Las 5 peliculas: Año 1930

Comienzan los años 30, la crisis ha golpeado Estados Unidos y las películas casi en su totalidad son sonoras, ya no se respira el mismo optimismo en la Meca del Cine y quien mas, quien menos lucha por mantener su estatus dentro de Hollywood. El cine tratara de dulcificar los duros momentos que les toca vivir a la población, se intensifica la comedia, aparece el musical y el cine negro como mecanismo de escape, durante esta década vamos a ver como dos géneros de los que apenas encontrábamos producciones van a despegar, hablamos del cine de Ciencia Ficción y sobre todo del genero de Terror, de lo cual  tuvo mucha culpa el estudio Universal.
En Europa, concretamente en Francia, aparece un joven inconformista llamado Jean Vigo, que con 2 cortometrajes y 2 películas dejara huella en el cine, también en Francia Rene Clair, obtiene un gran éxito con Bajo los techos de París, preludio de una gran carrera. Las demás cinematografías sobreviven como pueden, quizás la Alemana tenga algún destello, pero muy lejos del esplendor de los Años 20. Desde el mas lejano oriente llegan las primeras películas de Yasujiro Ozu con "La mujer de esa noche" primeriza obra del interesante director. Los cambios en el cine comenzaban a llegar....por ejemplo Walter Ruttman, que decidido a explotar esta etapa sonora, sin ningún prejuicio compone "Week-End" un film donde solo hay sonidos
El  Codigo Hays entra en vigor en 1934 (Ya os hablare de él en ese año) pero es en 1930 donde nace esa idea, los estudios recibían feroces criticas de los grupos puritanos, nerviosos con Marlene Dietrich o con las canciones de May West, que llegará a abandonar el cine por culpa de tanto ataque en 1937, el rigor del Codigo Hays tiene como finalidad mostrar una sociedad inmaculada, confortable y tranquilizante, una sociedad que solo insufle a los americanos el orgullo de ser tales y un modélico "Way of life".
Es el año en el que el cine sonoro llega a su mayoría de edad y se tiene como bandera de salida la película "Aleluya" de King Vidor, una película interpretada íntegramente por actores de color y que capta la esencia de su alma a través de la música, como movimiento cinematográfico nace en Francia el realismo poético al principio de la década, movimiento muy pesimista con la crisis que asolaba no solo a Estados Unidos sino Europa, para trasformase a mediados de década en un ingenuo optimismo entre otras cosas por la aparición del Frente Popular de Leon Blum, y terminar la década con sombríos planteamientos, presagio de la Segunda guerra mundial.
Bajo los techos de Paris inicia el Realismo Poetico, el mencionado Rene Clair fue uno de los que mas se opusieron al sonido y como muestra realiza una escena en esta película donde se ven a los protagonistas discutiendo tras una puerta de cristal y no llegando sonido alguno al espectador.
Es el año también del nacimiento de iconos de los dibujos animados, le damos la bienvenida a Popeye, el marino con su gran fuerza provocada por las espinacas o la seductora Betty Boop, Disney creara al perro Pluto.

1.- El angel Azul

Dirigida por Josef von Sternberg, referenciado ya con otras dos obras como son La ley del Hampa y La Ultima orden, es en esta obra donde podemos ver el primer papel principal de una actriz alemana que llegaría a la cúspide de Hollywood, nos referimos a Marlene Dietrich, acompañada en esta ocasión por el grandísimo actor Alemán, Emil Jannings (El ultimo, Fausto, La ultima orden). La película respira una extraña atmósfera, perniciosa y asfixiante.

El Ángel Azul nos cuenta la historia de un estricto profesor que ante la noticia de que algunos de sus alumnos pasan las noches en un cabaret llamado El Ángel Azul, decide ir por su cuenta una noche para tratar de descubrir sus identidades. Lo que no se esperaba es que fuese seducido por la principal cantante del local, Lola-Lola, interpretada por Dietrich.
Al poco tiempo el profesor ha de dejar su puesto ante la imposibilidad de ejercer como tal y tener una relación con una cantante de cabaret, lo que será el principio de su caída a un pozo de humillación y degradación.

No vamos a engañaros, pero la temática del film no entraña ninguna novedad de lo hasta ahora visto, la Vamp devoradora que había sido retratada innumerables veces en el cine, empezando por la magnífica Theda Bara, Pola Neri o la mismísima Greta Garbo, lo que realmente resalta en este film es el tratamiento que el director le dá, regocijándose en la herida sobre todo moral que ejerce sobre el profesor
Grandísimo despliegue actoral de Emil Jannings interpretando a Inmanuel Rath -llamado por sus alumnos Unrath (basura)- un profesor rígido y  severo, y cuya profesión es el único aliciente en cada espacio de su vida, un ser que no conoce ni disfruta de otra cosa. Sus devaneos y su inexperiencia ante las eróticas insinuaciones de Lola-Lola, lo delatan como un patético niño, un payaso, una marioneta en manos de esa Marlene Dietrich, que nos deja una icónica imagen de la historia del cine, esas piernas cruzadas y desnudas desde el nacimiento de las mismas, una Marlene Dietrich que ese mismo año tendría su oportunidad en Hollywood y que realizaría una sociedad artística con Josef von Sternberg que nos dejaría un puñado de obras maestras, no fue ningún impedimento para el triunfo su voz desgarrada, todo lo dominaba esa presencia endiosada que con una mirada te despreciaba.
Una obra reflexiva que escarba en lo más profundo del derrumbe anímico y moral de la dignidad y respetabilidad de una persona que se consume en el fragor de las delicias carnales y mundanas. Una obra que no envejecerá nunca por abordar un tópico siempre vigente.
Se viene a considerar a El Angel azul como la primer gran película Alemana sonora.

2.- Sin novedad en el frente

“Este relato no es una confesión ni tampoco una acusación y mucho menos una aventura, ya que la muerte no es ninguna aventura, para quienes se enfrentan a ella cara a cara. Sencillamente trata de hablar de una generación de hombres a quienes a pesar de haber escapado de las bombas, la guerra destruyó“

¿Película bélica o película antibelica? estamos sin duda ante la segunda opción, todo un alegato contra la guerra, contra la fuerza de las armas, contra mandar a las personas al matadero por los caprichos de los gobernantes autoritarios, dirigida por Lewis Milestone, estamos ante la obra maestra absoluta del director americano de origen Ruso, adaptación de la novela homónima del escritor alemán Erich María Remarque publicada en 1929.

Sin novedad en el frente nos cuenta las vivencias de un grupo de jóvenes amigos alemanes encabezados por Paul Baumer (Lew Ayres) que estando en la escuela son convencidos por su maestro a través de discursos llenos de patriotismo para unirse al ejército Alemán y combatir en la Gran Guerra para defender y luchar por su país. Entusiasmos, se alistan sin tener conocimiento de lo que realmente les iba a esperar, la guerra es sinónimo de dolor, de trauma, de penurias, de sangre y de injusticia, poco a poco y según va transcurriendo el film, cada uno de los protagonistas van descubriendo el valor y el significado que tiene su presencia allí.

Sin novedad en el frente se enmarca dentro de esa tendencia de preocupación social, de compromiso según la terminología al uso, típica de su director. Aborda además un tema, el de la guerra, que es una constante en su filmografía. Lejos de dejarse seducir por el aspecto romántico y de ofrecer una visión idealizada de los campos de batalla, Milestone subraya lo absurdo e inhumano de los conflictos bélicos y todo lo que tienen de deshumanizadores. Quizá influyera en ello su conocimiento de las trincheras francesas durante la Gran Guerra. Es ademas una obra realizada con tal grado de perfección y realismo que parece increíble que sea de 1930

Sin novedad en el frente fue boicoteada en Alemania, su estreno en Berlin provocó choques entre los nazis que pedían su prohibición y los comunistas que la defendían, se llegó incluso a quemar cines que exhibían el film en el momento de su estreno, fueron destruidos rollos de la película cuando el partido Nacionalsocialista llegó a poder.
Una generación destruida por la guerra  "ahora estamos agotados, deshechos, calcinados, sin
raíces ni esperanza. Ya no podemos encontrar el camino que nos conduzca a nosotros mismos."

Premios:
- Oscar a la mejor película 1929
- Oscar al mejor director


3.- La edad de Oro

La edad de Oro fue el siguiente trabajo de Luis Buñuel después del cortometraje Un perro Andaluz, que realizó junto a Salvador Dalí en 1929, en esta ocasión el director aragonés tuvo que emigrar a Francia para poder encontrar la financiación y los medios para llevar a cabo su pelicula, un trabajo de nuevo totalmente surrealista, que nos muestra no sólo el conflicto freudiano entre la moral represesora del superyó y las pulsiones sexuales y agresivas del inconsciente sino también el poder de la ideología, la religión y la cultura en la opresión a las clases trabajadoras, el director no pierde la oportunidad de atizar fuerte y sin piedad a todos aquellos poderes que mediante la excusa de la educación, te forman de manera que únicamente eres un siervo de ellas, estamos hablando de las ideologías, la religión y todos aquellos que oprimen a la clase trabajadora, pero hay espacio para el amor, en esta ocasión el amor loco, aquel que deja libre nuestros deseos sin atadura de ningún tipo aunque las circunstancias aconsejen lo contrario, es la esencia del ser, buscar el placer justo cuando lo necesitamos lejos de las normas que nos quieran imponer.

Se trata, pues, de la rebelión de dos amantes que se niegan a que su amor, pasional y sujeto sólo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales tradicionales, la línea temática principal es el amor y el deseo (con toda la carga de sensualidad, sexualidad y frustración que implican) y, por otra parte, los intentos de estos dos amantes de volver a la edad de oro (se ve, pues, que el título de la película recoge uno de los principales temas de los que trata), es decir, de acabar con la sociedad burguesa asentada.
A ratos hipnótica, a ratos aburrida en otros momentos apasionante, y luego incomprensible. Así es la surrealista obra de Buñuel y en esta ocasión con un resultado irregular, con momentos memorables (el "incidente" en la casa de los ricos), y con otros que no lo son tanto.

Por ultimo contaros que Buñuel trato de contar con Salvador Dalí  para escribir el guión de La edad de oro, de la misma manera que lo hizo con Un perro andaluz, incluso viajó a Figueras para tratar de convencerle pero la conexión con Dalí se había roto. Buñuel se pregunta si era ya la influencia maléfica de Gala. Otro aspecto es que como sucedió con Sin Novedad en el Frente, la película sufrió la censura y después de una semana de exhibición en un cineclub Frances, y debido a la presión de la extrema derecha y de la burguesía Francesa, la película fue retirada y no se pudo volver a ver en Francia hasta 1981



4.- El conflicto de los Hermanos Marx

La llegada al sonoro de Los Hermanos Marx no fue muy afortunada como vimos en el articulo sobre 1929 , y pasaría alguna película mas hasta que consiguieran sus verdaderas obras maestras, en este caso una alocada historia de enredos donde Groucho dispara verbalmente una y otra vez, Chico luce su habilidad al piano y Harpo toca como los ángeles el arpa... es caso es que en el momento de hacer esta película los Hermanos Marx eran todo unos ídolos en Broadway y estaban en la cima de su carrera teatral, el cine no les había resultado totalmente satisfactorio y no tenían muchas ganas de volver, pero el crack de 1929 les había hecho perder todos sus ahorros y quizás el cine era la forma mas rápida de recuperar todo lo perdido.

Todo lo desencadena la llegada del Capitán Spaulding (Groucho) recién llegado de África a la mansión de la señora Rittenhouse, donde le están preparando una gran recepción en su honor. El motivo entre otros es poder disfrutar de la visión de un famoso cuadro que, albricias, acaba siendo reemplazado por dos copias provocando el caos. A partir de ahí, Groucho, Chico y Harpo exhiben su torrente, Groucho escupe sus réplicas contra cualquiera que se le acerque, Chico se dedica a estafar y sacar partido de todas las situaciones con su palabrería y su zalamería. Harpo persigue a cualquier cosa con dos piernas que se le pase por delante y en cierto momento empieza a disparar con una escopeta por toda la casa sin ningún motivo aparente....mientras Margaret Dumont asiste horrorizada a lo que ocurre y no logra entender bien qué está pasando.

Se le acusa de tener una dirección demasiado teatral y un guion que haría sonrojar a cualquier guionista medio. Aun así si que da para una comedia entretenida, que provocara mas de una carcajada a cualquiera que la vea.
El conflicto de los Marx pasó por los tabloides antes de llegar al cine. Fue representada durante 191 noches por Los hermanos Marx y Margaret Dumont en el Teatro de la Calle 42 de Broadway.

No me despido sin alguna de las frases que pasaron a la historia y que nos dejo Groucho

"Le compraría un paracaídas si supiera que no se iba a abrir."
"Es usted la mujer más bella que he visto en mi vida... lo cual no dice mucho en su favor"


5.- Marruecos

Segunda colaboración entre el director alemán Josef von Sternberg y la actriz Marlene Dietrich, en esta ocasión cogieron las maletas y se fueron a Hollywood donde la Paramount les ofreció la oportunidad de rodar junto a un incipiente Gary Cooper una historia con aires de aventuras exóticos pero que se quedaria en una brillante historia de amor.

Como he dejado entrever Marruecos nos cuenta una historia muy sencilla, el amor es el eje donde se sustenta el film, Amy Jolly (Marlene Dietrich) viaje muy a su pesar a Marruecos, en busca de la fortuna que siempre se le ha negado, para actuar de cabaretera en un local frecuentado por los soldados de la Legión Extranjera y donde podrá poner a prueba sus dotes de artista... entre esos espectadores se encuentra el

pernicioso soldado Tom Brown, famoso por su éxito con las mujeres y por sus trucos para evitar todos los peligros que su profesión le requiere, en la primera actuación pone sus ojos en la nueva Cabaretera, mientras trata de desembarazarse de mujeres que pululan a su alrededor en busca de dinero y consuelo... sin embargo en la vida de Amy ha entrado Kennington (Adolphe Menjou), ciudadano del mundo y rico que corteja a la cabaretera con la intención de casarse con ella y poder llevar juntos una vida... esa la encrucijada en la que se encuentra Amy, que no sabe que dictado seguir, si el de su cabeza o el del corazón.

Para la historia del cine y de la propia Marlen ha quedado la escena, con las que aumento su fama de femme fatale sexualmente ambigua. Aquí no sólo aparece vestida de hombre, con un frac y chistera, rompiendo las lindes entre los géneros, sino que, además, durante el primer número flirtea con una espectadora a la que finalmente besa en la boca, transgrediendo con este gesto los cánones sexuales al uso.

Premios: 4 nominaciones a los Oscars



Otras obras a resaltar en 1930

Bajo los techos de Paris
Estamos ante el primer filme Galo que usó de manera eficaz el sonido, en el aspecto técnico y más aún en el artístico. Dirigido por Rene Clair, cosechó un grandísimo éxito de taquilla y critica que catapulto la figura de su director que a continuación realizaría otras dos grandes obras de enorme calado como fueron "El millón" y "Viva la libertad", si bien el éxito fuera de sus fronteras vino motivado por el fiel reflejo que hacía de esos bajos fondos de Paris, una ciudad mítica en aquel entonces y destino soñado de artistas y bohemios.
La historia es sencilla y mil veces vista...... Un cantante callejero Albert se enamora de Pola, una bella inmigrante recién llegada de Rumania, quien está siendo acosada y humillada por el violento chulo Fred. Juntos huirán y vivirán aventuras y desventuras por esas calles de Paris hasta que por un malentendido, Albert termina en la cárcel y cuando días después sale libre de culpas, se encuentra que Pola ya tiene otro galán, el mejor amigo de Albert.

El pan nuestro de cada dia
Primero avisar, en esta decada existen 2 películas con el mismo titulo, en este caso hablaremos de la dirigida por Murnau, su penúltimo trabajo antes de su trágica desaparición y ultimo de ficción, otra gran película quizás sin el renombre y la fama de Amanecer y su posterior trabajo "Tabu".
Un joven granjero es enviado por su padre para realizar trámites en la ciudad. Allí conoce a una joven que, abrumada por las condiciones de trabajo y en razón de las galantes atenciones del joven, termina casándose precipitadamente con él, tras una relación de sólo dos días. La joven es bien recibida por la madre pero choca con los prejuicios del padre, verdadero amo del hogar y la vida de la nueva pareja se transforma en un calvario.
El argumento reposa sobre ese contraste entre vida rural y vida urbana. El retrato del mundo urbano resalta la impersonalidad; la ciudad como amenazante masa es criticada, en cambio esos momentos de los enamorados en un campo de trigo podrían señalar que es el otro extremo, la vida más cercana a la naturaleza, es lo que ensalza el director

Asesinato
Volvemos a Alfred Hitchcock, es argumento nos muestra a Diana Baring (Norah Baring), una joven actriz, que es acusada del homicidio de una compañera de su misma compañía teatral a la que ella pertenece. En el jurado encontramos al célebre actor Sir John (Herbert Marshall) que cree firmemente que la joven es inocente pero no logra convencer al resto y Diana es condenada a la pena de muerte. Un sentimiento de culpabilidad cae sobre Sir John que inicia su propia investigación con ayuda del director de la compañía teatral, Ted Markham (Edward Chapman) y de la esposa de éste (Phyllis Kenstam) con el objetivo de salvarla de la pena capital.
En Asesinato se utiliza por primera vez en el cine la voz en off como monologo interior de un personaje, terminamos viendo una película interesante, hecha con oficio, si bien algunas de sus secuencias pueden parecernos ahora algo ingenuas y determinadas actuaciones demasiado teatrales.


Los angeles del Infierno
Película dirigida por Howard Hughes, nombre que seguro que a muchos de vosotros os suena y que solo ha dirigió dos películas ¿motivo? Las dos son grandes obras pero lo que le hizo mas famoso fue su vida personal y sobre todo el Biopic que realizo Martin Scorsese en 2004 titulada El aviador, Hughes fue un autentico tiburón financiero en el Hollywood de aquella época y duplico su fortuna gracias a sus inversiones en cine.
Con respecto a esta película y como ocurrió con "Sin novedad en el frente" nos sitúa en la Gran Guerra, pero en este caso en las batallas y soldados del ejercito del aire, dos hermanos ingleses se alistan en las fuerzas áreas Inglesas, no con el objetivo de salvar a su patria, sino conquistar el corazón de una mujer.
Con un coste de 3 millones de dolares se convirtió en la película mas cara hasta entonces rodada, y la multitud de problemas que dio el rodaje (incluida la muerte de 3 pilotos) fue un verdadero quebradero de cabeza tanto para el director como para el Estudio, ademas cuando tenia mas de media película rodada hizo aparición el cine sonoro con lo que decidió volver a empezar a rodarla en este nuevo formato.
Obtuvo una Nominación al Oscar como mejor película.


Abraham Lincoln
Dirigida por uno de los denominados padres del cine, el director D.W. Griffith en la que fue la primera película hablada de las únicas dos que realizo
Nos encontramos aquí ante un Biopic del decimosexto presidente de los Estados Unidos, y quizás el mas conocido por todos y se aleja de la opulencia y de los grandes fastos que habían presidido sus películas para narrarnos de forma sencilla y concisa la vida de este mandatario interpretados por un magnifico Walter Houston (Padre del famoso director John Houston).
No es una brillante película, es mas muchos nos habíamos quedado en su etapa de cine mudo por la que es mas reconocido Griffith, sin embargo encontramos en esta producción una película muy digna, con un trabajo de elementos cinematográficos muy importante pero que quizás se le note el coste que conllevo el paso al sonoro para alguien que tan bien trabajó el cine mudo.


...Y en lengua Española que ...?

Lo mas destacable de aquel año es La aldea Maldita, la obra maestra del cine silente Español, de apenas una hora de duración, y dirigida por Florian Rey uno de los pioneros del cine mudo en España, que dirige este drama rural que tuvo un importante éxito mas allá de nuestras fronteras.
La trama se desarrolla en algún lugar de Castilla, a principios del siglo XX y nos cuenta la historia de Juan y Acacia, que viven en un pueblo donde lleva 3 años donde las inclemencias meteorológicas han devastado todas las cosechas obligando a la mayoría de los habitantes a trasladarse a la capital si no quieren morir de hambre. Hay es donde hace acto de presencia el "Honor", el apego a las raices, a la familia a lo que has vivido y te han contado, a tu lugar y como alguno de esos habitantes deciden quedarse.
La aldea maldita es, sin ningún género de dudas, la primera obra maestra del cine español. Existe una versión realizada en 1942 por el mismo Florian Rey de una calidad inferior.


Quiero reseñar tambien para lo amigos Latinoamericanos la obra Tengo Miedo, producción Argentina que es una de las primera películas sonoras de toda Latinoamerica filmado sobre la canción del mismo titulo de Carlos Gardel esta considerado uno de los primeros videoclips de la historia del cine.