases sea mas razonable.

Con una duración de mas de dos horas y media estamos quizás ante la ultima película del movimiento denominado Expresionismo Alemán y sin duda la película mas importante de dicho movimiento, tuvo muchos problemas hasta su llegada al cine empezando por su presupuesto inicial que se quintuplicó, retrasos a la hora de la filmación, un numero de extras desorbitado para que finalmente fuera un tremendo fracaso en su estreno en Alemania, y sufriera una “re-adaptación” en las salas estadounidenses, incluso hay críticos que piensan que esta película fue la tumba de la productora alemana UFA, todo ello llevo a la destruccion casi total de las copias que se realizaron, como habéis leído el comienzo de dicho film no fue fácil ni tuvo el prestigio que ostenta ahora.
Me gustaría que se fijaran en uno de los personajes mas representativos del film, la mujer-robot, uno de los personajes y mas especiales de la película
Para terminar comentar que Metropolis es una de las pocas películas considerada Memoria del Mundo por la Unesco y que en 2008 en una filmoteca Argentina se descubrió una copia con 26 minutos ineditos, quizás la copia que mas se acerca a la película ideada por Fritz Lang.


3.- Garras Humanas    171 Votos

Garras humanas esta dirigida por el gran Tod Browning y protagonizada por el gran Lon Chaney del que ya os hable en el reportaje de 1925. En esta ocasión nos encontramos en un circo, con sus variopintos personajes que lo forman, uno de ellos es Alonzo, que tiene la extraña habilidad de lanzar cuchillos con los pies ya que perdió las dos extremidades superiores, Alonzo esta secretamente enamorado de Nanon, la bella hija del dueño del circo, con la cual comparte uno de los números del circo donde este le arroja

cuchillos con tanta habilidad que logra casi desnudarla sin que la joven resulte herida, sin embargo esta posee un raro trauma,  no soporta que la toquen los hombres, por lo cual Alonzo se cree la pareja ideal de Nanon (interpretada por una jovencisima Joan Crawford que en el momento de realizar el film contaba con 21 años y donde ya nos deja entrever su característica mirada) al carecer de brazos, sin embargo un compañero del circo que responde al nombre de "Malabar" no deja de cortejar a la joven. Alonzo guarda dos secretos, uno de ellos podría dar con sus huesos en la cárcel, el segundo y el que mas le traumatiza podría significar el fin del supuesto amor que Nanon siente por él.
A mi entender la gran habilidad de Tod Browning no es dibujar las deformidades físicas del ser humano ante tamaño pleyade de personajes, sino que va un pasito mas adelante y las deformidades las muestra en el interior de cada uno de los personajes, y realiza una brillante fabula con un asesino despiadado, una mujer fatal y un gigante bonachón.
Como curiosidad o puedo contar que la trama se desarrollada en Madrid (the old Madrid, según rezan los primeros cartelones)

4.- Napoleon    132 Votos

Estamos sin duda ante la obra maestra y mastodontica del director de cine Frances, Abel Gance, conocido también por otras obras como "La rueda" o "Yo acuso" y digo mastodontica porque fue una producción con una duración de 235 minutos, es decir cerca del 4 horas el film se centra sobre una de las figuras históricas más cautivantes y apasionantes de todos los tiempos, al momento en que se constituye como film en un mosaico social y político de la época.

Gance recorre en la primera parte de la película los hechos históricos que sucedieron durante la ascensión de Napoleon, para luego centrarse mas en su figura una vez situado en la cúspide del mundo, aprovechó todas las técnicas de pantalla que existían: desde la cámara manual, o a lomos de un caballo a galope, hasta el objetivo gran angular; desde las coloraciones y las superposiciones, hasta un efecto nuevo, por entonces, de pantalla triple. Consigue ademas un montaje endiabladamente rápido que en ningún momento llega a molestar o abrumar.
Esta considerado como el primer biopic de todos los tiempos y a pesar de la larga duración la película esta inacabada, ya que el director pretendía hacer mas películas pero debido al coste de esta primera desecho la idea de hacer 2 películas mas. Esta obra fue rescatada del olvido por Francis Ford Coppola.



5.- El septimo cielo   98 Votos

El séptimo cielo esta dirigida por Frank Borzage autor entre otras obras de "Deseo" o de "Adiós a las armas" y protagonizada por Janet Gaynor y Charles Farrell los mismos interpretes que en Amanecer que comentamos en este articulo.

La película nos narra la historia de una muchacha, Diane, en los bajos fondos de Paris durante los días previos al comienzo de la Primera Guerra mundial, ella vive con su hermana que la trata de forma cruel y tiránica, también nos presenta a Chico, un pocero que sueña con convertirse en barrendero y escapar de las cloacas de la capital Francesa, el destino caprichoso, les une justo en el momento que ella ha recibido una brutal paliza por parte de la hermana y a la que asiste como espectador Chico e interfiere para que no vaya a mas.. justo en ese momento llega la policía y acusan a la Diane de dedicarse a la mala vida, compungido por la desgracia Chico no tiene otra ocurrencia que decir que en realidad ella es su esposa y que están en un error.. a partir de ahí vivirán su particular historia de amor.
Narrada en un tono absolutamente melodramático con escenas de una delicadeza extrema y hermosa y con una música de fondo inolvidable.
Es séptimo cielo fue la película que consiguió más nominaciones en la primera entrega de los Oscars que se realizó, y Henry King realizo 10 años después un remake de El septimo cielo, significativamente inferior a esta obra .

Otras obras a resaltar en 1927

Alas
Este film sobre la primera guerra mundial tuvo el honor de ganar el primer Oscar a la mejor película, Alas dirigida por William A. Wellman director entre otras de Incidente en Ox-Box o Caravana de mujeres, no es solo una película de aviadores en la primera guerra mundial, también narra la lucha de dos hombres interpretados por Charles Rogers y Richard Arlen por el amor de Sylvia, pero también la solidaridad y el trabajo en equipo de ambos mientras están luchando en el frente, la cuarta pata que entra en acción en la película es Mary Preston, interpretada por Clara Bow, la cual anhela el amor de uno de los dos protagonistas y para tratar de encontrarlo decide alistarse también para realizar ayudas humanitarias en el frente.
No parece que fuera la película mas brillante de ese año, pero un éxito rotundo en taquilla y una realización maravillosa la auparon a ganar el galardón.

El enemigo de las rubias
Estamos ante una de las obras de la época silente de Alfred Hitchcock, concretamente su cuarta producción y una de las mejores de esa etapa, no obstante el director siempre afirmaba que este había sido su verdadero debut en el cine.
El enemigo de las rubias narra, con tensión como en un barrio de Londres un asesino implacable esta asesinado a mujeres cuyo denominador común es su pelo rubio, en ese mismo momento llega a la ciudad un extraño personaje que se aloja en una pensión y allí se enamorara de la hija de los dueños, que casualmente es rubia y la novia del Inspector que trata de resolver el caso... en ese momento todas las miradas hace que sea el máximo sospechoso.
Sin duda tiene una clara inspiración en los casos ocurridos años antes con Jack el destripador y más que una clásica historia de caza de un asesino, El Enemigo de las Rubias es un magnífico retrato sobre las sospechas y la culpabilidad..

El cantante de Jazz
Si hace unas pocas lineas arriba comentábamos la película que tuvo el honor de ser la primera ganadora del Oscar, en esta ocasión vamos a hablar del film que ostenta la fama de ser la primera película con sonido, si bien ya hubo otros intentos y películas que disponían del audio.
No es una película que pasara a la historia por su calidad, de hecho, es de sospechar que si no hubiese sido por esa caracteristica hubiera sido una película totalmente olvidable, es una adaptacion de una obra de Broadway y tuvo a Al Jolson (famoso artista de vodeviles) como protagonista y en ella se nos narra como procediendo de una familia que cantaba en la sinagoga, Jakie Rabinowitz prefiere dedicar su música en el vodevil y el teatro provocando la decepción y repulsa de su familia.


Berlin, sinfonia de una ciudad
Nos encontramos ante una película documental de poco mas de una hora que recorre la vida durante un día de la ciudad alemana de Berlin, si bien esta realizado con un montón de trucos cinematograficos, una fotografía cálida en su blanco y negro y una diversidad de encuadres y movimientos de cámara, que provoca que este documental tenga una gran estima entre los amantes del cine, pero históricamente también tiene un valor especial, nos encontramos en Alemania en la época de entreguerras, es decir, un momento de recuperación para un país que estaba sumido en las deudas y pagando por errores pasados y que muy pronto caería en una hecatombe aún mayor.


La ley del hampa
Estamos ante la película que para muchos críticos abre la veda en el séptimo arte de las películas de Gangsters, dirigida por el director austriaco Josef von Sternberg que años mas tarde protagonizaria uno de los dúos mas importantes del cine junto con Marlene Dietrich.
La ley del hampa narra una historia de amistad y amor protagonizada por un gangster atracado de bancos, , un vagabundo recogido en la calle y antiguo abogado en paro, y la amante de aquel. Una relación algo ambigua que podría interpretarse de varias maneras pero lo curioso es que la película trata de la fidelidad entre gentes de un mundo oscuro que viola constantemente la ley.
Gano el Oscar al mejor guion original.

...Y en lengua española qué?

Las  producción en nuestro país sigue sin dar grandes frutos, quizás podríamos destacar la película de Benito Parojo, El negro que tenia el alma blanca que cuenta entre sus interpretes con Conchita Piquer, que se convertiría en una de las estrellas de la canción española.
La hermana san suplicio es otra de las producciones a destacar de aquel año, dirigida por Florian Rey y que supuso el debut en el cine de otra de las estrellas de la canción española, Imperio Argentina, estamos ante una historia de amor y una monja.
Poco mas se puede destacar de aquel año en el cine patrio, tampoco el latinoamerica nos dio muchas mas alegrías.

Las 5 peliculas: Año 1926

Dejamos atrás 1925, en lo mas alto quedaron Chaplin, Eisenstein, Keaton, Vidor y también entre estos 4 maestros y gracias al trabajo de Lon Chaney esta  Rupert Julian, como podéis leer son 4 nombres que para ninguno de vosotros pueden pasar desapercibidos, cuatro producciones americanas y una de la Unión Soviética, vamos ahora a ver que nos dejo el año 1926

Un año donde votaron 155 personas, cargado de joyas..

1.- El maquinista de la general de Buster Keaton 475 votos

Y de nuevo repite "cara palo" y en esta ocasión con su obra maestra absoluta, catalogada como una de las mejores películas de la historia y que significó el comienzo del fin de la carrera de Buster Keaton, el maquinista de la general, que cuenta un hecho real que sucedió en 1862 cuando 21 hombres capitaneados por un agente de la Union y disfrazados fueron a zona enemiga para sabotear las lineas de tren enemigas.
En la película se nos cuentan las andanzas de Johnnie Gray que es rechazado al intentar alistarse en el ejercito y por eso su novia deja de hablarle durante un año tachándole de cobarde y mentiroso, trascurrido ese tiempo y durante una incursión de soldados del Norte, que le roban la locomotora que conducía, accidentalmente secuestran a su novia que estaba en el tren. A partir de este hecho nos muestra la persecución de Johnnie Gray, a bordo de una locomotora, hasta territorio enemigo para recuperar a su novia y más tarde la huida hacia el sur perseguidos por los soldados de la Unión.

La película como podrán sospechar esta llena de persecuciones, caídas, golpes y gags entre ellos nos encontramos el gag mas caro de la historia del cine en una escena de un accidente de tren y que por exigencia de Keaton se tuvo que rodar con elementos reales destroyendo un puente y una locomotora para ese fin.

Keaton realiza una critica divertida hacia el absurdo de la guerra, no se para ante nada, no deja a nadie sin su ración, empezando por su protagonista ya que termina siendo héroe por pura suerte, los soldados de la Unión son retratados en algún momento como unos estúpidos lo que le costo recibir duras críticas cuando se estrenó y el rechazo del publico, debido a que no consideraron de buen gusto el reírse de la Guerra Civil.

Me gustaría antes de terminar dejaros el bocadito de cine que el colaborador de Habla de Cine, Santi Abad realizo para Radio 3 sobre Buster Keaton


2.- Fausto de F.W. Murnau    340 votos

A Murnau ya nos lo encontramos en el primer articulo, en aquel que hacíamos referencia a las películas estrenadas entre 1895 y 1924 donde dirigió "El ultimo", y vuelve unos años mas tarde con esta representación del clásico de Johann Wolfgang von Goethe, "Fausto" y de nuevo con  Emil Jannings, sin duda el actor puntero del cine Alemán de aquella época, esta seria la ultima película de Murnau en Alemania, a continuación dio el salto a Estados Unidos.

Fausto nos cuenta la historia de un alquimista que al no conseguir la pócima contra la peste que esta desolando su ciudad, llega a un pacto con el mismísimo diablo con el fin de alcanzar el bien a través del mal, sin embargo es rechazado por sus vecinos y cae en la tentación de los placeres y la juventud que su nueva situación le ha traído.

Murnau contó con un presupuesto desorbitado para aquella época para la realización de esta película y bien que lo aprovechó, los decorados, las maquetas, los efectos son de una calidad inimaginables para la época en la que fue rodada y el rodaje y la preparación de la misma se alargaron durante mas de dos años, siendo junto a Metropolis las películas mas caras producidas por la UFA

Técnicamente la película es maravillosa, quizás si hay que reprocharle algo a la misma es su parte central, que se puede hacer un poco pesada y lenta, pero lo cierto es que arranca de manera magistral y tiene uno de esos finales que nos dejan pegados al asiento.

3.- La madre de Vsévolod Pudovkin  187 Votos

Hablamos la semana pasada de Eisenstein y hoy nos toca hablar de otro de los grandes del cine de la Unión Soviética de principio de siglo, Vsévolod Pudovkin.
Con una filmografia muy estimable donde destaca "La madre" de la que hablaremos ahora, Tempestad sobre Asia o El fin de San Petersburgo.

La madre adapta la novela del mismo titulo de Maximo Gorki, ambientada en la revolución de 1905, mismo año en el que se desarrollaba la accion de "El acorazado Potemkin", narra la toma de conciencia de una campesina, cuyo marido borracho y maltratador es acogido por los esquiroles de una huelga y su hijo en el otro lado, con los obreros que lucha por la huelga, tras un altercado el padre fallece y el hijo es detenido y encarcelado, entonces es cuando la película se centra en esa madre que toma conciencia de lo que significa la lucha, donde destaca la dolorosa escena del juicio en donde las condenas ya están decididas y los magistrados se dedican a pintarrajear sus cuadernos sin conciencia alguna sobre el caso que les toca juzgar.

Así como el Acorazado Potemkin, La madre es un encargo mas del Comité Central del PCUS, pero el paso del tiempo la ha mantenido como una de las películas de referencia del llamado arte revolucionario, gracias a que en esta ocasión el nivel de lirismo y la belleza de muchas de sus imágenes, permite que el espectador se pueda emocionar fácilmente con esta lucha de amor y derechos. Sin duda la Madre puede resultar mucho mas cercana al espectador gracias al poder que la protagonista femenina otorga en la película, tambien me gustaría destacar la labor del director que realiza un montaje rítmico, cuyo tempo se adapta al carácter de cada secuencia,  utilizando los contrapicados para dar mayor énfasis y en los momentos narrativos en los que la emoción está a un bajo nivel,utiliza los planos lentos, atentos a los gestos de los actores.

4.- El demonio y la carne de Clarence Brown 72 Votos

La divina, mas conocida Greta Garbo ya se ha instalado en Hollywood, atrás quedaron los años del trabajo en un gran almacén, su incuestionable irrupción en las películas de su Suecia natal, sus primeros trabajos en Hollywood después del fichaje Metro Goldwyn Mayer, llega el momento de una pelicula de un éxito tremendo en Hollywood, acompañado del galán del momento, con quien llego a tener un apasionado y sonado romance no exento de ciertos escándalos.

La pelicula de la que hablamos es "El demonio y la carne" y esta dirigido por Clarence Brown, director con el que se prodigo en varias ocasiones Greta Garbo, como dijimos antes acompañado de John Gilbert (del

que ya hablamos en "El gran desfile"), esta película estaba llamada a consagrar totalmente en Hollywood a La divina, que de nuevo se pone en la piel de una vampiresa (esas seductoras de hombres a los que llevaban irremediablemente a la perdición o a la bancarrota) donde narra la tórrida relación entre un oficial Britanico y la seductora Felicitas, interpretada por Greta Garbo, este film es famoso sobre todo por sus tórridas escenas y su marcado carácter erótico, donde destaca por encima de todas la famosa escena del cigarro encendido en el jardín.


5.- Las aventuras del principe Achmed    66 Votos

Estamos ante una película animada desarrollada en Alemania y ante el largometraje animado mas antiguo que se conserva, pero no es una animación como conocemos ahora sino que esta creada con siluetas, mediante recortes de cartón y laminas de plomo, todo realizado por una mujer llamada Lotte Reiniger, imaginen el merito en aquella época de los años 20 y en un mundo como el que se vivía, una mujer tuviera la notable idea de realizar este film, por eso considero que su nombre  ha quedado injustamente en el olvido del cinefilo medio, y es que la osadía, la laboriosidad y el amor que puso en hacer una película de este calibre bien hubiera merecido un recuerdo mas vivo en la historia del celuloide

La película es una fabula oriental que toma elementos del clásico las mil y una noches, y la belleza acompaña cada fotograma de la misma, exquisitas imágenes corretean por la pantalla, y nuestro príncipe Achmed se ve envuelto en multitud de aventuras, tan pronto surca los cielos a lomos de un caballo volador, que se enamora de una princesa que ha sido raptada por un hechicero o recibe la ayuda del mismísimo Aladino.

Me voy a atrever a recomendaros que traten de verla con sus hijos de corta edad, es una maravillosa formula y ocasión para introducirle en la historia del cine y seguramente la disfruten como cualquier película de animación actual, y es que la magia del cine, los tres años intensos de Lotte Reiniger ocupándose de cada aspecto de la película dió un resultado completamente excepcional

Otras obras de importancia en el año

Menilmontat

El titulo hace referencia a un barrio Parisino y esta considerada una de las precursoras del realismo poético francés, prescinde de dialogo y la película se desarrolla sin la necesidad de cualquier intertitulo, el resultado es una película muy poética de apenas 37 minutos que todo buen cinefilo debería disfrutar.
Menilmontat narra las vivencias de 2 hermanas en el Paris de los años 20.

El boxeador

De nuevo Buster keaton, en una película con una vis cómica tremenda, en ella interpreta a un millonario que se quiere casar con una joven, pero la familia de ella no acepta porque le ven como un hombre debilucho y sin capacidad para protegerla, las medidas que tomara sera pasarse por un campeón de Boxeo que casualmente tiene le mismo nombre que él, el problema llega cuando todo el mundo crea que realmente él es el campeón de boxeo, el enredo esta listo.

Tres hombres malos

Estamos ante una de las mejores obras del John Ford de su etapa muda, es un western, un homenaje a los bandoleros de aquella época, salpicado de bastantes notas de humor, desarrollada en la época en los que los habitantes de Norteamerica querían hacerse con territorios para vivir y en plena fiebre del oro, donde el descubrimiento de una veta en territorio Sioux desatara una lucha por hacerse con él.

El hombre cañon

No hemos hablado aun de Harry Langdon, otro de los grandes triunfadores del cine mudo que con la llegada del sonoro desaparecieron de las pantallas, en esta ocasión dirigido por el gran Frank Capra en la que fue su segunda obra. La película empieza en Belgica donde Langdon en un soldado patoso y poco útil, pero en cambio tiene una gran habilidad con las honda, a la vuelta del frente funda un circo donde sera la estrella al convertirse en el hombre cañón.

Nana

Película francesa de larga duración, 150 minutos, dirigida por Jean Renoir, una de las figuras mas importante del cine francés de aquella época, adaptacion de una novela de Emilie Zola, en ella se nos cuenta las andanzas de Nana para poder triunfar en el teatro y que después de un gran fracaso, no duda en entregarse a los brazos de un Conde para lograr su objetivo con su influencia, momento en el que una vez cerca de la cúspide se convierte en una mujer cruel y codiciosa que no parara ante nada.


.. y en lengua Española que?

España sigue sumida en un cine casi invisible pero puestos a referencias algún titulo podríamos hablar de "El marino español", realizada por Benito Perojo, el mismo director filmaría la primera versión de Malvaloca, la famosa obra de los Hermanos Quintero. Benito Perojo seria uno de los directores mas importantes de esta época del cine tradicional en España.

Las 5 peliculas: Año 1925

Estrenamos este año haciendo un pequeño repaso a como se encontraba el cine después de 1924, Estados Unidos vivía su época gloriosa con la comedia, también denominada slapstick (traducido del inglés como "bufonada", "payasada"; o "golpe y porrazo"), Hollywood se estaba estableciendo y reinaba Chaplin, Keaton o Lloyd artifices de ese cine, triunfaba con otros géneros D.W. Griffith, o salían del cascaron gente como John Ford, Raoul Walsh o Henry King.
Viajamos a Europa, y vemos que Alemania se ha convertido en una gran potencia gracias a la UFA, con directores como Murnau, Lang, Wiene o un recién llegado Lubitsch, en la Unión Soviética impulsado por la revolución de Octubre comenzaba a realizar cine muchas veces de propaganda, desde Suecia emigraba Victor Sjöström a Hollywood  llamado por Louis B. Mayer después de su éxito de La carreta fantasma, igualmente en Dinamarca, Benjamin Christensen sorprendía con Häxan: La brujería a través de los tiempos, o Carl Theodor Dreyer empezaba a dar signos de su talento particular,  en nuestro país vecino, Francia, las películas seriales se habían impuesto donde Louis Feuillade disfrutaba con sus seriales "Los Vampiros" o "Judex"....

1925 fue un año donde se animaron 112 personas, los éxitos empiezan a florecer y las películas son mas conocidas... vamos con los resultados


1.- La quimera del Oro de Charles Chaplin   493 votos.

Charles Chaplin pega el primer puñetazo directo a la mandíbula del sueño americano, y después del fracaso que supuso la dramática Una mujer de París donde se limito a dirigir y no se puso detras de la cámara con su personaje Charlot,  nos traslada a la época, no demasiado lejana en el momento que se rodó la película, de los buscadores de Oro, concretamente a 1884  donde se iba a inspirar en el terrible suceso de Donner Pass, allí un grupo de buscadores de Oro quedó perdido en las montañas y no tuvieron mas remedio que alimentarse de los cadáveres de sus compañeros muertos de expedición.

Es una película donde de nuevo toma una importancia capital el dinero (uno de los temas de la filmografia de Chaplin), y nos narra la búsqueda de ese pobre hombre a por su filón de oro y lo convierte en la trama principal de la película, pero a pesar de los hechos tan dramáticos que ocurrieron allí en Donner Pass, de nuevo Charles Chaplin toma como base una vez mas la comedia y la llena de gags antológicos, la tormenta que impide a Charlot salir de la cabaña, la comida de la bota cocida, con esos cordones convertidos en espaguetis o la invitación a unas muchachas para la cena de Nochevieja y por encima de todo ese baile de los panecillos con unos tenedores son claros ejemplos de ello

La película fue reestrenada posteriormente en 1942, con un nuevo acompañamiento musical y la narración con una voz en off del propio Charles Chaplin

2.- El acorazado Potemkin de Sergei M. Eisenstein   412 votos

Primer gran éxito del cine de la Unión Soviética en manos de uno de sus autores mas grandes Sergei M. Eisenstein. La película narra el motín que se produjo en 1905 en el acorazado Potemkin a cargo de los marineros contra los oficiales Zaristas que estaban al mando, sin duda después de la Revolución bolchevique aquellos sucesos eran ideales para la utilización del cine como propaganda, y para tal fin el Kremlin ordenó rodar la película para conmemorar los 20 años que habían pasado del suceso que narra,  pero esta película sin duda no se quedó exclusivamente en eso, sino en mucho mas como veremos.


El acorazado Potemkin esta desarrollada en 5 escenas: 1905: Hombres y gusanos, drama en el golfo de Tendrá, la muerte pide venganza, la escalera de Odessa y encuentro con la escuadra. Y en estas 5 capítulos Eisenstein nos enseña y sienta las bases de muchos de los elementos cinematográficos a la hora de rodar una película, introduce y pone al servicio de la historia muchos elementos, como por ejemplo el uso de rótulos que ya no servirá únicamente para contarnos parte del argumento o diálogos de los personajes, sino que los introduce a modo de mensaje que inciden en la narración de la película, también dota a las metáforas visuales de una fuerza especial durante el montaje de las mismas, crea una fotografía muy variada, casi al extremo de conseguir verdaderos cuadros en muchas de sus escenas, abundan los planos detalle cuando anteriormente aparecían de forma esporádica, y sobre todo, huye del elemento protagonista, aquí lo principal de la película no es lo que le ocurre a un personaje sino que es el colectivo en sí el que sirve de base para el desarrollo del argumento.

No quisiera despedirme sin hacer referencia a la famosa "escena de las escaleras" que tan bien imitó y puso de actualidad en su momento Brian de Palma en "Los intocables de Eliot Ness", el acorazado Potemkin es una obra que todo buen cinéfilo debería ver.


3.- Siete Ocasiones de Buster Keaton   153 Votos

Hemos hablado tanto al principio de este articulo como en el anterior del triunvirato estrella del Hollywood en la comedia, Chaplin, Keaton, Lloyd, el primero ya colocó en este año una de sus películas y le toca ahora a Buster Keaton (también conocido por "Cara de Palo") colocar uno de sus trabajos: Siete ocasiones.

La película nos presenta a Jimmy Shannon, un agente de bolsa que esta cerca de la bancarrota, su mundo se viene abajo y la esperanza esta casi perdida cuando de repente recibe la noticia de que su abuelo le ha nombrado su heredero dejando a su disposición 7 millones de dolares, pero el abuelo, juguetón, ha impuesto una única y curiosa condición... debe casarse antes de las 7 de la tarde del día de su 27 cumpleaños, precisamente el día que recibe la notificación, el plazo se agota y su novia no esta dispuesta a pasar por el altar.

Si bien en aquella época los directores de prestigio gozaban de la libertad absoluta de rodar lo que ellos quisieran, en esta ocasión fue una película impuesta por su productor Joe Schenck. El director sale airoso de la afrenta, y aunque no puso todo el interés y la motivación de un proyecto propio consiguió realizar una muy aceptable película

Hay dos escenas por la que sera recordada, y la primera de ella se origino por accidente, en cierto momento de la película hay una persecución por una cuesta, y fue en el rodaje de la misma donde Buster Keaton tropieza con una roca  y cae sin que tuviera que ocurrir, una vez estrenada la película se comprobó la enorme reacción de carcajadas que hubo en el publico por lo que volvió a rodar la escena con muchísimas rocas mas. La otra escena y ocupa gran parte del final de la película, es una carrera muy curiosa que no voy a desvelar y que espero la disfruten y la reconozcan tras el visionado del film

La película sufrió un remake a años luz del original por Gary Sinyor en 1999, titulado "El soltero" protagonizado por el ahora prácticamente desaparecido Chris O'Donnell


4.- El gran desfile de King Vidor     129 Votos

Primera gran obra maestra del director de Texas, King Vidor y protagonizada por uno de los actores con mas caché de aquella época,  John Gilbert, conocido como "El gran amante" y que junto a Rodolfo Valentino eran los mas taquilleros de la época. El éxito de la película fue tal, que con los 250.000 dolares invertidos consiguieron mas de 15 millones de dolares de beneficio, provocando que King Vidor se hiciera un sitio en Hollywood

El gran desfile es una película bélica, o un melodrama..?? son ambas cosas, el director recrea dos partes tematicamente diferenciadas de forma brillante.
La primera parte se desarrolla en clave de comedia romántica y nos muestra el romance apasionado y perfecto que tienen Jim y Melisande, Vidor consigue crear un ambiente idílico, una narración ideal para todos, con un pueblo en un paraje rodeado de montañas y bosques, donde el ocio y la felicidad campan a sus anchas, allí todo el mundo es bello y feliz y los enamorados disfrutan de su perfecta existencia con la certeza de que nada podrá perturbarla pero de repente la belleza se ve interrumpida por el estruendo de una trompeta, y el redoble de tambores turba todo, la guerra ha llegado y Jim esta dispuesto a alistarse para luchar en el frente por sus compañeros y su país, ahora la segunda parte de la película se desarrollara completamente en la guerra, metidos dentro de una trinchera y con los grandes desfiles (que da el titulo a la película) que los soldados recorrían en ellas, arranca así un fragmento bélico sin concesiones

Para la realización King Vidor consiguió diez rollos de material filmados durante la primera guerra mundial por el mismísimo ejercito, que él supo intercalar con imágenes rodadas expresamente para el film. La vida de los soldados que marchan hacia el frente, su adiestramiento, sus batallas, son auténticas. Es uno de los primeros films antibelicistas


5.- El fantasma de la opera Rupert Julian   114 Votos

La producción dirigida por Rupert Julian es la primera película que se hizo en el cine de la novela de Gastón Leroux y sin duda es la que mas ha quedado en el imaginario del amante al cine y gran parte de la culpa la tuvo un actor con una enorme versatilidad, en parte por los maquillajes que se ponía ideados por él mismo, su nombre es "Lon Chaney" y es el mayor acierto que tiene este film ya que su director fue uno mas de los que pasaron sin éxito por la meca del cine.

Por eso, y porque la historia es sumamente conocida por todos, aprovecharé para introducir unas lineas para hablar del gran  Lon Chaney, el hombre de las mil caras. Chaney nació en Colorado con la particularidad de que sus dos padres eran sordomudos, por lo cual desarrollo desde muy pequeño una facilidad asombrosa para comunicarse por pantomima, ambos progenitores estaban metidos en el mundo del espectáculo, y allí durante su niñez y su juventud Chaney dio sus primeros pasos artísticos hasta que el intento de suicidio de su madre hizo que dejaran la compañía y emigró a Hollywood donde rápidamente se especializó en personajes de películas de terror, dando vida a dos de los mas importantes de la época, Quasimodo de Nuestra Sra de Paris y Erik el fantasma de la película que comentamos. Son famosas las sesiones de maquillaje a las que se sometía para dar vida a sus personajes, murió prematuramente a causa de un cáncer de Laringe

La película no es de las mas brillante que se han realizado, hay ciertos momentos un poco repetitivos y la compañera de Lon Chaney en la obra no ayuda, es una película quizás extraña, las actuaciones tienden a ser muy exageradas, con  mucha gesticulación y ademanes muy marcados, pero aun así es una obra que se debería disfrutar por el trabajo del actor y por ese teatro de la opera que ha quedado en el subconsciente de todos nosotros.

Otras obras de importancia en 1925

La huelga de Sergei M. Eisenstein

Vuelve a repetir el genio de la Unión Soviética, en este caso de nuevo al servicio de la propaganda realizando La huelga, rodada antes que El acorazado Potemkin, narra los hechos que sucedieron durante una huelga en una fabrica metalúrgica y la brutal carga de la policía contra los huelguistas tras un suceso fortuito. Es un autentico film propagandístico donde los personajes están retratados de forma maniqueista y topica pero no deja de ser un gran ejercicio de cine antes de completar su obra maestra

Ben-Hur de Fred Niblo

Segunda adaptación de la novela de Lew Wallace tras la que se realizo en 1907 que tenia una duración de 15 minutos y que solo desarrollaba una parte de la novela, esta versión dirigida por Fred Niblo es la  que mas se acerca al espíritu de la novela y esta considerada la película mas importante de la Metro-Goldwyn-Mayer de su etapa de cine silente.
Es una película espectacular en todos los sentidos, colosal en sus escenas de acción y en los extras que trabajan, grande en su ritmo que no decae en ningún momento y larga con sus mas de 3 horas de metraje, es curioso ver partes de la película realizados en color mediante un sistema bicromático de Technicolor. Fue protagonizada por el actor de origen Mexicano Ramon Novarro.

El mundo perdido de Harry Hoyt

El mundo perdido esta basada en la novela de Arthur Conan Doyle, una expedición se traslada a Brasil donde encuentran a hombres prehistóricos y toda clase de dinosaurios. Película que será recordada sobre todo los efectos visuales de Willis O´Brien autor de la técnica de simular la animación mediante maquetas que se movían milímetro a milímetro que causaran un gran impacto en el público porque nunca antes se había visto nada semejante en pantalla. Algo que llama la atención de la película es que esta coloreada a mano, tonos amarillos para las escenas interiores, verdes para el Amazonas y rojos para los amaneceres.

Bajo la mascara del placer de Georg Wilhelm Pabst

Primera gran obra del director aleman Georg Wilhelm Pabst que contó para su película con "La divina" la actriz sueca Greta Garbo en su primer trabajo fuera de su país
La acción se desarrolla en la Viena de la posguerra, y es un film con una temática social, nos muestra los horrores de la posguerra, y como vivía la gente de la calle la situación. Es de tal realismo que en las calles se muestran algunas escenas brutales, gente que tiene que ejercer la prostitución con tal de sobrevivir, (la película es bastante explicita en este tema, de hecho hay algún fotograma en que la desnudez queda patente) por un poco de comida, o como el jefe despide a la secretaria que no se presta a servir a su jefe en una escena en la que queda claro la relación sexual que pretende obtener el hombre de ella.

El amo de la casa de Carl Theodor Dreyer

En la corta filmografia del director Danés Carl Theodor Dreyer esta es quizás una de sus películas menos conocidas pero no por ello esta exenta de una calidad indiscutible, de nuevo el sufrimiento y de nuevo la mujer como protagonista en esta historia donde un John es un tipo severo que ejerce de tirano y paga la frustración de haber perdido su negocio con los que lo rodean, incluso su esposa Mary, una mujer abnegada que soporta cada desprecio de su marido llegando incluso a caer enferma hasta que llega la madre de esta a poner orden.


.. y en lengua española que...?

Fotograma
de "Nobleza Baturra"

Cartel de La casa de la Troya (1925)

El cine en España sigue en pañales, a los pioneros que vimos en el articulo pasado se le pueden unir Jose Busch, que había dirigido en 1921 "La verbena de la paloma" yque dirige en ese año la primera versión de el abuelo basada en  la novela de Benito Perez Galdos. También podemos destacar la primera version que se hace de Nobleza Baturra dirigida por  Juan Vilá Vilamala, esta historia tan aragonesa ha sido llevada al cine en otras ocasiones, también se estreno "La casa de la Troya" de  Manuel Noriega rodada en Galicia